Publicidad en podcasts en: PuroJazz

CANNONBALL ADDERLEY “SOMETHIN’ ELSE” - Hackensack, N.J., March 9, 1958 - Autumn leaves, Love for sale, Somethin’ else - Miles Davis (tp) Cannonball Adderley (as) Hank Jones (p) Sam Jones (b) Art Blakey (d) Cannonball Adderley renunció a su propia banda en 1957 cuando tuvo la oportunidad de unirse al épico conjunto de Miles Davis, lo que finalmente resultó en algunas de las mejores grabaciones de jazz de todos los tiempos (incluyendo Milestones y Kind of Blue). Davis devolvió el favor en marzo de 1958, apareciendo como sideman en la fecha del quinteto de estrellas de Adderley para Blue Note, y la sesión resultante es de hecho Somethin’ Else. El equipo rítmico (Hank Jones, Sam Jones, Art Blakey) crea un ritmo tenso y enfocado mientras la banda renueva “Autumn Leaves” y “Love for Sale”. Somethin’ Else, una de las sesiones más gloriosamente relajadas de la era del hard bop. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. BUDDY DEFRANCO “THE ARTISTRY OF BUDDY DEFRANCO” - Los Angeles, August 9 & 10, 1954 - The Bright One, Mine, Now’s the time, Autumn leaves - Buddy DeFranco (cl) Sonny Clark (p) Eugene Wright (b) Bobby White (d) Buddy DeFranco fue uno de los grandes clarinetistas e indiscutiblemente el mejor en surgir desde 1940. Fue su mala suerte ser el mejor en un instrumento que después de la era del swing cayó drásticamente en popularidad y, a diferencia de Benny Goodman y Artie Shaw, tampoco fue un nombre reconocido por el público en general. The Artistry Buddy DeFranco (el arte de) es uno de sus mejores álbumes de los años 50. DeFranco lleva el clarinete a lugares que no se imaginaban en la década anterior. Es una sesión con Sonny Clark en el piano y un swing ligero y relajado, gracias al suave pulso de Eugene Wright en el bajo y Robert White en la batería. La interacción entre Clark y DeFranco es definitivamente una de las sobresalientes del jazz de los años 50, se escucha en pistas que incluyen “Titoro”, “Mine”, “Gerry’s Tune” y “Now’s The Time”. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

LUIS RUSSELL: - HOT SIX - Chicago, March 10, 1926 - 29th and Dearborn, Sweet Mumtaz George Mitchell (cnt) Kid Ory (tb) Albert Nicholas (cl,as,sop) Barney Bigard (ts) Luis Russell (p) Johnny St. Cyr (bj) Richard M. Jones (speech-1) HEEBIE JEEBIE STOMPERS - Chicago, November 17, 1926 - Plantation joys, Please don’t turn me down, Dolly mine - Bob Shoffner (cnt) Preston Jackson (tb) Darnell Howard (cl,as) Barney Bigard (ts) Luis Russell (p) Johnny St. Cyr (bj) Luis Russell dirigió una de las mejores big bands de fines de la década de los 20 e inicios de los 30. 1929-1931. Estudió guitarra, violín, órgano y piano en Panamá, su país natal, eventualmente optó por el piano. Se inició como músico profesional acompañando películas mudas en 1917. En 1919 Russell ganó US $ 3.000 en una lotería, dinero que utilizó para mudarse con su madre y hermana a Nueva Orleans. Durante los siguientes años, Russell trabajó con una variedad de bandas de la ciudad, incluida una dirigida por Albert Nicholas en 1923. Cuando Nicholas dejó la ciudad al año siguiente, Russell asumió el liderazgo del grupo. Una año más tarde, Russell se mudó a Chicago para tocar con Doc Cook. Pronto se unió a la banda de King Oliver durante dos años, de gira, grabando para luego mudarse a Nueva York en 1927 con el cornetista. En 1926, mientras aún estaba en Chicago, Russell dirigió dos sesiones de grabación, una con su Hot Six y la otra junto a su Heebie Jecbie Stompers, con gente como George Mitchell, Kid Ory, Albert Nicholas, Barney Bigard, Johnny St. Cyr y otros. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. BIX BEIDERBECKE “THE WOLVERINES” - Richmond, Indiana, May 6 & June 20, 1924 - Riverboat shuffle, Susie Take A, I need some pettin’, Susie Take B - Bix Beiderbecke (cnt) Jimmy Hartwell (cl) George Johnson (ts) Dick Voynow (p,ldr) Bob Gillette (bj) Min Leibrook (tu) Vic Moore (d) En muchos sentidos, Bix Beiderbecke simbolizó la década de 1920. Saltó a la fama con el auge de la Era del Jazz, bebió demasiado licor de contrabando y murió poco después de la Gran Depresión. Tocaba intuitivamente y se sintió atraído por una música nueva y salvaje que sus padres desaprobaban. Fue uno de los primeros (quizás el primero) músicos blancos en crear su propia voz original en una música dominada por negros. Leon Beiderbecke nació y creció en Davenport, Iowa, en una familia conservadora. Desde temprana edad, el talento musical de Beiderbecke era evidente. Recibió clases de piano clásico, pero solía enloquecer a sus profesores al “mejorar” improvisando la música escrita. Después de su graduación de la escuela secundaria, sus padres lo enviaron a la Academia Militar de Lake Forest con la vana esperanza de que aprendiera autodisciplina y se olvidara de esta música de jazz. La escuela estaba a solo 5 km al norte de Chicago, ¡el centro del jazz en ese momento! Beiderbecke pronto violó el toque de queda de su escuela al ir a clubes nocturnos locales en busca de jazz. Disfrutó de la música de los New Orleans Rhythm Kings, y tuvo algunas oportunidades de tocar con ellos. Bix finalmente fue pillado y expulsado de la academia hacia el final de su primer año. Durante 1922-23, Beiderbecke estudió corneta, tocó y trabajó como autónomo. El estilo de de Emmet Hardy le impresionó e influenciado en esa época; además conoció y se hizo amigo de Louis Armstrong. En octubre de 1923, Beiderbecke se unió a una nueva banda, The Wolverines, que comenzó con la New Orleans Rhythm King como modelo antes de desarrollar su propio sonido. Entre febrero y octubre de 1924, los Wolverines grabaron 16 canciones, el debut discográfico de Bix. Ya en ese punto inicial, Beiderbecke tenía un tono hermoso e inquietante, y un estilo que era fresco por fuera pero lleno de fuego interior. Los discos de los Wolverines se hicieron notar rápidamente, e incluso Red Nichols, famoso trompetista de la época, copió el primer solo de Bix (’Jazz Me Blues’) nota por nota en una grabación. JAMES P. JOHNSON “PIANO SOLO” - New York, 1921/23 The Harlem Strut, Keep Off the Grass, Carolina Shout, Worried & Lonesome Blues - James P. Johnson (p) El rey de los pianistas del estilo stride, James P. Johnson fue uno de los grandes pianistas de jazz y posiblemente el más influyente de la década de 1920, particularmente antes que surgieran otros importantes pianistas: Fats Waller, Earl Hines y Art Tatum. Johnson recibió clases de piano de su madre, tocaba en fiestas de alquiler cuando era aún adolescente. Se hizo profesional en 1912, tocando en grupos o solo en clubes, realizaba giras de vodevil, haciendo rollos de piano (a partir de 1917) y también trabajaba en teatro. Johnson empujó la música más allá del ragtime, él “caminaba” con su mano izquierda (moviéndose hacia adelante y hacia atrás entre notas graves y acordes que se tocaban una octava o dos más arriba) mientras que la derecha