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BEN RILEY WEAVER OF DREAMS - Brooklyn, NY, August 26, 1993 - Black Nile, Solar, I mean you - Ralph Moore (ts) Kenny Barron (p) Buster Williams (b) Ben Riley (d) Ben Riley, el último baterista de Thelonious Monk entre 1964 y 68 sus cuatro últimos años de su cuarteto, fue uno de los grandes acompañantes del jazz moderno. Su manera de tocar, siempre imaginativa y discreta, le permitía impulsar la música sin imponerse sobre los demás instrumentos. En “Weaver of Dreams”, grabado en Brooklyn en 1993, Riley comparte con el saxofonista tenor Ralph Moore, el contrabajista Buster Williams y el pianista Kenny Barron. Riley y Williams habían trabajado juntos durante muchos años, desarrollando un entendimiento musical extraordinario. Riley siempre mantuvo que uno de sus principales objetivos era no interferir con el trabajo del contrabajista, como se aprecia aquí. LINDA MAY HAN OH SUN PICTURES - New York, November 12, 2012 - Footfall, 10 minutes till crossing - Ben Wendel (ts,sop) James Muller (g) Linda May Han Oh (b) Ted Poor (d) La contrabajista y compositora Linda May Han Oh, nació en Malasia y se crió en Australia, se ha convertido en una interesante figura del jazz contemporáneo. Su tercer álbum como líder, “Sun Pictures”, fue grabado en Nueva York en noviembre de 2012. La acompañan Ben Wendel en saxos tenor y soprano, el guitarrista australiano James Muller y Ted Poor en batería. El título del disco hace referencia a Sun Pictures, un histórico cine al aire libre de Australia. Pero también describe el carácter de sus siete composiciones originales, muchas de ellas inspiradas en imágenes, lugares y experiencias de sus viajes. La música tiene un carácter íntimo y reflexivo, con melodías delicadas. Se destaca especialmente el diálogo entre la guitarra de Muller y los saxofones de Wendel, sostenido por el contrabajo de Oh y la batería de Poor. MIKE LEDONNE TURN IT UP! - Vancouver, BC, Canada, September 17 & 18, 2004 - Delilah, Lament - Eric Alexander (ts) Mike LeDonne (org) Peter Bernstein (g) Joe Farnsworth El pianista y organista Mike LeDonne formó en 1999 su Groover Quartet, integrado por Eric Alexander en saxo tenor, Peter Bernstein en guitarra y Joe Farnsworth en batería. Más de veinticinco años después, los cuatro músicos siguen tocando juntos, algo poco frecuente en el jazz. En “Turn It Up!”, el cuarteto vuelve a demostrar su afinidad con el hard bop y el soul jazz, siguiendo la tradición de grandes organistas como Jimmy Smith y Charles Earland. La música tiene un swing contagioso, con el órgano de LeDonne proporcionando una sólida base rítmica y armónica. Eric Alexander despliega su poderoso sonido en el saxo tenor, mientras Peter Bernstein, como siempre, aporta sus imaginativas intervenciones en la guitarra. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JIMMY HEATH ON THE TRAIL - New York, spring 1964 - On the trail, Cloak and dagger, Project S - Jimmy Heath (ts) Wynton Kelly (p) Kenny Burrell (g) Paul Chambers (b) Albert “Tootie” Heath (d) Jimmy Heath fue una de las figuras más respetadas del jazz moderno, tanto por su trabajo como saxofonista como por su talento para la composición y los arreglos. Nació en Filadelfia en 1926, en una familia extraordinariamente musical: su hermano Percy fue contrabajista del Modern Jazz Quartet y su hermano menor, Albert, conocido como Tootie, fue baterista. Comenzó tocando el saxofón alto, influido por Charlie Parker. Más adelante adoptó el tenor y desarrolló una voz propia. Durante su larga carrera trabajó con Dizzy Gillespie, Miles Davis y Art Farmer, y formó junto a sus hermanos el célebre Heath Brothers. Heath fue un músico profundamente ligado al bebop y al hard bop, pero su manera de tocar se distinguía por la claridad melódica y un fraseo construido cuidadosamente. Sus improvisaciones tenían una lógica casi narrativa, con un swing natural y un sonido cálido y expresivo. On the Trail fue el último de los seis álbumes que Jimmy Heath grabó para Riverside. Registrado en Nueva York en 1964, rlidera un quinteto excepcional: Wynton Kelly, Kenny Burrell, Paul Chambers y su hermano Albert “Tootie” (d) La pieza que da título es tomada de la Grand Canyon Suite de Ferde Grofé. FRANK KIMBROUGH MONK’S DREAMS - Maggie’s Farm, Pipersville, PA, May 22, 2018 - Played twice (1), Ba-lue Bolivar ba-lues-are (1), Ask me now (1), Reflections (fk,bd out,2) - Scott Robinson (ts1,bassax2,tp3) Frank Kimbrough (p) Rufus Reid (b) Billy Drummond (d) Frank Kimbrough en 2018 se propuso grabar las 70 composiciones conocidas de Thelonious Monk y convocó a tres músicos de primera línea: el multi-instrumentista Scott Robinson con Rufus Reid en bajo y Billy Drummond en batería. Kimbrough trata la música de Monk con admiración y profundo conocimiento de su lenguaje. Su interpretación conserva las melodías, las armonías inesperadas y los característicos desplazamientos rítmicos del compositor, sin intentar reproducir exactamente su manera de tocar. Scott Robinson alterna el saxofón tenor con la trompeta y varios instrumentos poco habituales, entre ellos el saxofón bajo y el sarrusofón contrabajo. Reid y Drummond mantienen un swing relajado y flexible, proporcionando una base sólida al proyecto. ERNESTO CERVINI WATER PISTOLS AT DAWN - poss. Toronto, c. 2025 - Waiting for a win, Evidence, Moonlight serenade - Kaelin Murphy (tp) Andrew Marzotto (g) Mark Godfrey (b) Ernesto Cervini (d) En su disco “Water Pistols at Dawn” —«Pistolas de agua al amanecer»—, el baterista canadiense Ernesto Cervini reúne a tres jóvenes músicos de Toronto: el trompetista Kae Murphy, el guitarrista Andrew Marzotto y el contrabajista Mark Godfrey. Con influencias tan diversas como Radiohead, The Smile, Avishai Cohen, The Bad Plus y Pat Metheny, el grupo desarrolla una música que combina melodías expresivas, ritmos complejos, improvisación y momentos de gran intensidad. El álbum incluye tres composiciones de Cervini además de nuevas versiones de temas de procedencias muy distintas: Glenn Miller; Thelonious Monk; y del grupo británico The Smile. Una selección que refleja la amplitud de intereses de Cervini y su deseo de explorar nuevas posibilidades expresivas sin perder su identidad jazzística. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

