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Después de más de un siglo y medio en Francia, un códice precolombino de apenas 50 páginas volvió temporalmente a México para una exposición especial en el marco del bicentenario de las relaciones entre los dos países. En él Codice de Azcatitlán está plasmada la voz pictórica de un pueblo que narra su propia migración, su caída y su resistencia.  El Códice Azcatitlan es un manuscrito pictórico excepcional de apenas 50 páginas. Allí se cuenta la historia de los mexicas, la última civilización antigua mexicana, desde su migración a la ciudad sagrada de Tenochtitlan hasta su caída tras la conquista y su evangelización. Este documento que dejaron los mexicas se conserva actualmente en la Biblioteca Nacional de Francia, pero gracias a un intercambio cultural entre los dos países, el Códice Azcatitlan puede verse de forma temporal en el Museo Nacional de Antropología. A cambio, México prestó el Códice Boturini, que se exhibe en París. El historiador Baltasar Brito es uno de los curadores de la muestra mexicana y asegura que el hecho de "que por primera vez se pueda ver este códice después de 186 años nos cuenta precisamente cómo se dieron los hechos históricos, pero no contados por los conquistadores, sino es la voz de esos pueblos, la historia de esos pueblos, pero contada por ellos mismos. No es la voz de Hernán Cortés, no es la de Bernal Díaz, la de Tapia o de cualquier otro personaje, los frailes; es la voz de un tlacuilo que representa a todo un pueblo y que deja plasmada su percepción sobre una historia propia. Y en ese sentido tiene mucha más relevancia que sea la historia contada por ellos mismos." Leer tambiénCódice Azcatitlan: regresa a México obra del siglo XVI tras pasar casi dos siglos en París -Y usted como investigador, ¿qué posibilidad ve de que este código regrese definitivamente a México, que es una reivindicación del público y de los mexicanos? "Creo que hay muchas posibilidades, pero eso dependerá del acuerdo al que se pueda llegar entre ambos países. Estoy seguro de que en un marco de amistad, se puede todo. Para México, un códice es un símbolo de identidad. Aquí me ha tocado ver gente que llora de la emoción. Las comunidades indígenas han venido y han hecho ciertos, este, rituales pequeños, hacen ciertas expresiones que de pronto uno las ve y dices: 'Yo nunca pensé que alguien de una comunidad sienta eso". Pero eso habla precisamente de un gran interés, de un gran amor a este tipo de artefactos culturales, porque son un espejo de las culturas que ellos todavía detentan, de un idioma que todavía hablan. Y qué mejor que un documento de estos se convierta en un símbolo de esa identidad, como lo es el Códice Azcatitlan para los pueblos de México, ¿no?" Leer también¿Porqué son tan importantes los reclamados códices Azcatitlán y Borbónico para México? La exposición del Códice Azcatitlan puede verse hasta el mes de diciembre en el marco de los festejos por los 200 años de las relaciones entre México y Francia.

Esta película filmada en un sublime en blanco y negro, pone el foco en el momento del golpe militar contra Allende, y narra cómo se vivió en el corazón de las fuerzas armadas chilenas. Por su parte, la mexicana "Morro" fue otra de las ganadoras, acumulando tres premios   "Hangar Rojo" explora el dilema existencial de un capitán de la aviación chilena que recibe la orden de convertir su academia en un centro de torturas pocas horas después del golpe de Estado contra Salvador Allende. Esta cinta que ha tenido un largo recorrido por festivales internacionales se alzo el jueves por la noche con el premio "El Abrazo" a la Mejor película. El director chileno Juan Pablo Sallato no pudo estar en Biarritz para recibir su premio pero agradeció el reconocimiento con un mensaje de video desde Santiago.  "Hangar Rojo" también fue galardonada con el premio del público de Biarritz y con la mejor interpretación para su protagonista, el actor Nicolas Zarate, impresionante en los zapatos del capitán Jorge Silva, quien falleció en 2024 en Londres. Otra película multipremiada en Biarritz fue "Morro", del mexicano de Rodrigo García Saiz, largometraje que retrata el duelo y la violencia a través de un veterinario rural que debe encargarse de un perro herido en un tiroteo entre narcotraficantes. La cinta se llevó el premio de los habitantes de Biarritz y el de la crítica. El premio del jurado fue para "Nunkui", de la ecuatoriana Verenice Benítez, una oda a la naturaleza y a la cosmovisión del pueblo shuar. El Festival Biarritz América Latina cerrará el viernes por la noche con la proyección de la película documental “El partido”, sobre aquel famoso encuentro entre Argentina e Inglaterra en cuartos de final de la Copa del Mundo México 86.