improvisaba una serie interminable de variaciones melódicas. Aunque Johnson no inventó el stride piano o piano a zancadas, solidificó las ideas de sus predecesores de las dos décadas anteriores en un nuevo y emocionante estilo que encajaba perfectamente con la música de los años 20. Johnson grabó por primera vez en 1921 y durante la década siguiente grabó sus composiciones clásicas, como “Carolina Shout” (una pieza de prueba para estudiantes), “Keep Off the Grass”, “Snowy Morning Blues”, “You’ve Got ser modernista “. También dirigió algunas citas con pequeños grupos, grabó como acompañante de una variedad de cantantes de blues clásicos (incluidos encuentros memorables con Bessie Smith y Ethel Waters), y fue la estrella de innumerables fiestas de alquiler y jam sessions o sesiones de improvisación, a menudo con sus amigos los pianistas Willie “the Lion “Smith y Fats Waller (su - protegido). Pero eso no fue todo. Johnson escribió estándares como “”If I Could Be with You One Hour Tonight,” “Old-Fashioned Love “y el tema principal de la década de 1920: “The Charleston “. En julio de 1928 estrenó su obra de larga duración Yamecraw en el Carnegie Hall. GEORGE BRUNIES “AND HIS JAZZ BAND” - New York, November 29, 1943 - Royal garden blues, Ugly child (gb vcl), Tin roof blues, That da da strain - Wild Bill Davison (cnt) George Brunies (tb,vcl) Pee Wee Russell (cl) Gene Schroeder (p) Eddie Condon (g) Bob Casey (b) George Wettling (d) George, el más famoso de los hermanos Brunies, fue un importante trombonista en el mundo del Dixieland durante décadas. Cuando tenía ocho años, ya tocaba la trompeta en la banda de Papa Jack Laine. Brunies (que era autodidacta y nunca aprendió a leer música) cambió al trombón, tocando en una variedad de bandas en Nueva Orleans cuando era adolescente. Como muchos músicos de la ciudad, en 1920 se mudó a Chicago, para unirse a la banda del baterista Joe “Ragababy” Stevens y el pianista Elmer Schoebel, y participó en una banda que tocaba en el S.S. Capitol, un barco que transitaba por el río Mississippi. En 1921, Brunies se unió a The Friar’s Society Orchestra, que pronto se convirtió en la New Orleans Rhythm Kings. La carrera de Brunies apenas comenzaba. En años posteriores, el trombonista (que por consejo de un numerólogo eliminó dos de las letras E de su nombre. Trabajó con Louis Prima, Sharkey Bonano, Bobby Hackett, Ragtimers de Muggsy Spanier (1939), Art Hodes, Eddie Condon, Wild Bill Davison y sus propias bandas, manteniéndose activo hasta principios de los años 70. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

MASSIMO BIOLCATI “MOMENTA” - Brooklyn, NY, February, 2020 - Emma’s dilemma - Jaleel Shaw (as) Lex Korten (p) Massimo Biolcati (b) Clarence Penn (d) Adaptation, Estate - John Ellis (ts) Mike Moreno (g) Massimo Biolcati (b) Rodney Green (d) - Along came Betty - Philip Dizack (tp) Kevin Hays (p) Massimo Biolcati (b) Kendrick Scott (d) Procedente de una familia sueca/italiana, el contra bajista Massimo Biolcati, es ahora residente en Nueva York Como sideman, Massimo ha tocado con Paquito D’Rivera, Terence Blanchard, Ravi Coltrane, Lizz Wright, and Luciana Souza además de un gran número de músicos increíbles de situaciones y orígenes dispares. En Momenta, su tercer álbum como líder reune a tres diferentes cuartetos. Con estas bandas con poco o ningún ensayo, aborda una combinación de originales y arreglos de estándares y covers. Momenta es la realización de esta idea con música grabada el 2020 por varias iteraciones de personal dirigidas por Massimo. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. KARL BERGER / EDWARD BLACKWELL “JUST PLAY” - Albany, NY, March 20, 1976 - Just play, Time is - Karl Berger (vib,darbuka,balafon-1) Ed Blackwell (d,cymbals) El pianista, compositor, vibrafonista, instructor e improvisador nacido en Alemania Karl Berger se encuentra entre el grupo de europeos que adoptaron el jazz libre desde el principio, en gran parte debido a la influencia de Ornette Coleman. Los conceptos de Coleman de tocar jazz se reflejan sin duda en los propios de Berger. Después de desarrollar su estética de jazz libre, Berger tocó con Don Cherry en París. Emigró a Estados Unidos en 1966 para tocar la Sinfonía para Improvisadores del trompetista y para grabar su debut, From Now On, para el sello ESP-Disk. En 1971, fue parte del quinteto de John McLaughlin para la histórica salida de avant-fusion When Fortune Smiles. En 1976 grabó Just Play , en duo dúo con el baterista Ed Blackwell, aunque no se vendió hasta 1979. Just Play no es jazz libre en sentido estricto. La música sigue bien organizada y firmemente anclada en la tradición del jazz. Por supuesto, el vibráfono (y el balafón, para el caso) no es un instrumento con el que se pueda experimentar mucho con ruidos y otras técnicas que ahora son clichés en la música improvisada. La música aquí, aunque se siente liberada del concepto de tonalidad, sigue siendo melodiosa, y Blackwell, como siempre mantiene, un ritmo ligero y relajado pero lleno de inspirador virtuosismo . BUD FREEMAN “AND HIS GROUP” - New York, December 4 & 11, 1953 - Margo’s seal, I guess I’ll have to change my plans, I could write a book, Blues for tenor, Sweet Georgia Brown, Three little words, Blue moon, Indian summer - Bud Freeman (ts) Dick Cary (p) George Barnes (g) Jack Lesberg (b) Don Lamond (d) Cuando Bud Freeman se inició, el suyo era el único enfoque alternativo en el tenor al estilo más pesado de Coleman Hawkins y fue una inspiración para Lester Young. Freeman, también fue uno de los pocos saxofonistas (junto con Eddie Miller) en ser aceptado en el mundo de Dixieland. Participó en la memorable grabación de Eddie Condon de 1933 “The Eel”. Después de períodos con Joe Haymes y Ray Noble, Freeman fue solista estrella con Tommy Dorsey’s Orchestra y Clambake Seven (1936-1938) . Freeman viajó por el mundo, hizo decenas de buenas grabaciones y se aferró al mismo estilo básico que había desarrollado a mediados de los años 30 . Se mantuvo activo en sus ochenta años. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JOANNE BRACKEEN “SNOOZE SEA” - Cliff, NY, March 16, 1975 - Nefertiti, Six ate, Snooze - Joanne Brackeen (p) Cecil McBee (b) Billy Hart (d) Joanne Brackeen es una pianista y compositora clave en la evolución del jazz moderno de fines del siglo XX. Su música, armónicamente avanzada, rítmicamente audaz y llena de ideas creativas, amplió el lenguaje del jazz sin perder comunicación. El impacto de Charlie Parker fue decisivo en su vida y la llevó rápidamente al piano de jazz. A fines de los años 50 ya tocaba con figuras como Teddy Edwards, Dexter Gordon, Harold Land, Charles Lloyd y Charles Brackeen, con quien se casó. Entre 1969 y 1972 hizo historia al convertirse en la primera mujer en tocar y grabar con los Jazz Messengers de Art Blakey. Luego trabajó con músicos como Joe Henderson, Joe Farrell, Sonny Red y Toots Thielemans. Desde 1975 comenzó a grabar discos bajo su propio nombre y colaboró con saxofonistas como Sonny Stitt y Stan Getz. Durante décadas, sus tríos ayudaron a definir el jazz moderno. Su álbum debut, junto a Cecil McBee y Billy Hart, muestra un estilo ya personal: armonías densas, gran libertad improvisatoria y una música compleja que, aun así, resulta sorprendentemente accesible. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. WADADA LEO SMITH “SUN BEANS OF SHIMMERING LIGHT” - Live “Constellation”, Chicago, IL, 2015 - Sun beams of shimmering light, Super moon rising, Dark tango - Wadada Leo Smith (tp,eng-hrn,comp) Douglas Ewart (woodwinds,comp) Mike Reed (d,comp) Sun Beans of Shimmering Light es un excelente registro de música improvisada por parte del trompetista Wadada Leo Smith, el multiinstrumentista Douglas R. Ewart y el baterista Mike Reed. El encuentro tuvo lugar en 2015, pero recién ahora lo ha publicado el sello Astral Spirits. La música funciona como una experiencia intensa, que adopta distintas. Cada tema se construye a partir de ideas sólidas y bien integradas. Aunque todo es improvisado, nada suena disperso o inconexo. Por el contrario, el trío toca con convicción y coherencia. RON DEWAR “THE BOTTLE TAPES” - The Empty Bottle Club , Chicago, Nov 19, 1997 - Continuous - Ron Dewar (st) Joshua Abrams (b) Robert Barry (dr) Ron Dewar, saxo tenor, no sonaba como nadie. Aunque asimiló influencias de Sonny Rollins, Gene Ammons, Eric Dolphy y Johnny Griffin, su estilo fue siempre personal, marcado también por la intensidad y el compromiso de John Coltrane, a quien escuchó en vivo sin jamás imitarlo. Poseía una técnica casi ilimitada en todos los saxos, especialmente visible en el formato exigente de la big band, donde en un solo coro era capaz de desarrollar ideas, alcanzar un clímax y sostenerlo —o incluso superarlo— con una fuerza extraordinaria. Lo escucharemos liderando un trío junto Joshua Abrams en bajo y el baterista Robert Barry ennuna actuaci®on en el prestigios Club de jazz de vanguardia Empty Bottle del saxofonsita Fred Anderson en noviembre de 1979 This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

HORACE SILVER “THE CAPE VERDEAN BLUES” - Englewood Cliffs, NJ, October 1, 1965 - The Cape Verdean blues, The African Queen - Woody Shaw (tp) Joe Henderson (ts) Horace Silver (p) Bob Cranshaw (b) Roger Humphries (d) El álbum Song for My Father de Horace Silver representó un punto clave como compositor. Se inspiró en las raíces musicales caboverdianas de su padre, que Silver había dejado de lado durante años. Un viaje a Río de Janeiro, y el ambiente de la bossa nova en el aire, lo motivó a probar una fusión entre esa música y el jazz. El resultado fue Song for My Father, un disco de los más vendidos de la historia de Blue Note. Si hubiera durado más tiempo, el grupo de Silver de mediados de los 60 tenía el potencial de rivalizar en el hard bop con Art Blakey. La banda contaba con el saxofonista Joe Henderson y el trompetista Woody Shaw, dos de los talentos jóvenes más destacados de la época. Henderson se incorporó en 1964, poco antes que Shaw, y ambos participaron en la grabación de siguiente proyecto, The Cape Verdean Blues, junto al invitado especial J. J. Johnson en el trombón. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis ETHAN IVERSON “EVERY NOTE IS TRUE” - Rhinebeck, NY, January 5 & 6, 2021 - She won’t forget me, For Ellen Raskin, At the Bells and Motley - Ethan Iverson (p,vcl) Larry Grenadier (b) Jack DeJohnette (d) Ethan Iverson, pianista y maestro de la melodía, tiene un estilo aparentemente sencillo: toca con swing a un tempo medio, eligiendo cada nota con cuidado y logrando siempre un resultado sorprendente y agradable. Su debut en el sello Blue Note, Every Note Is True, refleja su principio: solo cree en las melodías que realmente le convencen, y así cada nota cobra vida. Los 10 temas muestran su oído maduro y el comping -acompañamiento- experto de Jack DeJohnette en batería y Larry Grenadier en bajo. El trío suena como si llevara años tocando juntos. Podrían haber usado esa confianza para explorar más libremente, pero su precisión ya es un logro, y aporta gran profundidad a un debut sobresaliente. NOAH PREMINGER “DARK DAYS” - New York, December 14, 2024 - Hummus, Casa Pueblo, Nash’s world - Noah Preminger (ts) Ely Perlman (g) Kim Cass (b) Terreon Gully (d) Noah Preminger’s “Dark Days” no es un álbum para relajarse. Desde la primera canción, “Hummus,” se siente la tensión y el malestar que atraviesa todo el disco. Incluso temas más suaves, COMO “CASA PUEBLO” O LA BALADA “NASH’S WORLD,” tienen un trasfondo inquietante. Grabado en diciembre de 2024, durante un momento difícil en la vida de Preminger, “Dark Days” refleja el estado mental general del eminente saxofonista tenor en 2024, un año en el que experimentó problemas de salud crónicos (desde entonces resueltos). Los acompañantes juegan un papel clave: Kim Cass (bajo) y Terreon Gully (batería) combinan solidez con nerviosismo contenido, mientras que Ely Perlman aporta líneas inquietantes que impactan. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

PLANET JAZZ “LIVE AT SMALLS” - New York, August 23 & 24, 2009 - Simple as that, Bilbao - Joe Magnarelli (tp) Jerry Weldon (ts) Spike Wilner (p) Peter Bernstein (g) Neal Miner (b) Joe Strasser (d) El grupo Planet Jazz fue fundado por el baterista neoyorquino Johnny Ellis, fallecido en 1999 a los 44 años. Sin embargo, gracias a sus antiguos compañeros de banda, este grupo directo y lleno de energía sigue adelante, como queda claro en esta actuación en vivo registrada en el club Small’s de Nueva York. Aparecen varias figuras destacadas de la escena local: el trompetista Joe Magnarelli, el saxofonista tenor Jerry Weldon, el guitarrista Peter Bernstein y el contrabajista Neal Miner, con Joe Strasser ocupando con solvencia el lugar que dejó Ellis. El clima es animado y optimista; los arreglos miran de frente a la tradición, pero incorporan giros inesperados y pequeños desvíos que mantienen la música fresca. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. RENEE ROSNES “KINDS OF LOVE” - New York, March 31April 1, 2021 - Silk (Dedicated to Donald Brown), Kinds of love, The golden triangle - Chris Potter (saxes,fl,bcl) Renee Rosnes (p,elp,vcl,comp,arr) Christian McBride (b) Carl Allen (d) Rogerio Boccato (perc) Renee Rosnes es, sin exagerar, una de las grandes voces del jazz actual. Pianista y compositora de primer nivel, su forma de tocar es profundamente personal, con raíces claras en el lenguaje clásico del jazz, pero siempre abierta a nuevas ideas, matices y caminos expresivos. Con una década de grabaciones muy celebradas para el sello Blue Note, Rosnes en este nuevo proyecto para Smoke Sessions presenta un conjunto de composiciones tan variadas como inspiradas, interpretadas por un grupo de músicos extraordinarios: Chris Potter, Christian McBride, Carl Allen y Rogério Boccato. NED OTTER “THE RIGHT TO KNOW” - Englewood Cliffs, N.J., February 17, 1990 - The right to know, Funny, Panchromatic - Tom Kirkpatrick (tp) George Coleman (as,ts) Ned Otter (ts) Harold Mabern (p) Daniel Vitale (b) Billy Higgins (d) En este álbum de 2002, el saxofonista tenor Ned Otter se presenta por primera vez como líder, y lo hace acompañado por su mentor, el gran George Coleman. El disco está dedicado al baterista Billy Higgins, fallecido poco después de concluir la producción. Otter y Coleman forman un muy bien equilibrado y potente frente de tenores cuyas líneas melódicas fluyen con naturalidad. Junto a ellos, el trompetista Tom Kirkpatrick y el —lamentablemente subvalorado— pianista Harold Mabern aportan carácter y empuje. El grupo toca siempre con convicción. Los arreglos, bien ajustados y con pasajes al unísono, refuerzan el trabajo colectivo y le dan al disco una identidad clara y coherente. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