TEDDY EDWARDS SMOOTH SAILING - New York, December 19, 2001 - Going home, Hank’s tune, Smooth sailing - Teddy Edwards (ts) Richard Wyands (p) Ray Drummond (b) Chip White (d) El saxofonista Teddy Edwards fue una figura importante del jazz de la Costa Oeste, aunque nunca alcanzó la popularidad de algunos de sus contemporáneos. Su carrera comenzó en los años cuarenta y se extendió durante más de medio siglo, siempre con un estilo personal, de sonido cálido y una manera de improvisar que parecía surgir sin esfuerzo. En Smooth Sailing, grabado en 2001, Edwards está acompañado por el pianista Richard Wyands, el contrabajista Ray Drummond y el baterista Chip White. Es un cuarteto que funciona con gran naturalidad, sin arreglos complicados ni necesidad de demostrar virtuosismo. Edwards atravesaba entonces problemas de salud, pero nada de eso parecía afectar su interpretación. Su saxofón conserva la elegancia de siempre, tanto en las baladas como en los temas rápidos. El repertorio incluye piezas asociadas con grandes saxofonistas como Coleman Hawkins, Ben Webster, Lester Young y Hank Mobley. Edwards encuentra en ellas oportunidades para expresar su propia personalidad, sin intentar imitar a ninguno. Hay algo especialmente atractivo en su manera de tocar: nunca parece estar apurado. Deja que las melodías respiren, escoge cuidadosamente sus frases y consigue que cada intervención tenga sentido. LEON PARKER TRIO 93 FOUNDATIONS - Brooklyn, NY, April, 1993 - Bemsha swing, Caravan, Evidence - Brad Mehldau (p) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (d) El baterista Leon Parker fue una de las figuras más originales del jazz de los años noventa. Su manera de tocar llamaba la atención por la sencillez de su equipo: en ocasiones le bastaban un platillo, un tambor y algunos pequeños instrumentos de percusión para producir una sorprendente variedad de sonidos y ritmos. Cuando lo vi en el club One STEP DOWN de Washington como acompañante del saxofonista David Sánchez, probablemente el mismo año en que se grabó este disco; recuerdo muy bien que solo trajo una caja, un bombo ínfimo y un platillo de 18 pulgadas. Parker se dio a conocer trabajando con músicos como Jacky Terrasson, Dewey Redman y Joshua Redman. Sin embargo, a comienzos de los años 2000 decidió trasladarse a Francia y alejarse del circuito habitual del jazz estadounidense. Allí se dedicó a explorar nuevas formas de expresión rítmica, incorporando el movimiento corporal, la voz y la percusión. Aunque nunca abandonó completamente la música, durante muchos años su presencia en las grabaciones fue bastante limitada. Foundations, publicado ahora por Sunnyside Records, nos devuelve a una etapa muy anterior. En abril de 1993, Parker reunió en un estudio de Brooklyn a dos jóvenes músicos: el pianista Brad Mehldau y el contrabajista Ugonna Okegwo. Grabaron una sesión con un solo micrófono, en un ambiente cercano al de una actuación en vivo. Las cintas permanecieron inéditas durante treinta y tres años. JOEL HARRISON ANTHEM OF UNITY - Woodstock, NY, November 21, 2022 - The times they are a-changin’ (2), Doxy, Migratory birds (1) - Gregory Tardy (ts,cl-1) Gary Versace (org,p-2) Joel Harrison (g) Jack DeJohnette (d) El guitarrista y compositor Joel Harrison ha tenido una carrera bastante particular. Su música se mueve con facilidad entre el jazz, el rock, el blues y las tradiciones populares estadounidenses. Además de sus numerosas grabaciones, ha trabajado como compositor para cine y es fundador del Alternative Guitar Summit, un encuentro dedicado a explorar las posibilidades de la guitarra contemporánea. En este disco, Harrison se acerca por primera vez a una formación clásica del jazz: guitarra, órgano Hammond, saxo tenor y batería. Lo acompañan Greg Tardy en saxofón, Gary Versace en órgano y piano, y nada menos que Jack DeJohnette en batería. La presencia de DeJohnette es uno de los grandes atractivos de la grabación. Desde el primer tema aporta esa combinación tan suya de energía, imaginación y libertad rítmica. Harrison presenta composiciones muy variadas, desde piezas cercanas al blues y al funk hasta baladas de carácter más íntimo. Su guitarra puede recordar por momentos a John Scofield o Bill Frisell, aunque mantiene una voz propia. El repertorio incluye también una versión de The Times They Are A-Changin’, de Bob Dylan, y ofrece momentos especialmente interesantes para escuchar el diálogo entre Harrison y DeJohnette. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JIM SNIDERO HOUSE OF TRANE - Saylorsburg, PA, c. 2025 - Ascent, Relaxin’ in Dix Hills, Resolution - Jim Snidero (as,comp) Stefan Karlsson (p) Nat Reeves (b) Jason Tiemann (d) House Of Trane es el más reciente lanzamiento del saxofonista Jim Snidero. Concebido como un homenaje a John Coltrane, el álbum presenta seis composiciones originales de Snidero junto a dos composiciones de Coltrane. En esta grabación lo acompañan el pianista Stefan Karlsson, el contrabajista Nat Reeves y el baterista Jason Tiemann. Entre los temas propios destaca «Relaxing in Dix Hills», una referencia a la localidad de Long Island donde Coltrane vivió sus últimos años; un tema que proporciona un espacio fundamental al piano de Karlsson. Snidero también aborda «Resolution», movimiento de la célebre obra A Love Supreme, mantiene su intensidad original con voz propia y sin imitar. LEM WINCHESTER AND THE RAMSEY LEWIS TRIO A TRIBUTE TO CLIFFORD BROWN - Chicago, October 8, 1958 - Joy spring, Where it is,Sandu - Lem Winchester And The Ramsey Lewis Trio : Lem Winchester (vib) Ramsey Lewis (p) Eldee Young (b) Redd Holt (d) La historia del vibrafonista Lem Winchester es una de las más breves y prometedoras del jazz de fines de los años cincuenta. Winchester alternaba su trabajo de policía en Delaware mientras desarrollaba su propia estilo en el vibráfono. Su carrera dio un giro definitivo en 1958, cuando su exitosa actuación en el Festival de Newport, impulsada por el crítico Leonard Feather, le abrió las puertas a sus primeras grabaciones como líder. Pocos meses después registró A Tribute to Clifford Brown, acompañado por el trío del pianista Ramsey Lewis, con Eldee Young en contrabajo y Redd Holt en batería. El homenaje tiene un significado personal: Clifford Brown había sido amigo de Winchester desde su juventud. El repertorio incluye dos composiciones del trompetista, Joy Spring y Sandu, junto con conocidos estándares del jazz y una pieza original del vibrafonista. TED NASH THE CREEP - Maggie’s Farm, Pipersville, PA, September 5 & 6, 2011 - The creep, Twilight sounds, Kaleidoscope - Ron Horton (tp) Ted Nash (as) Paul Sikivie (b) Ulysses Owens, Jr. (d) The Creep, es el álbum en que el saxofonista Ted Nash se aleja de sus proyectos habituales para explorar un terreno más abierto. Como punto de partida toma los primeros cuartetos de Ornette Coleman, una formación de saxo alto, trompeta, contrabajo y batería, prescindiendo por completo del piano. Lo acompañan Ron Horton, Paul Sikivie y Ulysses Owens Jr. en trompeta, bajo y batería. El repertorio incluye siete piezas originales de Nash, una composición de Sherman Irby y «Kaleidoscope», deColeman. Especial atención merece el tema homónimo, The Creep, que combina una línea de contrabajo muy marcada con una melodía expectante, así como la notable capacidad del trompetista Horton para dialogar con el saxofón. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