El Festival Biarritz América Latina, en el sur de Francia, el músico chileno Eduardo Carrasco, líder del emblemático grupo Quilapayún, fue homenajeado con un Abrazo de Honor. Un informe de María Carolina Piña, desde Biarritz. Eduardo Carrasco tiene hoy 86 años. Y con ímpetu levantó la estatuilla que el Festival Biarritz América Latina le entregó por su aporte a la música y a la lucha contra la opresión. “Una relación muy profunda con el pueblo vasco” El líder del mítico grupo chileno Quilapayún recibió un Abrazo de Honor, y escuchó al público de Biarritz entonar “El pueblo unido jamás será vencido”, una canción contra la dictadura chilena que se volvió un himno planetario. “Para nosotros es muy emocionante porque no es la primera vez que venimos a Biarritz, hemos estado muchas veces acá, en los tiempos en que había en Francia una gran solidaridad y un gran interés por la suerte de nuestro pueblo. Y nosotros veníamos a cantar, siempre tuvimos una relación muy profunda con el pueblo vasco”, explicó Eduardo Carrasco a RFI. “Cantaron el pueblo unido, que ha tenido una especial recepción, no solo entre los franceses, sino que en América Latina, en África, en Asia. La gente más diversa ha tomado esta canción como propia y han transformado esta consigna, ‘el pueblo unido jamás será vencido’, como una cosa propia. Así que para nosotros siempre va a ser muy emocionante y, sobre todo, emotivo para muchos pueblos”, subrayó. “Nos encontrábamos en Francia cuando ocurre el golpe” Carlos Quezada, otro de los Quilapayún, recordó ante nuestros micrófonos la ayuda vital que los unió para siempre a Francia: “Nosotros, por casualidad, nos encontrábamos en Francia cuando ocurre el golpe de Estado en Chile. En un momento no sabíamos qué hacer ni dónde vivir. Y en ese momento aparecen los franceses que nos habían invitado a venir acá para cantar, ofreciéndonos toda la ayuda necesaria para que nos instalemos a vivir aquí. Nos ayudan para que nuestras familias que se quedaron en Chile puedan reunirse con nosotros acá. Ese gesto me parece a mí que es lo más maravilloso que puede existir para poder seguir viviendo y también seguir cantando, que era nuestro destino”. Este año el Festival de Biarritz entregará otro Abrazo de Honor al prolífico escritor cubano Leonardo Padura.

El Festival internacional de fotoperiodismo “Visa pour l’image” en Perpiñán, sur de Francia, expone un fotorreportaje que explora el tráfico mundial de la cocaína y sus consecuencias humanas en los países productores y consumidores. ¿Quiénes producen la cocaína? ¿Quiénes la transportan? ¿Y quiénes la consumen? El fotoperiodista danés Mads Nissen puso su cámara en cada etapa de este jugoso tráfico, desde su producción en América Latina, pasando por las mulas, hasta las discotecas donde se consume en Europa. El resultado es esta serie fotográfica “Sangre Blanca”, presentada en "Visa pour l'image", que documenta la “era dorada de la cocaína” en la que producción y consumo baten récords históricos. “Queríamos mostrar cómo está conectado lo que estamos viviendo aquí (en Europa) con el crimen y el consumo, con la guerra que está en América Latina. Muchas veces esta parte del mundo culpa a países productores como Colombia. Pero olvidan evaluar su propia responsabilidad y ver cuáles son las consecuencias del consumo acá. Ahora estamos en la época de cocaína: nunca ha habido tanta cocaína en el mundo, la producción, el consumo. Y en el centro de todo eso está Europa, donde ahora se consume más cocaína que Estados Unidos”, explicó Mads Nissen. El fotoperiodista danés pudo llegar a los centros de producción en Colombia y a las redes de narcotraficantes en México. También documentó el consumo de los jóvenes en países como Suecia, Dinamarca y Alemania, lo que se ha convertido en un problema sanitario acuciante. “Es una economía ilegal, todo es clandestino, en la sombra. Lo difícil para mí como fotógrafo fue ir a esos lugares, tener el acceso para ir por allá y tomar estas fotos. Estuve trabajando en Colombia, con los carteles en México y con los grupos criminales aquí en Europa. Ganar esa confianza es lo difícil; tomar las fotos es lo fácil”, asegura. Para Nissen, el título de su serie debía reflejar la tragedia de la cocaína tanto para todos los que sectores implicados. “Yo estuve en los laboratorios; no hay cocaína pura, está llena de químicos. En las calles tampoco hay cocaína pura, está llena de sangre. Quería un título que hablara de eso, de la sangre blanca, la cocaína y las consecuencias para la sociedad de ese negocio mundial”, concluyó. “Sangre blanca “del fotoperiodista danés Mads Nissen puede verse de forma gratuita en “Visa pour l’image” y publicará en forma del libro.