NATHAN DAVIS “THE HIP WALK” - Villingen, Germany, September 1, 1965 - The hip walk (1,2), Carmell’s Black Forest waltz (nd out,1), B’s blues (1,3) - Carmell Jones (tp-1) Nathan Davis (ts-2,sop-3,fl-4) Francy Boland (p) Jimmy Woode (b) Kenny Clarke (d) Nathan Davis, Saxofonista tenor y soprano —además de flautista y clarinetista—, nació en Kansas City en 1937, se inició muy joven tocando jazz profesionalmente, incluso con la banda de Jay McShann. Estudió educación musical y servió en el Ejército estadounidense, passando varios años en Europa, sobre todo en París, donde colaboró con figuras como Kenny Clarke, Art Blakey, Ray Charles, Dexter Gordon y Woody Shaw. En 1969 regresó a Estados Unidos para integrarse como profesor en la Universidad de Pittsburgh, donde desarrolló una influyente carrera académica. Allí impulsó uno de los primeros programas universitarios de estudios de jazz, creó seminarios y conciertos de alcance internacional y fundó la Pittsburgh Jazz Orchestra. “The Hip Walk” grabado en Alemania en 1965, cuando fue reeditado en CD en 1998 sacó a la luz el éxito de Davis como improvisador, compositor y arreglista cerca del comienzo de su carrera. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. OSCAR PETERSON TRIO “NIGHT TRAIN” - Los Angeles, December 16, 1962 - C jam blues, Night Train, Bags’ groove, Moten swing, Things ain’t what they used to be - Oscar Peterson (p) Ray Brown (b) Ed Thigpen (d) Oscar Peterson fue uno de los importantes pianistas de todos los tiempos.Con una técnica fenomenal al nivel de su ídolo, Art Tatum, la velocidad, destreza y capacidad de Peterson para swinguear a cualquier ritmo eran increíbles. Muy eficaz en grupos pequeños, sesiones de improvisación y en acompañamiento de cantantes, O.P. estaba en su mejor momento cuando interpretaba solos no acompañados. Su estilo original no cayó en ningún idioma específico. Al igual que Erroll Garner y George Shearing, el estilo distintivo de Peterson se formó durante mediados y finales de los años 40 y quedó entre el swing y el bop. Peterson, que no evolucionó mucho desde la década de 1950, grabó un gran número de notable álbumes. Aunque el repertorio del álbum Night Train del Oscar Peterson Trio (con el bajista Ray Brown y el baterista Ed Thigpen) es bastante típico, Peterson y trío suenan inspirados. RED RODNEY “THEN AND NOW” - New York, May 13 & 14, 1992 - Woody’n you, Un poco loco, Crazeology - Red Rodney (flhrn) Chris Potter (as-1,ts) Garry Dial (p) Jay Anderson (b) Jimmy Madison (d) “The Hip Walk” - Villingen, Germany, September 1, 1965 Red Rodney a los 15 años ya tocaba trompeta en la orquesta de Jerry Wald. Luego pasó por varias big bands importantes, entre ellas las de Jimmy Dorsey, Benny Goodman y Les Brown. Su estilo dio un giro total después de escuchar a Dizzy Gillespie y Charlie Parker, y pronto se convirtió en una de las voces jóvenes más brillantes del bebop. Rodney aportó ideas y solos memorables en las bandas de Gene Krupa (1946), Claude Thornhill y en la célebre Second Herd de Woody Herman (1948–1949). Entre 1949 y 1951 fue, con idas y vueltas, miembro habitual del quinteto de Charlie Parker, y brilló especialmente en el histórico concierto de Bird en el Carnegie Hall en 1949. Su última grabación, realizada dos años antes de su muerte, muestra a Rodney con 64 años tocando exclusivamente el fliscorno y manteniendo una técnica sólida y segura. Al frente de su quinteto habitual —con Chris Potter en saxos tenor y alto, Garry Dial al piano, Jay Anderson en contrabajo y Jimmy Madison en batería—, Rodney vuelve a sus raíces y revisita once estándares de la era del bop, pero dándoles un giro personal y fresco. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

THE GERRY MULLIGAN QUARTET “WHAT IS THERE TO SAY? “ - New York, December, 1958 & January 1959 Just in time, As catch can, Blueport - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) El álbum What Is There to Say? (1959) es el último de los cuartetos sin piano que Gerry Mulligan grabó en los años cincuenta y también uno de los mejores. Junto a él aparecen Art Farmer en trompeta, Bill Crow en contrabajo y Dave Bailey en batería, un grupo que funciona con notable equilibrio y compenetración. La ausencia de piano obliga a Mulligan y Farmer a sostener tanto el ritmo como la melodía, lo que da lugar a un diálogo constante entre ambos, alternando pasajes de estrecha interacción con solos de fuerte personalidad. Aunque a veces se lo asocia al hard bop por época, el clima general del disco se mueve más cerca del cool jazz, con un sonido relajado pero lleno de ideas. Prácticamente todos los temas resultan memorables. Además, se trata de una de las sesiones de Columbia con mejor sonido de finales de los cincuenta. Pese al estéreo muy separado típico de la época, la cercanía de los vientos aporta una gran sensación de presencia. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. SARAH VAUGHAN / CLIFFORD BROWN “SARAH VAUGHAN WITH CLIFFORD BROWN” - New York, December 16 & 18, 1954 - Lullaby of Birdland, I’m glad there is you, April in Parisl, Embraceable you (cb,pq,hm out) - Sarah Vaughan (vcl) acc by Clifford Brown (tp) Herbie Mann (fl) Paul Quinichette (ts) Jimmy Jones (p) Joe Benjamin (b) Roy Haynes (d) Ernie Wilkins (arr,dir) La sesión de estudio de 1954, Sarah Vaughan with Clifford Brown, destaca por la participación de uno de los trompetistas más importantes de su época. Vaughan interpreta nueve estándares de carácter íntimo, acompañada por un grupo que incluye a Brown en trompeta, Herbie Mann en flauta y Paul Quinichette en saxo tenor, con amplio espacio para los solos de cada uno. Aquí, Vaughan está posiblemente en uno de los mejores momentos vocales de su carrera: se detiene, sostiene y saborea cada nota en piezas como “April in Paris”, “Jim” y “Lullaby of Birdland”. Y aunque la emoción que transmite Vaughan es profunda, Brown casi logra igualarla con solos que exhiben su asombrosa virtud bop, en un contexto