RICH HALLEY TERRA INCOGNITA, c. 2019 - Centripetal, Terra incognita - Rich Halley (ts) Matthew Shipp (p) Michael Bisio (b) Newman Taylor Baker (d) El saxofonista tenor Rich Halley en Terra Incognita, es acompañado por tres músicos de primera línea: Matthew Shipp, piano, Michael Bisio, contrabajo y Newman Taylor Baker batería. Halley tiene una larga trayectoria en el jazz de improvisación libre, aunque nunca ha perdido su interés por el blues. Su manera de tocar recuerda por momentos a John Coltrane, Albert Ayler y Pharoah Sanders, especialmente en los registros más altos. La presencia de Matthew Shipp es particularmente importante. Es la primera vez en varios años que Halley incorpora un pianista a sus grabaciones, y Shipp aporta una combinación de energía, imaginación y momentos de gran delicadeza. El disco incluye composiciones en las que los cuatro músicos participan activamente en el desarrollo de la música. En el tema que da título al álbum, Halley y Shipp mantienen un intercambio especialmente animado, mientras Bisio y Baker sostienen y transforman continuamente el ritmo. CARMEN QUILL I’LL BE THINKING OF YOU ON THURSDAY, New York City, January 10, 2026 - 2300 Skidoo (Herbie Nichols), Hot House (Tadd Dameron) - Jacob Sacks (p) Carmen Quill (b) Billy Hart (dr) La contrabajista y compositora Carmen Quill, presenta una grabación en vivo realizada en Close Up, un pequeño club del Lower East Side el barrio del sur este de Nueva York. La acompañan el pianista Jacob Sacks y el veterano baterista Billy Hart, uno de los músicos más respetados del jazz contemporáneo. El repertorio combina composiciones de Quill con obras de Herbie Nichols, Tadd Dameron, John Coltrane y Duke Ellington, entre otros. Es una selección variada que permite apreciar tanto el swing tradicional como las posibilidades de la improvisación más abierta. “Hot House”, de Dameron, ofrece uno de los momentos más animados, con el contrabajo de Quill marcando el paso y Billy Hart desplegando toda su experiencia. El curioso título del disco nació de una conversación entre Quill y Hart. Cuando el baterista mencionó que tenía una cita médica, ella le respondió: «Estaré pensando en ti el jueves». Hart encontró que aquella frase sería un excelente título para una composición. CHARLES BRACKEEN RHYTHM X, Englewood, NJ, January 26, 1968 - Hour glass, C.B. blues - Don Cherry (tp) Charles Brackeen (as,ts) Charlie Haden (b) Ed Blackwell (d) Charles Brackeen es uno de esos saxofonistas que, pese a su talento, nunca alcanzaron el reconocimiento que merecían. Su álbum Rhythm X, grabado a finales de los años sesenta y publicado por Strata-East, constituye uno de los testimonios más interesantes de su carrera. Para esta sesión, Brackeen contó con tres músicos estrechamente vinculados a Ornette Coleman: Don Cherry en trompeta, Charlie Haden en contrabajo y Ed Blackwell en la batería. Su presencia explica en buena medida el carácter del disco. La influencia de Ornette Coleman es evidente, especialmente en la libertad con que se desarrollan las improvisaciones y en la relación entre los instrumentos. Brackeen aporta cuatro composiciones originales y demuestra una personalidad propia, con un sonido vigoroso y una manera de improvisar que combina energía, lirismo y espontaneidad. Don Cherry interviene con su habitual imaginación, mientras Charlie Haden y Ed Blackwell forman una sección rítmica extraordinariamente flexible. Durante años, Rhythm X fue un disco difícil de conseguir. Su reciente recuperación a partir de las cintas originales permite redescubrir una grabación que merece ocupar un lugar más destacado en la historia del free jazz. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

EDEN BAREKET TRIO NIGHT - Roxelle, NJ, December 9, 2017 - Birds, Baccatum - Eden Bareket (bar,b-cl-1) Or Bareket (b) Felix Lecaros (d) El saxofonista Eden Bareket llegó a Nueva York desde Israel en 2013 y pronto comenzó a abrirse camino en la escena jazzística de la ciudad. En Night, su segundo álbum como líder, vuelve a reunirse con su hermano Or Bareket en el contrabajo y el baterista chileno Felix Lecaros. Es un trío poco habitual, sin piano ni guitarra, en el que cada instrumento tiene una participación muy activa. El barítono de Bareket puede sonar profundo y oscuro, pero también sorprendentemente ágil. En ocasiones utiliza las propias llaves del saxofón como elementos de percusión, ampliando las posibilidades del instrumento. La música tiene momentos de gran energía y otros más misteriosos, Night es un disco lleno de sorpresas, que muestra cómo un pequeño grupo puede conseguir una notable variedad de sonidos y ambientes. TIM HAGANS ALONE TOGETHER - Munich Germany, November, 2006 - You don’t know what love is, Alone together - Tim Hagans (tp) Marc Copland (p) Drew Gress (b) Jochen Rueckert (d)x Tim Hagans, es un trompetista de sonido muy personal, tanto en frases rápidas y enérgicas como en momentos de gran delicadeza. Comenzó su carrera profesional en las grandes orquestas de Stan Kenton y Woody Herman. Más tarde se estableció en Suecia, donde tuvo la oportunidad de trabajar con músicos como Dexter Gordon, Kenny Drew y Thad Jones. En Alone Together, su segundo disco para el sello alemán Pirouet, Hagans invitó a tres músicos de primera categoría: el pianista Marc Copland, el contrabajista Drew Gress y el baterista Jochen Rueckert. Copland tiene un papel especialmente importante. Además de aportar varias composiciones, establece con Hagans un diálogo constante, en el que ambos encuentran espacio para desarrollar sus ideas. TODD MARCUS TRIO+ - Silver Spring, MD, May 3 & July 6, 2019 - Cantata (2,3,5), Amy Pookie (1,4), Invitation (1,4) - Sean Jones (tp-1) Todd Marcus (b-cl,cl-2) Jeff Reed (b-3) Ameen Saleem (b-4) Ralph Peterson (d) Eric Kennedy (d-5 Todd Marcus es uno de los pocos músicos del jazz actual que han elegido el clarinete bajo como su instrumento principal. Durante buena parte de su carrera ha trabajado con grupos numerosos, desarrollando composiciones que reflejan tanto sus raíces egipcias como su experiencia personal en Baltimore. En Trio+ decide cambiar de formato y presentarse en un conjunto mucho más pequeño, acompañado por contrabajo y batería. En algunas piezas se incorpora el trompetista Sean Jones. Esta formación permite apreciar mejor su manera de tocar. El clarinete bajo, con su sonido profundo y cálido, ocupa el centro de la música, mientras el contrabajo y la batería participan activamente en la conversación. Uno de los atractivos del disco es la presencia del baterista Ralph Peterson, cuya imaginación rítmica aporta movimiento y variedad incluso en los pasajes más tranquilos. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JESSE DAVIS AS WE SPEAK - New York, February 13, 1992 - Wake up call, Quasimodo, Lush life - Robert Trowers (tb) Jesse Davis (as) Jacky Terrasson (p) Peter Bernstein (g) Dwayne Burno (b) Leon Parker (d) Jesse Davis, saxofonista de Nueva Orleans donde estudió con Ellis Marsalis, a quien le debe haber seguido su formación musical. Grabó As We Speak, en febrero de 1992, es su segundo disco para el sello Concord y lo muestra muy cómodo dentro del lenguaje del bebop, con un sonido de alto brillante, facilidad para las frases rápidas y una manera cálida de abordar las melodías. Lo acompañaron Robert Trowers en trombón, Jacky Terrasson en piano, Peter Bernstein en guitarra, Dwayne Burno en contrabajo y Leon Parker en batería: un conjunto de jóvenes músicos que comenzaban a abrirse camino. Davis conduce la sesión con soltura junto a músicos de distintas generaciones. Al incorporar el trombón y la guitarra Davis enriquece el sonido del grupo. El repertorio reúne composiciones propias, temas conocidos y algo de Charlie Parker. JOE FARNSWORTH TIME TO SWING - New York, December 17, 2019 - Hesitation (1), The star-crossed lovers, Time was - Wynton Marsalis (tp-1) Kenny Barron (p) Peter Washington (b) Joe Farnsworth (d) Joe Farnsworth es uno de esos bateristas que hacen sentir el swing desde los primeros compases: mantiene el pulso, escucha a sus compañeros y les da impulso sin ocupar todo el espacio. Grabado en diciembre de 2019, Time to Swing incluye al pianista Kenny Barron, al contrabajista Peter Washington, y Wynton Marsalis que es el invitado especial destacado en las primeras cuatro pistas. El emparejamiento de su trompeta y el ritmo del platillo de Farnsworth es genial. Farnsworth es una especie de especialista en tríos de pianos con un extenso trabajo en los tríos clásicos de Cedar Walton, Hank Jones, McCoy Tyner y Harold Mabern, entre otros. Aquí, Barron, Washington y Farnsworth ofrecen interpretaciones inolvidables de Monk, Ellington y “One for Jimmy Cobb” composición de Farnsworth dedicada a uno de sus grandes influencias. CECIL PAYNE — ZODIAC: THE MUSIC OF CECIL PAYNE - New York, December 16, 1968 - Martin Luther King, Jr., Girl, you got a home (2,3,4), Slide Hampton (1,2,3) - Kenny Dorham (tp) Cecil Payne (bar-2,as-1) Wynton Kelly (p-3,org-4) Wilbur Ware (b) Albert “Tootie” Heath (d) Cecil Payne merece un lugar destacado entre los músicos que llevaron el saxo barítono al bebop. Se había iniciado en el alto, pero fue con el instrumento más grave, especialmente durante su paso por la gran orquesta de Dizzy Gillespie, que encontró su voz más reconocible: un sonido amplio y una agilidad que le permitía moverse con naturalidad por las frases más exigentes. Su álbum Zodiac demuestra su calidad como compositor. Grabado en diciembre de 1968 y publicado por Strata-East en 1973, con Kenny Dorham en trompeta, Wynton Kelly en piano, Wilbur Ware en contrabajo y Albert “Tootie” Heath en batería. La sesión comienza con un homenaje a Martin Luther King, enlazado con “I Know Love”. Es una apertura serena, donde la trompeta de Dorham y el barítono de Payne encuentran un tono especialmente cercano. El resto del programa mantiene ese equilibrio entre calidez y energía. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

Sesión en la que escucharemos a los clarinetistas George Lewis, que representa la tradición colectiva de Nueva Orleans; Mezz Mezzrow, la fidelidad al blues y a sus raíces y Goodman, el refinamiento instrumental y la libertad del swing. GEORGE LEWIS AND HIS NEW ORLEANS STOMPERS - Live “Gypsy Tea Room”, New Orleans, LA, May 16, 1943 - Climax rag, Just a closer walk with thee, I ain’t gonna give nobody none o’ this jelly-roll, Dauphine Street blues, Just a little while to stay here - Kid Howard (tp) Jim Robinson (tb) George Lewis (cl) Lawrence Marrero (bj) Chester Zardis (b) Edgar Mosley (d) George Lewis fue uno de los grandes representantes del jazz tradicional de Nueva Orleans. A diferencia de otros clarinetistas de su generación, no buscaba impresionar con su virtuosismo. Prefería las melodías sencillas, la improvisación colectiva y un sonido cálido y expresivo que llegó a ser inconfundible. Nació en Nueva Orleans en 1900, aprendió a tocar el clarinete por su cuenta y durante los años veinte participó en diversas agrupaciones locales. Su carrera avanzó lentamente y durante mucho tiempo debió combinar la música con otros trabajos. Su asociación con el trompetista Bunk Johnson, a comienzos de los años cuarenta, contribuyó a darle mayor reconocimiento. Lo oiremos en selecciones del álbum “The Complete Climax Recording Sessions”, con las grabaciones realizadas en mayo de 1943 junto al trombonista Jim Robinson, el trompetista Kid Howard y otros músicos de Nueva Orleans. El repertorio incluye piezas como “Climax Rag”, “Careless Love” y “Milenberg Joys” en interpretaciones que conservan la espontaneidad de esta música. MEZZ MEZZROW: - New York, March 12, 1936 - Mutiny in the parlor, The panic is on - Frankie Newton (tp) Mezz Mezzrow (cl) Bud Freeman (ts) Willie “The Lion” Smith (p,vcl) Al Casey (g) Wellman Braud (b) George Stafford (d) Lucille Stewart (vcl) - New York, June 14, 1937 - Blues in disguise (mm,es arr) - Sy Oliver (tp) J.C. Higginbotham (tb) Mezz Mezzrow (cl,arr) Happy Caldwell (ts) Sonny White (p) Bernard Addison (g) Pops Foster (b) Jimmy Crawford (d) Edgar Sampson, Larry Clinton (arr) - New York, November 21, 1938 - Revolutionary blues, Comin’ on with the come on (pt 1), Swingin’ for Mezz [Careless love] (tl,jpj - Tommy Ladnier, Sidney DeParis (tp) Mezz Mezzrow (cl) James P. Johnson (p) Teddy Bunn (g) Elmer James (b) Zutty Singleton (d) Mezz Mezzrow fue una figura singular en la historia del jazz. Nació en Chicago en 1899, comenzó tocando el saxofón, aunque con el tiempo adoptó el clarinete como instrumento principal. Desde muy joven se sintió profundamente atraído por el blues y el jazz de Nueva Orleans, especialmente por la música de Louis Armstrong. Durante los años veinte frecuentó los clubes del sur de Chicago, donde entró en contacto con numerosos músicos afroamericanos. Más adelante se trasladó a Nueva York y participó en grabaciones junto a figuras como Benny Carter, Teddy Wilson y Sidney Bechet. Mezzrow nunca fue considerado un gran virtuoso del clarinete. Su estilo era directo, algo áspero y especialmente apropiado para el blues. Su verdadera importancia estuvo también en su capacidad para reunir músicos, organizar sesiones y defender una tradición musical que consideraba fundamental. BENNY GOODMAN: - TRIO - New York, July 13, 1935 (1), Chicago April 27, 1936 - Body and soul (1), Someday sweetheart , Too Good to Be True - Benny Goodman (cl) Teddy Wilson (p) Gene Krupa (d) - TRIO & QUARTET - New York, March 25, 1938 - Sweet Lorraine (trio, lh out), Dizzy spells - Benny Goodman (cl) Lionel Hampton (vib,vcl) Teddy Wilson (p) Dave Tough (d) Benny Goodman fue una de las grandes figuras de la era del swing. Su extraordinario dominio del clarinete, su imaginación como improvisador y su capacidad para dirigir conjuntos de diferentes tamaños lo convirtieron en uno de los músicos más influyentes de su generación. Aunque alcanzó enorme popularidad con su orquesta, algunas de sus grabaciones más interesantes surgieron de los pequeños grupos que formó a partir de 1935. El primero fue un trío con el pianista Teddy Wilson y el baterista Gene Krupa. Poco después se incorporó el vibrafonista Lionel Hampton, dando origen a un cuarteto que alcanzaría gran popularidad. Estos conjuntos ofrecían una alternativa al sonido de las grandes orquestas. Sin complicados arreglos ni extensas secciones instrumentales, los músicos podían improvisar con mayor libertad y desarrollar un diálogo lleno de agilidad, humor y espontaneidad. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

1. GERRY MULLIGAN Y CHET BAKER (1952–1953) - PHIL TURETSKY’S HOUSE, Los Angeles, August 29, 1952 - Bernie’s tune, Utter chaos - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Bob Whitlock (b) Chico Hamilton (d) LIVE “THE HAIG”, Los Angeles, August, 1952 - Get happy - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Bob Whitlock (b) Chico Hamilton (d) - BLACK HAWK, San Francisco, CA, September 2, 1952 - Line for Lyons, My funny Valentine - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Carson Smith (b) Chico Hamilton (d) Cuando Gerry Mulligan llegó a California, a comienzos de 1952, las cosas no parecían especialmente prometedoras. Tenía poco trabajo y era conocido principalmente por sus arreglos, más que por su talento como saxofonista. Sin embargo, Los Ángeles fue el escenario de una de las etapas más importantes de su carrera. Comenzó escribiendo arreglos para la orquesta de Stan Kenton y pronto se incorporó a las jam sessions del Lighthouse, en Hermosa Beach. También participaba en las sesiones del Haig, uno de los clubes donde se reunían los músicos de jazz de Los Ángeles. Fue donde conoció al joven trompetista Chet Baker, cuyo sonido delicado y manera de tocar le llamaron su atención. De esos encuentros nació una idea que parecía arriesgada: formar un cuarteto sin piano, dejando que la trompeta y el saxofón barítono construyeran juntos las melodías y armonías. Así nació el primer cuarteto sin piano de Mulligan, integrado por Chet Baker en trompeta, Bob Whitlock en contrabajo y Chico Hamilton en batería. La ausencia del piano no respondía simplemente a una cuestión práctica. Mulligan buscaba mayor libertad para desarrollar las melodías, evitando que un instrumento fijara permanentemente la armonía. El sonido cálido y contenido de Baker contrastaba con el registro grave del barítono de Mulligan. Ambos intercambiaban frases, se acompañaban mutuamente y construían melodías que parecían surgir de una conversación espontánea. Era música ligera, abierta y extraordinariamente fluida. Las primeras grabaciones se hicieron en la casa del ingeniero Phil Turetsky con una grabadora Ampex y un solo micrófono y los músicos tocaban sin amplificación. En pocos meses, el cuarteto se convirtió en una de las grandes atracciones del jazz de la Costa Oeste. Aunque el grupo suele asociarse con el llamado jazz de la Costa Oeste, su música conservaba una clara relación con el swing y la improvisación colectiva. 2. GERRY MULLIGAN Y BOB BROOKMEYER (1954–1957) - THE PARIS CONCERT, “Salle Pleyel”, Paris, June 5-7, 1954 - Walkin’ shoes, Moonlight in Vermont, The lady is a tramp - Bob Brookmeyer (v-tb) Gerry Mulligan (bar,p) Red Mitchell (b) Frank Isola (d) - NEWPORT JAZZ FESTIVAL, Newport, Rhode Island, July 6, 1958 - Blueport - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) - AT STORYVILLE, Boston, December 1-6, 1956 - I can’t get started - Bob Brookmeyer (v-tb,p-2) Gerry Mulligan (bar,p-1) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) La extraordinaria asociación entre Gerry Mulligan y Chet Baker terminó abruptamente en 1953, cuando Mulligan fue encarcelado por posesión de heroína. Al recuperar su libertad, Baker ya había comenzado su propia carrera y no lograron reanudar su colaboración. Mulligan encontró entonces en Bob Brookmeyer como su compañero musical, dando comienzo a otra etapa de sus célebres cuartetos sin piano. Brookmeyer era un músico de considerable talento, que además era pianista, compositor y arreglista. Tocaba el trombón de válvulas, un instrumento menos frecuente que el trombón de vara, con un sonido cálido y una notable agilidad. Su encuentro con el saxofón barítono de Mulligan produjo una combinación poco habitual, ya que ambos instrumentos se desenvolvían principalmente en registros medios y graves. A diferencia de la delicadeza que caracterizaba al cuarteto con Baker, esta formación desarrolló una música de mayor peso y cuerpo, con frecuentes intercambios melódicos. Brookmeyer era un improvisador ingenioso creando frases inesperadas sin perder nunca el sentido del swing. La colaboración entre Mulligan y tuvo varias interrupciones. La primera ocurrió en 1954, después de la gira europea. Brookmeyer regresó a Estados Unidos, aunque posteriormente volvió a trabajar con Mulligan, tanto en el sexteto como en el cuarteto. Hacia finales de la década, los intereses musicales de Brookmeyer comenzaron a tomar caminos diferentes y encontró nuevas posibilidades en el trío de Jimmy Giuffre, junto al guitarrista Jim Hall, una formación que también prescindía del piano, pero que exploraba una sonoridad muy distinta. La separación no fue definitiva. Ambos volverían a colaborar en numerosas ocasiones, especialmente en la Concert Jazz Band que Mulligan organizó en 1960. 