Una impactante serie fotográfica de la fotógrafa francesa Elise Blanchard, titulada "Afganistán: las niñas vendidas para sobrevivir a la sequía", muestra la tragedia de niñas y adolescentes entregadas en matrimonio para saldar deudas en un contexto agravado por la sequía y la pobreza. La exposición se presenta en Perpiñán, en el sur de Francia, en el marco del Festival Internacional de Fotoperiodismo Visa pour l’Image. Informe de María Carolina Piña. En la provincia afgana de Badghis, las niñas y adolescentes se han convertido en una mercancía que puede venderse para sobrevivir a las dificultades derivadas del cambio climático. Esto es lo que cuentan las fotos de Elise Blanchard. La fotógrafa francesa pasó siete años en Afganistán y documentó los matrimonios de bebés, niñas y adolescentes, sacrificadas para salvar a sus familias de la hambruna. "Este sistema apareció con el cambio climático. La gente vive de la tierra y del ganado. Pero cuando no llueve durante años y la tierra no produce lo suficiente, terminan endeudados. La solución es dar a las niñas en matrimonio, o mejor dicho, venderlas. La tradición en Afganistán es que el novio entrega una dote a la familia de la novia. Y eso ahora puede ocurrir cuando las niñas tienen 2 o 3 años, incluso un mes de nacidas. Eso depende de cada familia. El prometido puede ser alguien a quien se le debe dinero. O un hombre que busca una segunda o tercera esposa. A veces, el contrato se hace con la madre del novio. La dote se paga durante varios años y, cuando se salda la deuda, la niña o adolescente debe ir a vivir con su nueva familia. Es trágico". Las fotos de Elise Blanchard muestran campos áridos que contrastan con los atuendos coloridos de jóvenes casadas cuando todavía eran unas niñas. O mujeres que se tapan la cara, pero que posan con sus maridos e hijas prometidas a hombres a veces mucho mayores. Un sistema que genera ingresos, pero también mucho sufrimiento. "Conocí a decenas de familias en distintas localidades del país; vi a padres destrozados por esta situación. Recuerdo a un papá que se puso a llorar mostrándome las fotos de sus dos hijas, de 7 y 9 años, que se habían ido muy lejos con las familias de sus maridos y a las que nunca volvería a ver. Vi madres deshechas, niñas traumatizadas. Mi trabajo fue mostrar esa situación en Afganistán, que es un país muy complejo, con problemas terribles. Decir que lo entendí todo, luego de pasar siete años viviendo allí, sería ridículo", reconoce.

Durante nueve días, hasta el fin de semana pasado, la ciudad de Resistencia, capital de la provincia argentina del Chaco, se vio transformada por uno de los eventos culturales más importantes del país. La edición número 38 de la Bienal de Escultura del Chaco, que tuvo lugar en el Parque Intercultural 2 de febrero, recibió más de un millón de visitas. Por nuestro corresponsal Natalio Cosoy, desde Resistencia Caminando por el centro de la ciudad de Resistencia, es prácticamente imposible avanzar más de 50 o 100 metros sin encontrarse con alguna escultura. Las hay figurativas, abstractas, pequeñas, enormes, en madera, en piedra o en hierro, en las veredas y en los parques. Más de 730 esculturas en espacios públicos de toda la ciudad. “La gente se apropia más de la obra” En este marco se lleva a cabo la Bienal de Escultura del Chaco. El evento tiene lugar en un inmenso parque, en cuyo corazón 10 artistas seleccionados de entre 439 postulantes de 70 países transforman bloques de mármol con sierras, cinceles y otras herramientas, envueltos en nubes de polvo. Entre ellos conocimos al chileno Mauricio Guajardo, luego declarado ganador del concurso, que estaba convirtiendo un bloque de mármol en una figura geométrica en la que predominaba el vacío. Guajardo valora especialmente el trabajo frente al público, que se agolpa alrededor de los escultores: “Yo creo que también este vínculo que se forma, digamos, con esto de salir a la calle con nuestros talleres. Porque en el fondo me imagino que la gente que ve y haciendo tu trabajo, se relaciona y en el fondo se apropia más de la obra”, estima. Tan es así, que también inspira a nuevos artistas, como Noelia Pacheco, que está entre el público, estudia arte en Buenos Aires y creció en Resistencia. “Yo creo que es prácticamente un 60% de mi crecimiento en lo que yo hago, lo aprendí acá”, dice. “Posibilidad de establecer un vínculo emocional” Ya son más de 60 años desde que comenzaron a instalarse esculturas en Resistencia. Pero todo se aceleró con la creación de este encuentro hace unas cuatro décadas: “Creo que ese gesto generó la posibilidad de establecer un lazo, un vínculo emocional de la comunidad con los artistas porque la posibilidad de verlos trabajar, de vincularse con ellos, de ser testigos y ser parte de la creación de esas obras de arte, creo que es lo que explica el por qué las esculturas en Resistencia no necesitan vallados”, considera José Eidman, presidente de la Fundación Urunday, a cargo de la organización. Terminada la Bienal, se instalarán las obras realizadas por los artistas que participaron del evento, aumentando el acervo escultórico de este gran museo al aire libre que es la capital del Chaco.