contenido, sin perder ni la sencillez expresiva de sus notas ni la extraordinaria audacia de sus elecciones. Los solos de Quinichette también son magníficos, con un sonido que casi parece un reflejo perfecto de la voz de Vaughan. De manera curiosa, ni Brown, ni Quinichette ni Mann participan en el punto más alto del álbum, “Embraceable You”, que Vaughan interpreta con el acompañamiento de la sección rítmica: Jimmy Jones al piano, Joe Benjamin en contrabajo y Roy Haynes en batería. TEDDY EDWARDS “TEDDY’S READY” - Los Angeles, August 17, 1960 - Blues in G, Scrapple from the apple, What’s new ? - Teddy Edwards (ts) Joe Castro (p) Leroy Vinnegar (b) Billy Higgins (d) Teddy Edwards comenzó a tocar en público cuando tenía apenas 12 años. Nació en 1924 en Jackson, Mississippi, se trasladó a Detroit en 1942 y poco después salió de gira con la big band de Ernie Fields. En 1945 se estableció definitivamente en Los Ángeles, ciudad clave en su trayectoria. Tras un breve paso por el saxo alto con Roy Milton, se volcó al tenor, instrumento con el que desarrolló su voz más personal. Integró la banda de Howard McGhee, grabó con frecuencia como sideman y pronto empezó a liderar sus propios grupos. Su debut para el sello Contemporary ofrece una excelente muestra de su talento como tenorista, a la altura de contemporáneos como Dexter Gordon o Wardell Gray. Acompañado por Joe Castro, Leroy Vinnegar y Billy Higgins, (p,b y dr) Edwards interpreta estándares y composiciones propias con soltura, profundidad y un sólido enfoque straight-ahead. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

TIM HAGANS “ETERNAL FORGE” - 2018 at Millfactory, Copenhagen - Adam’s calendar, Concord - Tim Hagans (tp) Marek Konarski (ts) Carl Winther (p) Johnny Aman (b) Anders Mogensen (d) El trompetista y compositor Tim Hagans ha sido tres veces nominado al Grammy. Hagans ha tocado y grabado con figuras clave del jazz como Thad Jones, Ernie Wilkins, Joe Lovano, Bob Belden y Dexter Gordon. Fue precisamente Jones quien lo impulsó a componer, al punto de incluir una de sus primeras obras en un disco propio. Hagans integró durante tres años la orquesta de Stan Kenton y más tarde estableció una relación artística fundamental con la Norrbotten Big Band, donde se desempeñó como director artístico y compositor residente por quince años. Desde Suecia desarrolló numerosos proyectos junto a invitados como Rufus Reid, Randy Brecker, Peter Erskine y Dave Liebman, parte de los cuales quedaron documentados en *The Avatar Sessions*. Hagans ha recibido encargos de instituciones como el NEA, IAJE/ASCAP y destacadas big bands europeas. Desde 2007 colabora con la Michele Brangwen Dance Ensemble, explorando cruces entre música, danza e improvisación. Este sábado, Tim Hagans y su quinteto Synesthesia se presentarán en el Festival Internacional de Providencia. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. EMMET COHEN “UPTOWN IN ORBIT” - New York, December 1 & 2, 2021 - Uptown in orbit (1), Li’l darlin’, Mosaic - Sean Jones (tp-1) Patrick Bartley (as-1) Emmet Cohen (p) Russell Hall (b) Kyle Poole (d) Ha llegado el momento de . Desde su lanzamiento debut en Mack Avenue, “Future Stride”, el pianista Emmet Cohen ha recorrido el mundo constantemente, llevando su música durante una pandemia global, todo mientras organiza conciertos semanales en vivo desde su casa en Harlem, Nueva York. Estas transmisiones en vivo proporcionaron un sentido de comunidad y un hogar a los músicos desplazados de Nueva York, que recuerdan a las fiestas de alquiler de la década de 1920. En “Uptown in Orbit”, su segundo lanzamiento para Mack Avenue, Cohen lleva la tradición del jazz a primer plano mientras proporciona el giro moderno necesario para los tiempos actuales. En este lanzamiento aparecen el trompetista/educador Sean Jones, el saxofonista Patrick Bartley, el bajista Russell Hall y el baterista Kyle Poole. BEN PEROWSKY “ESOPUS OPUS” - Brooklyn, NY, March 15, 2006 - Key lime, Within you without you, Esopus opus, Perolas - Chris Speed (ts,cl) Ted Reichman (accor) Drew Gress (b) Ben Perowsky (d) El baterista Ben Perowsky, con una presencia habitual de la escena del downtown de Nueva York, fundó y codirigió la banda de proto-fusión Lost Tribe, formó parte de Elysian Fields, Joan as Policewoman y los Lounge Lizards, y al mismo tiempo se mantuvo activo como sideman junto a músicos como Steven Bernstein, Uri Caine, Dave Douglas y John Zorn, entre muchos otros. Un artista de intereses muy diversos, Perowsky debutó con su cuarteto en “Esopus Opus”, un disco que recorre múltiples géneros: desde versiones de rock clásico y música brasileña hasta composiciones propias, siempre cambiantes. Curiosamente, este grupo guarda un claro parentesco con el Claudia Quintet, el ensamble liderado por el también baterista John Hollenbeck. Ambos comparten a Chris Speed (clarinete y saxo tenor), Ted Reichman (acordeón) y Drew Gress (contrabajo), aunque el grupo de Hollenbeck suma además al vibrafonista Matt Moran. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

PASQUALE MIRRA / HAMID DRAKE “LHASA” - Italy ?, c. 2024 - The toad - Pasquale Mirra (vib) Hamid Drake (d) Percusionista prolífico y de enorme prestigio dentro del jazz de vanguardia y la improvisación, Hamid Drake ha construido un lenguaje rítmico que mezcla elementos afro-cubanos, indios y africanos. Surgió en los años setenta junto al saxofonista Fred Anderson, figura clave de la escena de Chicago, y desde entonces ha sido un colaborador esencial de improvisadores como Peter Brötzmann, Matthew Shipp, Ken Vandermark, Pharoah Sanders y William Parker. Además, trabajó estrechamente con Don Cherry desde 1978 hasta la muerte del trompetista en 1995. Pasquale Mirra, originario de Ravello, es considerado uno de los vibrafonistas más talentosos de la escena italiana e internacional. Ha colaborado con grandes improvisadores del escenario mundial, incluidos Michel Portal, Fred Frith, Nicole Mitchell, Tristan Honsinger, Ernst Rijseger, y con algunos de los artistas italianos más talentosos. En 2013, 2014 y 2015 fue nombrado el mejor vibrafonista italiano por la revista Jazz it. Es difícil definir y encasillar a estos dos músicos, porque no pertenecen a un solo género y demuestran con cuánta maestría y naturalidad se puede pasar de una cultura musical a otra sin generar rupturas. En el Festival Internacional de Providencia, Hamid y Pasquale presentarán su música junto a cuatro músicos chilenos: Claudio Rubio, saxos; Felipe Rivero, piano y teclados; Milton Russell, contrabajo y Raul Aliaga en percusión y tabla. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. BRUCE BARTH “DEDICATION” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - “Dedication” - Brooklyn, NY, August 9, 2021 - Courage, In memoriam, Let’s go - Bruce Barth (p,comp) Vicente Archer (b) Montez Coleman (d) Figura clave de la escena jazzística de Nueva York durante 40 años, el pianista Bruce Barth ha desarrollado una visión musical inspirada que siempre ha dado lugar a colaboraciones valiosas y profundas. Ninguna tan significativa como la de su trío estable de muchos años junto al contrabajista Vicente Archer y el baterista Montez Coleman. La voz colectiva del grupo encontró aquí su marco perfecto, lo que convierte el álbum *Dedication* en un momento especialmente profundo y cargado de emoción: Montez falleció apenas cinco meses después de la sesión de grabación, a los 48 años. El disco celebra la alegría y la camaradería que Montez aportaba al grupo, así como la inspiración, guía y gratitud durante toda la grabación. SEBASTIÁN JORDÁN “PATAGONIA” - Santiago 2023 - Patagonia, Sofía - Sebastián Jordán (t) Sergio Olivares (saxo/fl) Sebastián Castro (p/tecl) Milton Russell (b) Félix Lecaros (dr) Sebastián Jordán es, sin lugar a dudas, la figura más relevante de la trompeta en el jazz chileno, consolidado como solista a partir de la década del 2000. Formado con distinción en el seno de las orquestas Irazú (1997) y Los Andes Big Band (1998), pronto se erigió como el principal referente del instrumento dentro de su generación. Su trayectoria se ha caracterizado por la construcción de un discurso musical propio, de notable profundidad lírica y refinamiento expresivo, desarrollado tanto en sus proyectos como solista-líder como en su prolífica labor como sideman en la escena contemporánea. En este sentido, Jordán se inscribe de manera natural como el continuador de Cristián Cuturrufo en la línea histórica de la trompeta dentro del jazz chileno. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JAMIE BAUM “SIGHT UNHEARD” - New York, January, 1995 - Aftermath (kw out), Una muy Bonita, Sight unheard - Dave Douglas (tp) Jamie Baum (fl,altofl) Roberta Piket (p) Drew Gress (b) Jeff Hirshfield (d) La flautista y compositora neoyorquina Jamie Baum, reconocida internacionalmente como una de las grandes flautistas del jazz e incluida anualmente en la encuesta de críticos de la revista DownBeat desde 1999, ha trabajado y/o grabado con figuras tan diversas como Randy Brecker, Paul Motian, Roy Hargrove, Kenny Barron, Anthony Braxton y Wadada Leo Smith. Baum también enseña en el departamento de JazzArts de la escuela de música de Manhattan. Pasado mañana, el viernes 23 a las 20:00 Jaime se presentará en el Festival Internacional de Providencia con el cuarteto que debutó en 2023 en el legendario club Mezzrow de Nueva York. Tras años tocando juntos en distintos proyectos y formaciones, el balance entre lo familiar y lo inesperado mantiene al público atento. El repertorio mezcla composiciones originales de los integrantes y arreglos d estándares con un enfoque propio. En su álbum Sight Unheard es acompañada por músicos de primer nivel — Dave Douglas en trompeta y Kenny Werner o Roberta Piket en piano—, pero mantiene su presencua siempre al frente. Jamie compuso casi todo el repertorio, e hizo todos los arreglos de música abierta y dinámica, llena de matices, energía y momentos de gran interacción colectiva. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. MILT JACKSON “QUINTET” - New York, April 7, 1952 - Tahiti, Lillie, Bags’ groove, What’s new ?, Don’t get around much anymore, On the scene - Lou Donaldson (as1) Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Kenny Clarke (d) Este CD reúne dos sesiones completas lideradas por el vibrafonista Milt Jackson. En una de ellas, los futuros integrantes del Modern Jazz Quartet se unen al saxofonista Lou Donaldson; la otra incluye ocho temas en cuarteto junto a Thelonious Monk. Hoy escucharemos la sesión de abril de 1952, que en lo esencial ya presenta al Modern Jazz Quartet: John Lewis (piano), Percy Heath (contrabajo) y Kenny Clarke (batería), ofreciendo un acompañamiento excepcional a Jackson. Con Lou Donaldson en saxofón alto, el grupo interpreta versiones sublimes que duran unos minutos cada una. Eto se debe que, aunque el LP ya existía desde 1948, estas grabaciones fueron pensadas originalmente para discos de 78 rpm, formato que seguía siendo el más usado por las radios y porque muchos oyentes aún no tenían tocadiscos para LP. Así, estas sesiones se publicaron primero como 78 rpm de Blue Note y solo más tarde fueron recopiladas en LP. ENRICO PIERANUNZI “DON’T FORGET THE POET” - Amsterdam, The Netherlands, March 7, 8 & 9, 1999 - Don’t forget the poet, A nameless gate, Hindsight - Bert Joris (tp,flhrn) Stefano d’Anna (sop,ts) Enrico Pieranunzi (p) Hein van de Geyn (b) Hans van Oosterhout (d) Enrico Pieranunzi, nacido en Roma en 1949, es pianista, compositor y arreglador. Ha grabado más de 70 discos como líder y ha colaborado, en vivo y en estudio, con músicos como Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, entre muchos otros. Ha sido elegido Artista del Año en tres ocasiones por la encuesta de críticos de la revista Musica Jazz y también recibió el premio francés Django d’Or como Mejor Músico Europeo. En el álbum Don’t Forget the Poet, Pieranunzi aparece acompañado por Bert Joris en trompeta y fliscorno, y por el saxofonista Stefano d’Anna. El grupo se completa con el contrabajista Hein Van de Geyn, quien además produce el disco, y el baterista Hans von Oosterhout. Los 11 temas son composiciones de Pieranunzi y proponen una música donde prima la belleza y el lirismo, más que el swing marcado o las referencias directas al blues. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

BUD FREEMAN - “AND HIS GANG” - New York, July 12, 1938 - Tappin’ the Commodore till, Memories of you - Bobby Hackett (cnt) Pee Wee Russell (cl) Dave Matthews (as) Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Dave Tough (d-1) Marty Marsala (d-2) “BUD FREEMAN TRIO” - New York, November 30, 1938 -The blue room, Exactly like you - Bud Freeman (ts) Jess Stacy (p) George Wettling (d) Bud Freeman siempre tuvo su propio sonido y estilo. Aunque nunca fue la influencia dominante que fue Hawkins, fue una inspiración tanto para Lester Young (que admiraba su individualidad incluso mientras desarrollaba su propio tono mucho más frío) como para Eddie Miller, que con Bob Crosby a menudo sonaba como Freeman, pero tocaba en un estilo más simple, aunque no menos oscilante. Incluso Hawkins expresó admiración por las habilidades de Freeman y su decisión de no copiar a nadie más. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. EDDIE HEYWOOD “AND HIS ORCHESTRA” - New York, February 19 & 26, 1944 -`T ain’t me, Carry me back to old Virginny, I can’t believe that you’re in love with me - Doc Cheatham (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Al Lucas (b) Jack “The Bear” Parker (d) El pianista Eddie Heywood nació en Atlanta, Georgia. Se inició tocando en un teatro de vódevil en Atlanta, ocasionalmente acompañando a cantantes como Bessie Smith y Ethel Waters.