3. GERRY MULLIGAN Y ART FARMER (1958–1959) - WHAT IS THERE TO SAY - New York, December, 1958 & January 15, 1959 - What is there to say ?, As catch can, Festive minor - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) - THE QUARTETS - Hollywood, CA, February, 1959 - News from blueport - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d) En 1958, Gerry Mulligan invitó a Art Farmer a formar parte del cuarteto sin piano. La selección resultó ideal. Farmer era un trompetista de extraordinaria sensibilidad, capaz de combinar la precisión melódica con una improvisación serena y expresiva. Había desarrollado una importante trayectoria junto a figuras como Horace Silver y Gigi Gryce. Su estilo se distinguía por un sonido redondo, una gran claridad melódica y una manera de improvisar que privilegiaba la expresión por encima del virtuosismo. Esta versión del cuarteto la completaban el contrabajista Bill Crow y el baterista Dave Bailey. Aunque la combinación de trompeta y saxo barítono recordaba inevitablemente al primer cuarteto con Chet Baker, la música había adquirido una personalidad diferente. Farmer aportaba una mayor experiencia en el bebop y el hard bop. La música conservaba la ligereza de los primeros cuartetos, pero mostraba una mayor madurez en el diálogo entre los instrumentos. Con Farmer, Mulligan cerró una década de extraordinaria creatividad, demostrando una vez más que la ausencia del piano, lejos de ser una limitación, podía convertirse en una fuente permanente de posibilidades musicales. Poco después se estableció en Nueva York donde comenzó su primera big band La Gerry Mulligan Concert Band. “What Is There to Say?”, grabado entre diciembre de 1958 y enero de 1959, es uno de los mejores testimonios de esta etapa. En él se aprecia la naturalidad con que Farmer y Mulligan intercambian ideas, apoyados por una sección rítmica que acompaña sin imponerse. Tambien un segmento de “The Quartets” album grabado en Hollywood en febrero de 1959. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

FRANCISCO MELA CARNAVAL DE ORIENTE - New York, August 17, 2021 Carnaval De Oriente - Yo soy el tambor/Deja que hablen, Lengua del tambor - Francisco Mela (d,glockenspiel,g,perc,voice) El baterista y compositor cubano Francisco acaba de lanzar su disco “Carnaval de Oriente”, su primera grabación en solitario, un proyecto profundamente personal que recupera recuerdos de su infancia en Santiago de Cuba. Durante más de treinta años, Mela ha desarrollado una destacada carrera junto a músicos como McCoy Tyner, Joe Lovano, Kenny Barron, John Scofield y Chucho Valdés. Sin embargo, en esta ocasión deja de lado las colaboraciones para concentrarse en su propia música. El título hace referencia al tradicional Carnaval de Santiago de Cuba, una celebración que Mela recuerda como parte fundamental de su niñez, cuando la música reunía a familiares, amigos y vecinos. Pero el disco no pretende reproducir los sonidos de esas fiestas. Mela usa esos recuerdos para expresar sentimientos relacionados con su familia, el paso del tiempo y las personas que ya no están. Además de la batería y las percusiones, toca guitarra y glockenspiel e incorpora su propia voz. Alterna canciones originales con improvisaciones vocales inspiradas en la tradición cubana. “Carnaval de Oriente” es una faceta distinta de Francisco Mela, más íntima y alejada de los formatos habituales del jazz. MICHAEL BLAKE HALLOWEEN TALES - Maggie’s Farm, PA, January 13, 2026 - Halloween theme, Stalking monster, Witchcraft, Anatomy of a murder - Michael Blake (ts,sop) Gary Versace (p) Ben Allison (b) Michael Sarin (d) El saxofonista y compositor Michael Blake en su álbum “Halloween Tales”, toma como punto de partida la música asociada con la tradicional celebración del 31 de octubre. En lugar de reproducir estas melodías de manera convencional, Blake las lleva al terreno del jazz, acompañado por tres músicos con quienes ha compartido numerosos proyectos a lo largo de su carrera. Gary Versace en piano, Ben Allison en contrabajo y Michael Sarin en batería. Blake alterna entre los saxofones tenor y soprano. La relación entre estos músicos viene de muchos años atrás. Blake y Allison comenzaron a trabajar juntos a fines de los años ochenta y posteriormente participaron en el Jazz Composers Collective. Sarin también ha colaborado extensamente con Allison, mientras que Versace ha compartido escenarios y giras con Blake. SAMUEL BLASER QUARTET ROSINA - South Orange, NJ, September 27 & 28, 2024 & March 2025 - Adagio, Scherzo, Mysteriously - Samuel Blaser (tb) Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d) El trombonista suizo Samuel Blaser en su nuevo disco “Rosina”, presenta ocho composiciones originales inspirado en las raíces italianas de su familia, particularmente en la región de Emilia-Romaña, de donde provenía su abuela materna. El proyecto comenzó cuando Blaser exploraba las grabaciones de música tradicional realizadas por el investigador estadounidense Alan Lomax. Entre ellas encontró canciones populares del norte de Italia que despertaron su curiosidad y lo llevaron a profundizar en su historia familiar. Para esta grabación reunió a tres músicos con quienes mantiene una larga relación: el pianista Russ Lossing, el contrabajista Masa Kamaguchi y el baterista Billy Mintz. Blaser y Lossing comenzaron a colaborar en una sesión de 2010 junto al baterista Paul Motian, mientras que su relación musical con Mintz se remonta a años anteriores. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

RUSS LOSSING MOTIAN MUSIC - Hampton, NJ, c. 2018 - Abacus, Fiasco, Asia, Dance - Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d) El pianista Russ Lossing mantuvo una estrecha relación musical con Paul Motian, uno de los bateristas y compositores más originales del jazz moderno. Durante años colaboraron en distintos proyectos, y Lossing llegó incluso a participar en la preparación de algunas de sus composiciones. Motian, falleció en 2011, dejó más de cien obras, muchas de ellas con melodías sencillas y atractivas, pero con estructuras rítmicas poco convencionales. En Motian Music, Lossing vuelve a visitar ese repertorio, acompañado por el contrabajista Masa Kamaguchi y el baterista Billy Mintz, sus compañeros de trío durante más de veinte años. El disco reúne diez composiciones de Motian, la grabación se realizó con todos tocando juntos en una misma sala, y cada pieza quedó registrada en una sola toma. Lossing no pretende reproducir las interpretaciones originales, sino acercarse a estas composiciones desde su propia experiencia. El resultado es un homenaje cálido y personal a un músico que dejó una profunda huella en el jazz contemporáneo. CHARLIE HADEN/CHET BAKER SILENCE - Rome, Italy, November 11 & 12, 1987 - Silence, Visa, My funny Valentine - Chet Baker (tp) Enrico Pieranunzi (p) Charlie Haden (b) Billy Higgins (d) En noviembre de 1987, cuatro grandes músicos se reunieron en Roma para grabar Silence: el contrabajista Charlie Haden, el trompetista Chet Baker, el pianista italiano Enrico Pieranunzi y el baterista Billy Higgins. La sesión tuvo lugar apenas seis meses antes de la muerte de Baker, y constituye uno de los últimos testimonios de su extraordinaria capacidad para expresar emociones a través de la trompeta. La composición que da título al álbum, escrita por Haden, es una melodía pausada y melancólica, particularmente apropiada para el sonido íntimo de Baker. Pieranunzi aporta un acompañamiento delicado, mientras Higgins, antiguo compañero de Haden en los grupos de Ornette Coleman, mantiene un ritmo discreto y elegante. CHICO HAMILTON SEXTET ELLINGTON SUITE - Los Angeles, January 9 & 12, 1959 - In a sentimental mood, Day dream, It don’t mean a thing - Buddy Collette (fl,as,ts) Paul Horn (fl,cl,as) Fred Katz (cello) Jim Hall (g) Carson Smith (b) Chico Hamilton (d) El baterista Chico Hamilton fue uno de los músicos más originales del jazz de la Costa Oeste durante la década de 1950. Después de trabajar con Lester Young, Gerry Mulligan y Lena Horne, formó su propio quinteto, cuya particularidad era incluir un violonchelo, instrumento poco habitual en los pequeños conjuntos de jazz de aquella época. En enero de 1959, Hamilton invitó a varios integrantes de sus primeras agrupaciones para grabar Ellington Suite, un disco dedicado a las composiciones de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Participaron los saxofonistas y flautistas Buddy Collette y Paul Horn, el guitarrista Jim Hall, el violonchelista Fred Katz y el contrabajista Carson Smith. El violonchelo y la guitarra, junto con los instrumentos de viento, proporcionan al conjunto un sonido muy particular. Hamilton mantiene una base rítmica ligera, pero muy movida. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

HENRY “RED” ALLEN - New York, September 24, 1929 - Funny feathers blues (vs vcl), Pleasin' Paul - Henry “Red” Allen (tp,vcl) J.C. Higginbotham (tb) Albert Nicholas (cl) Charlie Holmes (sop,cl,as) Teddy Hill (ts,cl) Luis Russell (p,celeste) Will Johnson (g,bj,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d,vib) Victoria Spivey (vcl) - New York, February 18, 1930 - Sugar Hill function - Henry “Red” Allen (tp,vcl) Otis Johnson (tp-1) J.C. Higginbotham (tb) William Thornton Blue, Charlie Holmes (cl,as) Teddy Hill (cl,ts) Luis Russell (p,arr) Will Johnson (bj,g,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d) Henry “Red” Allen nació en 1908 en Nueva Orleans. Su familia estaba estrechamente vinculada al jazz. Su padre dirigía una banda de bronces y fue precisamente en sus desfiles donde Red comenzó a tocar la trompeta. Más adelante trabajó en los barcos del río Mississippi y pasó brevemente por la orquesta de King Oliver. En 1929 se estableció en Nueva York, donde comenzó a grabar bajo su propio nombre. Durante los años siguientes fue solista destacado de las grandes bandas de Fletcher Henderson y Mills Blue Rhythm Band. También participó en grabaciones con Billie Holiday y Jelly Roll Morton. Allen tenía un estilo muy personal, se distinguía por un fraseo imprevisible, lleno de cambios de ritmo, silencios inesperados y una expresividad que lo alejaba de los esquemas habituales. También cantaba, con una voz áspera y un sentido del humor muy particular. Durante los años cuarenta dirigió pequeños conjuntos que combinaban el swing con elementos que anticipaban el rhythm and blues. Más adelante se concentró en el jazz tradicional, especialmente en el club Metropole de Nueva York, donde actuó durante más de una década. Aunque sus raíces estaban en Nueva Orleans, Red Allen nunca dejó de buscar nuevas maneras de interpretar aquella música. BUDDY TATE & HIS ORCHESTRA JUMPIN’ ON THE WEST COAST - Los Angeles, December 6, 1947 - Vine Street breakdown, The things you done for me baby (1) - Emmett Berry (tp) Ted Donnelly (tb) Charles Q. Price (as,vcl-1) Buddy Tate (ts) Bill Doggett (p) Louis Speiginer (g) Billy Hadnott (b) Chico Hamilton (d) Jimmy Witherspoon (vcl-2) Eddy Fullylove (vcl) - Los Angeles, December 28, 1947 - Kansas City local, Six foot two blues (2), Blue and sentimental (3) Benny Booker (b) replaces Billy Hadnott El saxofonista tenor Buddy Tate nació en Sherman, Texas, en 1915. Comenzó tocando el saxo alto a los once años, pero pronto se decidió por el tenor, instrumento con el que desarrollaría una larga carrera dentro del swing. Durante sus primeros años trabajó con distintas orquestas del sur de Estados Unidos, entre ellas la de Andy Kirk. En 1939 ingresó a la orquesta de Count Basie para ocupar el puesto que había dejado Herschel Evans, fallecido poco antes. Tate permaneció con Basie hasta 1948, compartiendo la sección de saxofones con músicos como Lester Young, Don Byas y Lucky Thompson. Su sonido era robusto, cálido y directo, muy representativo de la tradición de los saxofonistas de Texas. Tenía una manera de tocar especialmente rítmica, con frases sencillas y expresivas, siempre apoyadas en el blues. Después de dejar a Basie trabajó con Hot Lips Page y Jimmy Rushing, antes de formar su propio conjunto. Durante más de veinte años mantuvo una actuación regular en el Celebrity Club de Nueva York, una residencia poco común que le permitió desarrollar un estilo muy reconocible. LAWRENCE BROWN’S ALL STARS INSPIRED ABANDON - New York, March 8, 1965 - Mood indigo (1, Nance, Brown, Procope, Hodges, p,b,d only), Good Queen Bess, Jeep’s blues - Ray Nance (cnt) Cat Anderson (tp) Lawrence Brown, Buster Cooper (tb) Jimmy Hamilton (cl) Russell Procope (as,cl) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves, Harold Ashby (ts) Jimmy Jones (p) Richard Davis (b) Gus Johnson (d) Johnny Hodges, Jr. (d-1) replaces Johnson Lawrence Brown nació en Kansas en 1907 y creció en California. Antes de dedicarse al trombón estudió piano, violín y tuba. También cursó estudios de medicina, aunque finalmente optó por una carrera musical que lo llevaría a convertirse en uno de los grandes trombonistas del jazz. Después de trabajar con distintas orquestas de Los Ángeles, entre ellas la de Paul Howard, tuvo la oportunidad de grabar con Louis Armstrong. En 1932 se incorporó a la orquesta de Duke Ellington, donde permanecería durante casi dos décadas. Brown aportó un sonido muy diferente al de los otros trombonistas de Ellington. Mientras Tricky Sam Nanton utilizaba efectos de sordina y Juan Tizol se distinguía por su precisión, Brown prefería un sonido abierto, elegante y de gran fluidez. Su dominio técnico le permitía interpretar pasajes difíciles con aparente facilidad, pero sin perder nunca el sentido del swing. En 1951 dejó la orquesta para incorporarse al pequeño conjunto de Johnny Hodges. Después de algunos años como músico independiente, regresó con Ellington en 1960 y permaneció hasta 1970. A pesar de su larga trayectoria, grabó solamente dos álbumes como director: Slide Trombone e Inspired Abandon. JOE MARSALA - AND HIS CHICAGOANS - New York, April 21, 1937 - Wolverine blues, Jazz me blues, Clarinet marmalade - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Ray “Remo” Biondi (vln) Joe Bushkin (p) Adele Girard (harp) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Danny Alvin (d) - CHICAGOANS - New York, March 16, 1938 - Mighty like the blues (lh vcl), Woo woo (jlm,band vcl), Hot string beans - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Joe Bushkin (p) Jack LeMaire (g,vcl) Ray “Remo” Biondi (vln) Adele Girard (harp) Artie Shapiro (b) Buddy Rich (d) Lou Hurst (vcl) Nacido en Chicago en 1907, Joe Marsala