Este 10 de junio será la inauguración oficial de la Torre de Jesus de la Sagrada Familia en Barcelona, coincidiendo con el centenario exacto de la muerte de Antoni Gaudí, el vanguardista arquitecto catalán al mando de esta obra colosal. La ceremonia será presidida por el papa León XIV en su visita apostólica a España. Según las últimas estimaciones, la Sagrada Familia se terminará en 2036.  La Gran Cruz, revestida de vidrio y cerámica esmaltada en color blanco, se alza ahora como el punto más alto del templo, alcanzando los 172,5 metros de altura. Este detalle no solo transforma el skyline de la ciudad condal, sino que simboliza el avance hacia la culminación de un proyecto que ha cautivado al mundo durante más de un siglo. Para visitantes como Ana Isendra, mexicana radicada en España, la experiencia es única: "Tenemos un amigo que vino de Italia y se la vamos a enseñar", comenta entusiasmada mientras que su pequeño hijo Aiton, señala con asombro la nueva cruz recién colocada. Leer tambiénLa Sagrada Familia en Barcelona alcanza su punto más alto con la Torre de Jesús Para los locales, la Sagrada Familia es parte intrínseca de sus vidas, aunque siempre acompañada de grúas y andamios. Leticia y Jaume, catalanes que han visto crecer el templo década tras década, comparten un sentimiento agridulce: "Es un honor para nosotros tener la Sagrada Familia, es un orgullo... lo que pasa es que siempre está inacabada", explica Leticia. Por su parte, su esposo Jaume añade entre risas: "Desde que éramos niños, y ya tenemos más de 70 años, ya veíamos que estaban haciendo la Sagrada Familia. No creo que hayamos conseguido nunca una foto en la que no salga una grúa". El legado visionario de Antoni Gaudí La historia del templo se remonta al 19 de marzo de 1882, cuando se puso la primera piedra por parte del obispo Urquinaona. Primer paso para seguir el plano de una iglesia católica neogótica, diseñada por el arquitecto diocesano Francisco de Paula del Villar. Solo un año después, el genio Antoni Gaudí tomó las riendas del proyecto, reimaginándolo por completo bajo los principios del modernismo catalán. Gaudí dedicó su vida a esta obra hasta su fallecimiento el 10 de junio de 1926. Daniela Longobardi, guía oficial de la basílica, explica que la Sagrada Familia es, en esencia, un resumen de toda la arquitectura de Gaudí: "Le preguntaron si le importaba morir y dejar el proyecto de su vida en manos de otros arquitectos. Él dijo que para nada. Tenía una idea de este edificio como un proyecto colectivo a través del paso del tiempo". Según Longobardi, Gaudí dejó deliberadamente ciertos aspectos sin resolver, confiando en que futuros arquitectos utilizarían técnicas avanzadas y estilos vanguardistas para completar su visión, tal como ha sucedido con la Torre de Jesús, construida con métodos que en tiempos de Gaudí habrían parecido de ciencia ficción. Un desafío técnico financiado por el mundo La construcción de la Sagrada Familia representa un enorme reto técnico y económico. Los trabajos se financias mediante donaciones y las visitas de personas de todo el mundo. Según cifras del Observatorio de Turismo de Barcelona, la Sagrada Familia es el lugar más visitado de la ciudad, con 4.961.306 visitantes en 2025. Eso sin contar con los miles de turistas que visitan Barcelona en un solo día, por ejemplo, durante una escala de crucero, y no tienen tiempo para hacer las largas filas para entrar, por lo que la observan desde el exterior. Tanto en su exterior como en su interior, el diseño innovador y complejo está lleno de simbolismo. Un ramillete de torres apunta al cielo, mientras que, en el interior, un bosque de columnas se ilumina con la luz natural que atraviesa los vitrales multicolores, creando una atmósfera espiritual que deja sin aliento a todo aquel que la visita. Con la Torre de Jesucristo ya coronada, Barcelona se prepara para el capítulo final de esta epopeya arquitectónica que, finalmente, parece estar más cerca que nunca de su conclusión. Según las últimas estimaciones, la Sagrada Familia estará terminada en 2036.

La película "Fjord" se alzó el sábado con la Palma de Oro a la Mejor película al término de la 79ₐ edición del Festival de Cannes. La elegante velada en el Palacio de los Festivales congregó a la crema y nata del cine mundial, con la presencia de artistas como Penélope Cruz, Zoe Saldaña o Geena Davis. El aclamado director rumano Cristián Mungiu alzó el sábado la segunda Palma de Oro de su carrera por "Fjord", un drama sobre las diferencias culturales entre los países de Europa a través de una piadosa pareja rumano-noruega que se instala con su familia en un fiordo. Cuando las maestras de los niños descubren moretones en sus cuerpos, la sociedad comienza a cuestionar las costumbres conservadoras de los padres evangélicos y estalla un álgido debate en medio de la atmosfera glacial nórdica. “Déjenme por favor saborear este momento. Un premio de esta categoría, por segunda vez… Hoy en día es un riesgo elevar la voz frente a los peligros que nos acechan. Hay cosas de las nadie quiere hablar. Las sociedades están fracturadas. Y esta es una película contra el autoritarismo”, dijo Mungiu al recibir la máxima recompensa del festival. Leer también"Siempre soy tu animal materno" de Valentina Maurel: miradas cruzadas en Cannes El director rumano es un invitado recurrente de Cannes, donde ha recibido numerosos premios, principalmente una primera Palma de Oro en 2007 por la extraordinaria “4 meses, 3 semanas, 2 días” sobre una chica que debe recurrir a un aborto clandestino en Rumania. Los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo fueron honrados con el Premio a la Mejor dirección por « La bola negra », junto al polaco Pawel Pawlikowski por su increible "Fatherland", sobre un viaje del escritor Thomas Mann y su hija por Alemania. El jurado decidió entregar su premio a la alemana "La aventura soñada" de Valeska Grisebach, mientras que "Minotauro" del ruso Andrei Zviaguintsev ganó el Gran Premio. Leer también"El ser querido" de Rodrigo Sorogoyen en Cannes: radiografía de un tóxico El Premio al Mejor guion fue para Emmanuel Marre por su cinta "Notre salut", un drama histórico ambientado en la Segunda Guerra Mundial, y que había recibido excelentes críticas por parte de la prensa francesa. Para esta película sobre un funcionario colaboracionista con el régimen nazi, Marre se inspiró de la historia de su bisabuelo. El premio a la Mejor interpretación masculina fue entregado a Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, protagonistas de "Coward" de Lukas Dhont. De su lado, las actrices belga Virginie Effira y la japonesa Tao Okamoto fueron premiadas por sus respectivos papeles en "All of a sudden" de Ryusuke Hamaguchi. Leer también"Ceniza en la boca" de Diego Luna: migrar, maternar y empezar de nuevo en España La gala de cierre permitió entregar una Palma de oro de honor a Barbra Streissand por el conjunto de su carrera, anunciado por la diva francesa Isabelle Huppert. Streissand sin embargo no pudo estar presente, aunque envió un mensaje donde habló de su pasión por el cine y de su poder para "abrir corazones y mentes". En esta edición del Festival de Cannes se entregaron otros dos reconocimientos similares, a Peter Jackson y John Travolta. El primer premio anunciado durante la velada fue el galardón al Mejor Cortometraje, que fue para el argentino Federico Luis, por su cinta "Para los contrincantes", que cuenta el universo de las peleas de boxeo infantil en el barrio de Tepitos, en Ciudad de México.