[ 1] Heywood se mudó, primero a Nueva Orleans y luego a Kansas City, cuando el vódevil comenzó a ser reemplazado por imágenes sonoras. Después de mudarse a Nueva York, toco con Benny Carter (1939-1940). Luego dirigió su propio grupo a partir de ese período, apoyando a Billie Holiday en algunas ocasiones a partir de 1941. En 1943, aparece en el cuarteto de Coleman Hawkins con un solo en “The Man I Love”). Su primer sexteto incluyó a Doc Cheatham y Vic Dickenson. Su versión de 1944 de “Begin the Beguine” se convirtió en un éxito. Eddie Heywood continuó actuando hasta la década de 1980. CHU BERRY “AND HIS JAZZ ENSEMBLE” - New York, August 28, 1941 - Blowing up a breeze, On the sunny side of the street, Monday at Minton’s, Gee baby, ain’t I good to you ? (hlp vcl) - Hot Lips Page (tp,vcl) Chu Berry (ts) Clyde Hart (p) Al Casey (g) Al Morgan (b) Harry Jaeger (d) El August 28, 1941 Chu Berry, Hot Lips Page y Clyde Hart en tenor, trompeta y piano ingresaron al estudio de Commodore Records en New York. También participan el guitarrista de Fats Waller Al Casey y Harry Wager baterista de Benny Goodman, son caras nuevas del sello. La instrumentación es la misma que la de Chu en una grabación de 1938, lo que deja bastante claro son los cambios que habían tenido lugar en el swing. Se había vuelto más ágil, con una mayor propensión a los riffs que son frase corta repetida típicamente utilizada como introducción o estribillo en una canción. Grabaron dos baladas y dos temas rápidos: Una larga toma de “On The Sunny Side Of The Street”, con un solo de Hot Lips. “Blowing Up A Breeze”, muestra que Chu y Lips van bien juntos. La toma termina con un riff al unísono y Chu, con la mayor parte del espacio en solitario, que está en buena forma; este era el tipo de ritmo en él que sobresalía. “Monday At Minton’s” es el primo de “One O’clock Jump”, al que Hart cita en su solo de saxo alto. “Gee Baby Ain’t I Good To You” fue una de las especialidades de Lips. Su solo de trompeta con sordina es “suplicante”. Este fue el canto del cisne de Chu: en dos meses, había fallecido, acababa de cumplir 33 años. Si hubiera vivido, podría haber habido una tercera escuela clásica de tenor para agregar a Coleman Hawkins y Lester Young. PECK KELLEY “PECK KELLEY JAM” - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Stompin’ at the Savoy, Riverboat shuffle - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d) Peck Kelley fue un hombre sumamente tímido y un pianista virtuoso con el don de atraer a los mejores y más brillantes jóvenes músicos de jazz de todo el país a su banda en el este de Texas. Los mejores líderes de banda del día intentaron atraerlo, pero se negó a migrar a escenas de jazz fértiles y más lucrativas en otros lugares. En cambio, creó un centro de hiot jazz en su estado en una época en la que el jazz rara vez se escuchaba en ningún otro lugar que no fuera Nueva Orleans o Chicago. Kelley lideró una influyente “territory band” en Texas durante la década de 1920. Se decía que el estilo de Kelley estaba adelantado a su tiempo y era armónicamente más avanzado que el de otras bandas de esa época. En el grupo tocaron músicos como Pee Wee Russell y Jack Teagarden, además de Leon Roppolo, de los New Orleans Rhythm Kings. La banda nunca llegó a grabar. En 1957, Peck Kelley se unió al cuarteto de Dick Shannon, con Glen Boyd al contrabajo, formación de la que provienen las únicas grabaciones de estudio que se conservan de este músico. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JACKIE MCLEAN “JACKNIFE” - Englewood Cliffs, N.J., September 24, 1965 - Blue fable (1) - - Lee Morgan (tp1) Charles Tolliver (tp2) Jackie McLean (as) Larry Willis (p) Larry Ridley (b) Jack DeJohnette (d) La historia de Jackie McLean es ya parte de la leyenda del jazz. Empezó a tocar el saxofón alto a los quince años; a los diecisiete estudiaba con Bud Powell y tocó en conciertos locales con Thelonious Monk y al año siguiente junto a Charlie Parker, y a los diecinueve se presentó en el club Birdland con Miles Davis. Además, grabó con Miles Davis, el Jazz Workshop de Charles Mingus y más tarde con los Jazz Messengers de Art Blakey. Antes de cumplir veinte años, McLean era conocido como una figura clave del jazz neoyorquino. Su álbum Jacknife (1965) lo acompañan los trompetistas de primer nivel, Lee Morgan y Charles Tolliver, y una sólida sección rítmica: Larry Willis al piano, Larry Ridley en el contrabajo y Jack DeJohnette en la batería. El sonido intenso de McLean recorre un repertorio variado, que va desde las amplias exploraciones modales de “On The Nile”, de Tolliver, pasando por los ritmos enérgicos de “Climax”, de DeJohnette, hasta “Blue Fable”, composición del propio McLean. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. HAMPTON HAWES “THE TRIO (VOLUMES 1 & 2) - Diciembre 1955 & enero 1956 - Stella by starlight, Blues for Jacque, Yesterdays - Hampton Hawes (p) Red Mitchell (b) Chuck Thompson (d) Hampton Hawes fue uno de los mejores pianistas de hard bop de la escena jazzística de la Costa Oeste. Llamó la atención a fines de los años 50 con una serie de excelentes discos en formato de trío. Influido por las innovaciones bebop de Bud Powell, Hawes mostró muy pronto la misma soltura tanto en temas rápidos y llenos de swing como en baladas románticas. Después de trabajar con las bandas de Los Ángeles lideradas por Shorty Rogers y Howard McGhee, y tocar con figuras del bebop de la Costa Oeste como Sonny Criss, Dexter Gordon y Wardell Gray. Hampton Hawes Trio, Vols. 1 & 2 es el primero de una larga serie de grabaciones que lo muestran en uno de los mejores momentos iniciales de su carrera, junto al contrabajista Red Mitchell y al baterista Chuck Thompson. Además de tres composiciones propias, Hawes interpreta siete estándares con versiones llenas de energía y swing, logrando que temas muy conocidos suenen nuevamente vivos y atractivos. LIAM SILLERY “PHENOMENOLOGY” - River Edge, N.J., December 9, 2008 - Phenomenology, Holding pattern, Intentionality - Liam Sillery (tp,flhrn) Matt Blostein (as) Jesse Stacken (p) Thomas Morgan (b) Vinnie Sperrazza (d) Con su lanzamiento “Phenomenology”, el trompetista Liam Sillery continúa desafiando tanto a los músicos como al oyente con composiciones intrincadas e improvisación sorprendente. La banda es reactiva y solidaria, mientras mantiene sus personalidades individuales para complementar constantemente la música. La exploración de Liam de los paisajes sónicos sugeridos por sus composiciones crea una sensación de intriga melódica en el “Koi” inspirado en Kenny Wheeler y las líneas de la rueda de la bocina a través del backbeat de “Intentionality”. Esta grabación sin duda ayuda a solidificar a Sillery como “una voz importante en el jazz del siglo XXI” This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