España brilló con lo mejor de cine en el Festival de Cannes, con tres películas en la competencia por la Palma de Oro. Este jueves se proyectó la tercera y última cinta española, que trajo a Cannes el recuerdo y obra del gran poeta Federico García Lorca. La película La bola negra toma su título de la obra de teatro inconclusa de Federico García Lorca, de la que solo se conservaron cuatro páginas manuscritas. A partir de ese fragmento, Javier Ambrossi y Javier Calvo construyen su propia versión para completar este relato sobre la homosexualidad silenciada. El resultado es una cinta coral que entrelaza las historias de tres hombres en tres momentos distintos. En la pieza de García Lorca, se decide con una bola blanca o negra, si un club selecto acepta a un nuevo miembro, basado en su reputación. Ambrossi explica que había dos temas fundamentales que querían abordar con esta película. El primero es la incomunicación como raíz de la violencia: “Si no somos capaces de hablar o ponernos de acuerdo entre nuestras familias sobre nuestros problemas, pues eso es justo lo que nos va a llevar a la violencia”. El segundo eje es la importancia de los objetos como obras de arte y su capacidad para perdurar: “El arte es lo que se puede heredar. Las emociones mueren con nosotros, pero el arte, una obra de teatro, un disco, una película, sí que puede heredarse”. Interrogados sobre si se sienten herederos de una historia marcada por la represión y la incomunicación, Javier Calvo reconoce el peso generacional: “Hombre, evidentemente ahí hay un dolor heredado, hay una vergüenza heredada, hay algo que sigue transmitiéndose de generación en generación y que es difícil que se vaya. Poco a poco esa bola negra cada vez es más pequeña, pero la tenemos dentro. Quiero creer que películas como ésta hace que eso se vaya yendo de nosotros. La bola negra que nos señala y que nos dice: ‘Tú no puedes entrar aquí, tú no mereces vivir’”. La relación de Los Javis con Lorca es también personal y artística. Ambrossi recuerda sus inicios: “Pues en mi caso yo quería ser actor. Entonces empecé a estudiar en una escuela de interpretación que se llamaba La Barraca, que todo lo que hacíamos en la escuela, todo eran textos de Lorca. Empecé a encontrar que no solamente era un poeta increíble, sino que también era un hombre gay. Y de repente eso me pareció impresionante. Que una de las grandes estrellas de la literatura de nuestro país conectara conmigo de esa manera”. Calvo, por su parte, cuenta que su vínculo con el autor se intensificó durante la preparación de la película: “Lo estudié también en la escuela de interpretación, pero fue cuando empecé a investigar esta película que me obsesioné con todo su trabajo, con el teatro completo, la poesía completa. Creo que hay ya obras que me sé de memoria. Me he obsesionado porque es el autor que más me sorprende. Realmente, con cada relectura hay algo que no puedo explicar. Cómo puede hacerlo tan sorprendente, tan emocionante, tan inmenso. Hay cada sucesión de palabras unidas de una manera que tienen un sentido que nunca creerías que tendría. Para mí, eso es la poesía. Es muy sorprendente su obra”. La bola negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como Los Javis, es una de las candidatas a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes 2026.

En la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cannes, la cineasta costarricense Valentina Maurel presentó su segundo largometraje titulado Siempre soy tu animal materno.   Después de haber estudiado en Bélgica, Elsa vuelve a Costa Rica para ver a su hermana Amalia, hundida en el ocio y el esoterismo, y a su madre, autora de poemas eróticos aferrada a su juventud. Todo en sus modos de vida irrita a Elsa y a su raciocinio europeo. En su segundo largometraje, Siempre soy tu animal materno, la cineasta costarricense Valentina Maurel pone en escena el desfase cultural de quienes regresan a su país de origen después de haber vivido en Europa. Esa distancia atraviesa a la protagonista, pero también a la propia directora. Maurel explica que le interesaba trabajar “con esa perspectiva del europeo que mira el trópico y América Central como desde otro lugar. Y también lo vivo con un cierto nivel de culpa”. En la película, ese choque se encarna en las dos hermanas: la mayor, que volvió con otra forma de ver el mundo, y la menor, que escoge un camino opuesto. “Hay un personaje de hermana en esta película que es como la que decide tomar un camino muy distinto de la mayor. No estudia y, viniendo de una familia artística atea, decide creer en Dios y abrazar un cierto esoterismo como un poco folclórico de América Latina, y la hermana mayor lo ve con un cierto nivel de condescendencia. Yo creo que esa era mi forma de criticar un poquito ese desfase, ese lugar en el que se sitúa de pronto el latinoamericano que se fue a Europa y que ve su latinoamericanidad como una inferioridad”. Daniela Marín y Ángel Villegas interpretan a Elsa y Amalia, dos hermanas diametralmente opuestas que chocan como hielo y fuego. Marín describe a Elsa como alguien que parece fría, pero que en realidad está desbordada por el regreso: “Es una frialdad, pero no de ella, sino también como del lugar que la recibe. Sentía abrazada al personaje. Verdaderamente Valentina siempre tiene esta frase que es ‘No juzgues a tu personaje porque si no, entonces nadie lo salva’. Yo decía: claro, es que está pasando por tantas cosas, es como que todo se le viene encima y nada es igual. Y ella quiere intentar agarrar un poco los hilos de la familia, intentar salvar a estas personas. Pero en realidad ella ya no calza tampoco en ningún lado, también está perdida”. Ángel Villegas se reconoce en la transición de Amalia a la adultez: “Sí me identifiqué mucho, además, porque de ahí comparto misma edad que Amalia, cumplir 19 años y confrontar la vida adulta cuando se sigue sintiendo como en esta prisión de una niña de 15 años. Sigue siendo rebelde”. A medida que avanza la película, también se revela la profundidad de la madre, una mujer que ha abandonado su carrera artística e intenta darle un nuevo soplo ahora que sus hijas son adultas. El título nace de un verso escrito por la propia madre de la directora: “Siempre soy un animal materno. Es el verso de un poema de mi mamá que es poeta”, explica Maurel. La escritura del filme se cruzó con su propia experiencia de maternidad: “Mientras estaba escribiéndola me volví mamá. Yo tuve una bebé y de pronto ahí entré como un poco en pánico con el tema de la maternidad y creo que todas mis dudas sobre si iba a poder hacer la película o si iba a poder seguir siendo directora, porque estando en la vulnerabilidad en la que te pone ser mamá, contaminaron un poco la escritura”. Siempre soy tu animal materno, de Valentina Maurel, fue presentada en la sección Una cierta mirada del Festival de Cine de Cannes.

En el Festival de Cannes, la actriz y directora catalana Aina Clotet presentó su primer largometraje, Viva, seleccionado en la Semana de la Crítica. Una divertida comedia sobre una mujer sedienta de libertad. Algunos lo llaman “crisis de la mediana edad”, pero para la directora catalana Aina Clotet, su ópera prima “Viva” es, ante todo, una historia de deseo, pasión y liberación. La película sigue a Nora, una mujer de 40 años que, tras superar un cáncer de seno, inicia un affaire con un joven veinte años menor.  Clotet define Viva como “una historia luminosa de liberación y de crecimiento”. En Nora ha volcado muchas de sus propias inquietudes y reflexiones: “Los temas que trata esta película son temas que a mí me mueven, que yo he pensado mucho, a los que les he dedicado tiempo de mi vida, intentando entender la impermanencia, explorarla, enfrentarme a mis propios miedos”, explica.  En la ficción, Nora atraviesa noches de insomnio y días abrasadores. Angustiada por la idea de su propia muerte y del envejecimiento, pasa un verano canicular en el que está continuamente sedienta. Sedienta de agua, pero sobre todo de nuevas experiencias, de deseo y de logros profesionales.  Clotet y su equipo decidieron llevar esa realidad un paso más allá. “En el momento de concebir la cinta, en ese momento en Cataluña estábamos viviendo una sequía extrema y nos pareció interesante subir el volumen a la propia realidad”, cuenta. El resultado es un marco casi distópico, donde el calor agobiante y la falta de agua dialogan con la agitación interior de Nora. “Nos parecía interesante una mujer que está en búsqueda de equilibrio en un contexto donde hace tantísimo calor, que busca el agua, la sed de vida. Nora tiene muchas ganas de sentirse viva porque ha sentido muy cerca la muerte”, añade la directora. Para hablar de la muerte, Clotet buscó un tono que combinara humor, emoción y ligereza. “Lo que me emociona más es que está llegando mucho el tono del humor, que la gente se ríe muchísimo y a la vez se emociona, y transita bien por los tonos de la película, que es una mezcla de tonos”, explica. “Quería que terminaras con una sensación de calor, de amor y de ganas de vivir, con cierta alegría interna, y que te quedaras con ganas de charlar sobre la película”. Viva funciona como un memento mori: nos pone frente a la mortalidad humana, pero lo hace con delicadeza y consuelo.  Esta cinta reconfortante, hablada principalmente en catalán, pero también en español, en inglés y en francés, se proyectó en la Semana de la Crítica, sección paralela del Festival de Cannes.