J.D. ALLEN “AMERICANA, VOLUME 2” - Astoria, NY, January 26, 2022 - The werk song, Hammer and hoe, The battle of Blair Mountain - J.D. Allen (ts) Charlie Hunter (g) Gregg August (b) Rudy Royston (d) En Americana Vol. 2, J.D. Allen aborda temas profundos —políticos, raciales, económicos e históricos—, pero en el centro musical del disco está algo tan simple y a la vez fundamental como el blues. Allen pone el foco en ese papel muchas veces subestimado, pero clave, que el blues ha tenido en la historia del jazz y en cómo sigue transformándose e influyendo en el género hasta hoy. Para este proyecto vuelve a trabajar con sus colaboradores de siempre, Gregg August en contrabajo y Rudy Royston en batería, y suma al guitarrista Charlie Hunter. Hunter no solo comparte con Allen un interés profundo por el blues y su legado, sino también varias experiencias de vida similares. Aunque crecieron en distintas regiones del país, sus trayectorias personales se cruzan de manera natural, algo que se percibe con claridad en la música que hacen juntos. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. MATT BAUDER “NIGHTSHADES” - Brooklyn, NY, February 5 & 6, 2013 - Octavia minor, Weekly resolution - Nate Wooley (tp) Matt Bauder (ts) Kris Davis (p) Jason Ajemian (b) Tomas Fujiwara (d) Matt Bauder formó su banda Day in Pictures en 2007 con la idea de concentrar sus diversas habilidades como compositor en un sonido propio y reconocible. La formación actual reúne a algunos de los improvisadores más destacados de hoy. Nate Wooley y el propio Bauder, en trompeta y saxofón tenor, han desarrollado un frente muy particular gracias a años de giras junto al quinteto Canada Day de Harris Eisenstadt. La base rítmica —Kris Davis en piano, Jason Ajemian en contrabajo y Tomas Fujiwara en batería— se complementa a partir de contrastes claros entre sus distintas maneras de tocar. Cuesta imaginar una versión más personal y cercana de la tradición del souljazz actual que “Octavia Minor”, el tema que abre Nightshades, segundo álbum del grupo. La pieza se apoya en un riff relajado de hard bop y en el diálogo natural entre Bauder y el notable trompetista Wooley. Al mismo tiempo, se aparta con elegancia de lo convencional gracias a un clima espacial, con matices de Medio Oriente, y al intercambio tenso entre los giros blueseros del piano de Davis y los acentos descentrados de la batería de Fujiwara. MAX JOHNSON “MAX JOHNSON QUARTET” - Paramus, NJ, c. 2012 - 60-66, Disharmony in 5 notes or less, Lost & found (for Henry Grimes) - Steve Swell (tb) Mark Whitecage (as,cl) Max Johnson (b) Tyshawn Sorey (d) Discípulo del bajista de vanguardia Henry Grimes, Max Johnson aporta a su contrabajo una energía intensa en Max Johnson Quartet su prometedor debut. El disco reúne seis composiciones originales para un cuarteto sin piano, donde distintos géneros se filtran a través de una mirada claramente libre y experimental. Johnson ha tocado con figuras como Anthony Braxton, William Parker y John Zorn; esas influencias se sienten, pero no lo dominan: aquí logra una voz propia, creando reglas solo para tensarlas o dejarlas de lado. Esa tensión se percibe en “Elephant March”, un funk en compases irregulares que parece reclamar a John Medeski, hasta que Tyshawn Sorey empieza a desarmar el pulso y el trombonista Steve Swell junto al saxofonista Mark Whitecage despegan hacia zonas extremas y luego regresan. “Lost & Found” crece poco a poco, con ecos de los pasajes más brillantes de Rhapsody in Blue. El no del todo tradicional “6066” da paso a “Atonement”, un blues torcido, y el cierre “IsetRa” evoca pirámides, rituales y quizá a la Arkestra que alguna vez tocó entre ellas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

MIGUEL ZENÓN QUARTET “VANGUARDIA SUBTERRÁNEA“ – Live At The Village Vanguard - September 20th & 21st, 2024 - El día de mi suerte, Dale la vuelta - Miguel Zenón (sa) Luis Perdomo (p) Hans Glawischnig (b) Henry Cole (dr) Observando el 22 aniversario de su primer álbum de cuarteto (Look Forward del 2022) con el pianista Luis Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y el baterista Antonio Sánchez, y el 15o aniversario de su cuarteto actual con el baterista Henry Cole, el saxofonista alto Miguel Zenón ingresó al Village Vanguard en septiembre de 2024 para grabar el primer álbum del grupo. Aunque el cuarteto ha ofrecido cientos de conciertos en todo el mundo durante años, nunca antes había registrado oficialmente su potencia en vivo. Para Zenón, este disco tiene una energía especial, marcada por la historia y la atmósfera única del Village Vanguard, un lugar soñado por generaciones de músicos de jazz. El lanzamiento se efectuó en el mismo lugar en septiembre de 2025. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. CARMEN STAAF “SOUNDING LINE” - Oakland, CA, September, 2024 - Scorpio?, Byeya, Libra, Boiling point - Ambrose Akinmusire, Darren Johnston (tp) Ben Goldberg (cl) Dillon Vado (vib,tamb) Carmen Staaf (p,comp) Hamir Atwal (d) John Santos (bgo) La pianista y compositora Carmen Staaf se inspira en dos figuras clave del piano en el jazz: Thelonious Monk y Mary Lou Williams. En su álbum Sounding Line, Staaf explora los puntos de encuentro entre estos músicos revolucionarios, revelando influencias compartidas y una relación artística más estrecha de lo que suele asumirse. Staaf creció estudiando el lenguaje de Monk. Sus composiciones, a menudo calificadas como excéntricas, muestran en realidad una construcción cuidadosa y una lógica interna muy precisa. El descubrimiento de Mary Lou Williams amplió decisivamente su perspectiva. Le impactó la amplitud estilística de Williams, su vigencia a lo largo de varias décadas y esa admiración la llevó a investigar a fondo su obra y a reconocer los lazos creativos que la conectan con Monk, que es el concepto del disco. Para dar forma al proyecto, Staaf reunió a músicos de SanFrancisco con quienes había construido vínculos musicales y pedagógicos, conformando un elenco diverso que refuerza el espíritu abierto y dialogante de Sounding Line. BENNY GOLSON “GONE WITH GOLSON” - Hackensack, N.J., June 20, 1959 - Autumn leaves, Soul me, A bit of heaven - Curtis Fuller (tb) Benny Golson (ts) Ray Bryant (p) Tommy Bryant (b) Al Harewood (d) El saxofonista tenor y compositor Benny Golson (1929–2024) dejó una huella inconfundible en el jazz moderno, marcada por un groove elegante y un lirismo siempre reconocible. Esa riqueza se aprecia con claridad en Gone With Golson (1959), un álbum que refleja tanto su origen en Filadelfia como su sólida herencia musical, ligada a maestros como Coleman Hawkins y Ben Webster, muy lejos de las corrientes más radicales del avant-garde de la época. Golson brilla por si solo, pero la presencia del trombonista Curtis Fuller eleva aún más el nivel del disco. Juntos logran un swing fluido y natural, con un diálogo constante y lleno de matices. Golson suena inspirado y melódico, fiel al espíritu de clásicos con el empuje sostenido por el pulso firme de Al Harewood y el trabajo refinado de los hermanos Bryant, Ray al piano y Tommy al contrabajo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com