España hizo historia este año al lograr colocar tres películas en la competencia del Festival de Cannes. Una de ellas es El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, protagonizada por el actor Javier Bardem. Un reconocido director de cine intenta renovar con su hija actriz a la que no ha visto desde hace años, ofreciéndole un rol importante en su próxima película. Durante el rodaje sale a flote el resentimiento acumulado ante un hombre que nunca ha considerado como su padre. Rodrigo Sorogoyen escribió y dirigió esta historia. El ser querido, protagonizada por un impecable Javier Bardem en los zapatos de un director colérico y autoritario. "Es un personaje muy complejo", explica Sorogoyen a RFI. "Le hemos dado muchas vueltas a cómo mirarlo, a intentar juzgarlo. Evidentemente ha hecho cosas de las que se arrepiente, pero que ha querido olvidarlas para que no le den más dolor. Pero a la vez es una persona muy magnética, muy seductora, muy atractiva, un gran realizador, un gran director de cine, un tipo tocado con una varita mágica del talento. Ha hecho mucho daño, ha sido muy tóxico". Su hija Emilia lo vuelve a ser después de 13 años. Le parece que ha cambiado. "La película también habla de cuánto somos capaces de cambiar. ¿Realmente estamos cambiando? Hemos cambiado o estamos escondiendo ese monstruo que siempre está ahí. Que siempre va a estar". El ser querido explora el peso de la ausencia, pero también la masculinidad tóxica de una generación. "Es una figura que está muy de moda. La cinta intenta señalarla e intenta que se mitigue lo más posible. También está de moda porque cada vez hay otro sector de la sociedad que parece que la está reivindicando más y que la abandera sin llamarla tóxica, evidentemente", asegura el cineasta español. "Creo que es un tema bastante de bastante actualidad. No sé si quiero poner el foco en la masculinidad tóxica, pero sí en cómo los tiempos han cambiado, y en cómo los mayores se tienen que adecuar. A veces hay un cortocircuito. A veces hay una frustración por su parte por no entenderlo y cómo las nuevas generaciones estamos o están casi obligadas a intentar cambiar lo que no está bien". El ser querido de Rodrigo Sorogoyen es una de las 22 películas aspirantes a la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

En la sección de estrenos mundiales “Cannes Première” se presentó la cinta documental El partido, de los argentinos Juan Cabral y Santiago Franco, sobre el legendario partido de Maradona en México 86. Un partido de futbol que desató pasiones y polémica antes, durante y después, y que casi 40 años más tarde sigue analizándose. Se trata, por supuesto, de aquel mítico Argentina vs Inglaterra en los cuartos de final del Mundial de México 86. El Festival de Cannes recuerda ese choque con una cinta documental que explora no solo lo deportivo, sino también el contexto geopolítico que enfrentaba a estos dos países por la soberanía de las Islas Malvinas, un diferendo que también se jugó simbólicamente en el césped del Estadio Azteca. Santiago Franco es el codirector de esta película titulada “El partido”. Para él, este encuentro forma parte del ADN argentino: “Es un evento que, para nosotros los argentinos, es parte de nuestra cultura. Revisitar esas imágenes, que fueron vistas y procesadas tantas veces, era todo un desafío”, explica. Su llegada al proyecto se dio de la mano de Juan Cabral, el otro codirector: “Cuando Juan me invita al proyecto, al principio me regala el libro en el cual se basa la película. Nos juntamos de nuevo y dijimos: esto es fascinante. El libro es casi una especie de análisis forense de lo que ocurre alrededor del partido. Toca un poco el tema de la guerra, cuatro años antes. Nosotros expandimos eso y le damos un contexto mucho más claro de qué es lo que hace que un evento deportivo trascienda lo futbolístico y lo deportivo en sí mismo y se vuelva un evento de referencia del cual se sigue hablando 40 años después. Esa fue un poco la búsqueda que hicimos”. “El partido” retrocede 260 años en la historia para explicar el conflicto por las Islas Malvinas. Pero no se queda en los archivos ni en las batallas diplomáticas: la cinta recoge también los testimonios de algunos de los futbolistas argentinos e ingleses que se enfrentaron en 1986: Jorge Valdano, Gary Lineker, James Barnes, Julio Olarticoechea, entre otros. Todos revisitan los dos goles de Diego Maradona: el primero, con la famosa “mano de Dios”, y el segundo, considerado por muchos el más bonito de la historia. Lo hacen en un ejercicio casi filosófico sobre el fútbol y la vida. Juan Cabral, codirector del documental, cuenta: "Es un personaje Bilardo, que tiene su punto de vista; está Robson, está Gildo con el suyo, está Maradona, que lo dice: ‘Si el otro no se da cuenta, el gol vale’, opina él. Es un punto de vista que para algunos puede ser políticamente incorrecto, pero es un punto de vista. Y está también el que dice: ‘Che, fue mano, ¿cómo no lo van a cobrar?’”. Para Cabral, en esa tensión se revela la verdadera riqueza del juego: “La belleza del juego, la belleza de estar vivo, es poder solucionar esos conflictos menores o mayores desde un lugar humano, poético. La película ofrece una luz sobre todas esas pequeñas cosas, porque en el fondo es lo que nos hace coexistir, poder entendernos, poder reírnos. Todo eso está condensado en ese partido único”. “El partido”, de Juan Cabral y Santiago Franco, se presentó en estreno mundial en el Festival de Cannes.

En las proyecciones especiales del Festival de Cannes se proyectó la última cinta del mexicano Diego Luna. Una historia de migración y de maternidad que invita a reflexionar sobre la hospitalidad y el exilio. Ceniza en la boca sigue los sueños, las desilusiones y la dureza del desarraigo que vive Lucila, una joven mexicana que trabaja como niñera y repartidora en España. Ella y su hermano emigraron para reunirse con su madre, Isabel, a quien no veían desde que eran pequeños. Sin embargo, al llegar a Europa descubren que, a los ojos de muchos, el pasado de una persona migrante es casi invisible. Con esta película, Diego Luna busca precisamente tender un puente entre esos dos mundos: el de quienes migran y el de quienes los reciben. “El gran problema, creo yo, es la ignorancia. Si tú supieras realmente qué está detrás del que deja todo… Cuando dejas todo es porque no tienes de otra”, explica a RFI, señalando que España se ha convertido en una especie de “puerto seguro” por la creciente violencia que viven los migrantes en Norteamérica. “Después te vas dando cuenta de que hay muchas otras capas en el análisis que hay que hacer. La película te confronta, porque si lo piensas, todos recibimos a alguien. No hay comunidad que no esté viviendo esta complejidad de tener que recibir, abrirse y mostrar quiénes somos; en ese recibir terminamos mostrando quiénes somos”, afirma. Una vez instalada en España, la realidad se vuelve demoledora para Lucila. Anna Díaz interpreta a esta hermana mayor obligada a asumir responsabilidades de madre sustituta. “Es una mujer resiliente, con muchas ganas de vivir, pero a la que no se le permite experimentar todo lo que debería. No hay muchos proyectos donde te regalan mujeres complejas, que puedan atravesar por muchas situaciones y salir adelante. Es un regalazo interpretar a Lucila”, señala la actriz. En el papel de Isabel, la madre que encarna la figura del abandono y la culpa, está Adriana Paz, primera actriz mexicana en haber sido galardonada con una Palma en Cannes en 2024. Para ella, el personaje toca una herida profunda y universal. “Para mí era muy importante hablar de eso, porque creo que es muy difícil ser madre y no cometer errores. Yo migré a España cuando tenía 23 años y conocí mujeres que estaban en el lugar de Isabel, viniendo a buscar mejores oportunidades a Europa, que querían traerse a sus hijos inmediatamente y no pudieron porque tampoco se les ha permitido. Igual que a Lucila no se le ha permitido ser, y está cansada”, explica. Ceniza en la boca, dirigida por Diego Luna, fue presentada en las proyecciones especiales del Festival de Cannes.

La sección "Una cierta mirada" del Festival de Cannes proyectó este jueves una historia contada desde los Andes chilenos. El deshielo es el segundo largometraje de Manuela Martelli. La historia tiene lugar en 1992 y se narra a través de los ojos de Inés, una niña de nueve años que entabla amistad con Ana, una prometedora esquiadora alemana. Cuando Ana desaparece misteriosamente, la investigación revela secretos familiares y emociones congeladas. En esta película, presentada en el Festival de Cannes, Martelli establece un paralelismo entre la desaparición de Ana y la de miles de chilenos durante la dictadura, pero, sobre todo, muestra un Chile glacial que ha sido poco explorado en el cine de su país. “El hielo, la nieve de alguna manera resuenan con el silencio de una época que quedó un poco suspendida. Quedó un poco congelada por los acuerdos que se hicieron para poder recuperar la democracia. Hubo muchas concesiones que implicaron silencio y amnistía: no juzgar a los responsables de la dictadura y la sensación que era un poco estar caminando sobre estos cuerpos que no sabíamos dónde están, no sabemos todavía dónde están”, dice Martelli a RFI. Con El deshielo, Manuela Martelli prosigue su exploración de la historia de Chile, comenzada con su ópera prima, pero esta vez en el período de la transición a la democracia, cuando el país buscaba renovar su imagen internacional. “Algo que el mismo Chile quiso demostrar en Europa el año 92, el año de la Expo Sevilla y el año en que Chile decidió llevar un iceberg al pabellón, como una manera también de mostrar que era un país frío y lo que se asocia a un país frío. La idea de la modernidad, de desarrollo está asociada con el frío, como en oposición a esta cosa tropical de los países subdesarrollados. Quise jugar con los estereotipos y romper con eso. Pero de alguna manera también mostrar la otra cara de Chile, que se abría al mundo y quería mostrar que era un país en vías de desarrollo y, por otro lado, que había muchos asuntos pendientes”, añade Martelli. El deshielo, de la chilena Manuela Martelli, se proyectó en la sección oficial Un certain regard del Festival de Cine de Cannes.