fue un clarinetista, compositor y director de pequeños conjuntos, cuya carrera estuvo estrechamente vinculada al jazz tradicional y al swing. Su formación musical fue principalmente autodidacta. Durante los años veinte, con su hermano el trompetista Marty, frecuentaban los clubes del sur de Chicago, donde escuchaban a los músicos de Nueva Orleans que estaban dando forma al jazz. Esa experiencia fue fundamental en el desarrollo de su estilo. En 1933 se trasladó a Nueva York, contratado por el trompetista Wingy Manone. Tres años después comenzó la etapa más importante de su carrera, cuando asumió la dirección de un conjunto que actuaba en el Hickory House, un conocido local de la calle 52. Marsala permaneció allí durante una década. Aunque desarrolló su actividad en plena era de las grandes orquestas, prefería los grupos de seis o siete músicos, que ofrecían mayor libertad para la improvisación y permitían destacar la personalidad de cada instrumentista. La aparición del bebop durante los años cuarenta no despertó demasiado entusiasmo en Marsala, que se mantuvo fiel al jazz tradicional y al swing. Hacia 1949 comenzó a dedicar una parte importante de su actividad a la composición de canciones populares, alejándose progresivamente de los escenarios. This is a public episode. 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DANNY D’IMPERIO BLUES FOR PHILLY JOE - Saylorsburg, PA, September 5 & 6, 1991 - Dee Dee’s dance, Blues for Philly Joe (1) - Greg Gisbert (tp) Gary Pribek (as) Ralph Lalama (ts) Hod O’Brien (p) Steve Brown (g-1) Dave Shapiro (b) Danny D’Imperio (d) El baterista Danny D’Imperio nació en 1945 en Sidney, Nueva York, en una familia de músicos. Comenzó tocando otros instrumentos, pero la influencia de Louie Bellson lo llevó a dedicarse a la batería. A lo largo de su carrera participó en importantes orquestas y desarrolló un especial interés por recuperar composiciones poco conocidas del bebop y el hard bop. En septiembre de 1991 grabó Blues for Philly Joe, su cuarto álbum como líder, acompañado por un septeto integrado por Greg Gisbert en trompeta, Gary Pribek en saxo alto, Ralph Lalama en tenor, Hod O’Brien en piano, Steve Brown en guitarra y Dave Shapiro en contrabajo. El disco es un tributo al gran baterista Philly Joe Jones, una de las figuras fundamentales del hard bop. El repertorio reúne composiciones que rara vez aparecen en las grabaciones habituales de este estilo. Como “Tribute to Brownie” y “Time Off”. LARRY GOLDINGS I WILL - Sam First in Los Angeles, CA., October 8, 2023 and April 11, 2024 - Roach, Mambo Inn - Larry Goldings (p) Karl McComas-Reichl (b) Christian Euman (dr) Larry Goldings es conocido principalmente como uno de los grandes organistas del jazz contemporáneo. Durante más de treinta años ha mantenido un trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, una de las agrupaciones más reconocidas dentro de ese formato. Sin embargo, Goldings también es un excelente pianista, una faceta menos conocida de su carrera. En I Will lo encontramos precisamente en el piano, acompañado por Karl McComas-Reichl en contrabajo y Christian Euman en batería. El álbum fue grabado en vivo durante dos noches, en octubre de 2023 y abril de 2024, en el club Sam First aquí en Los Ángeles, ciudad donde Goldings reside desde 2001. Goldings demuestra una notable facilidad para moverse entre distintos estilos. Sus improvisaciones son imaginativas, con un fraseo claro y una estrecha comunicación con el contrabajo y la batería. I Will ofrece una excelente oportunidad para conocer otra dimensión de su talento musical. MANHATTAN JAZZ QUINTET MANTECA - LIVE “SWEET BASIL”, New York, January 24 & 25, 1992 - Stella by starlight, Manteca - Lew Soloff (tp) George Young (ts) David Matthews (p,arr) Eddie Gomez (b) Peter Erskine (d) El Manhattan Jazz Quintet se formó en Nueva York en 1983, por iniciativa de la revista japonesa Swing Journal y el sello King Records. Su propuesta consistía en reunir a destacados músicos estadounidenses para interpretar un repertorio de jazz moderno, con especial atención al bebop y al hard bop. Desde sus primeras grabaciones, el conjunto encontró una excelente acogida en Japón. En enero de 1992, el quinteto se presentó en el club Sweet Basil de Nueva York, donde grabó en vivo el álbum Manteca. La formación en esa ocasión incluyó a Lew Soloff en trompeta, George Young en saxo tenor, David Matthews en piano y arreglos, Eddie Gómez en contrabajo y Peter Erskine en batería. Los arreglos de Matthews aprovechan muy bien la combinación de trompeta y saxo tenor. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

URI CAINE SPHERE MUSIC - New York, April & May 1992 - When the word is given (1,3,4), We see (4) - Graham Haynes (cnt-1) Don Byron (cl-2) Gary Thomas (ts-3) Uri Caine (p) Kenny Davis (b) Anthony Cox (b-4) Ralph Peterson (d) El pianista Uri Caine inició su carrera acompañando a importantes figuras del jazz como Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles y Grover Washington. Paralelamente, estudió composición en la Universidad de Pensilvania con George Rochberg y George Crumb fueron dos de las figuras más influyentes de la música clásica contemporánea en Estados Unidos durante la segunda mitad del siglo, una formación que contribuyó a ampliar sus intereses musicales. En 1992 grabó Sphere Music, su primer disco como líder, dedicado en buena medida a la música Monk. Las utiliza como punto de partida para desarrollar sus propias ideas, combinando elementos del jazz moderno con influencias de la música clásica y de la tradición judía. Una de las piezas más interesantes es su interpretación de “’Round Midnight”, en la que participa el clarinetista Don Byron. Ambos ofrecen una lectura personal de esta conocida composición, conservando su carácter melódico, pero introduciendo cambios de armonía y ritmo. En contraste, “Jelly” presenta una faceta más experimental, con pasajes de gran intensidad y una mayor libertad en la improvisación. Sphere Music permite conocer los primeros pasos de un músico que posteriormente llamaría la atención por sus originales adaptaciones de obras de Gustav Mahler y otros compositores clásicos. AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The vagabond, Kaleidoscope Road, March from ten pieces for piano, A story often told, seldom heard - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d) En The Vagabond, el pianista Aaron Diehl se presenta con un trío integrado por el contrabajista Paul Sikivie y el baterista Gregory Hutchinson. Diehl es un pianista cuyas melodías suelen tomar caminos inesperados, con pequeños cambios de dirección que mantienen el interés sin perder la naturalidad. El repertorio incluye música de John Lewis, Philip Glass y Sergei Prokofiev, interpretada con una libertad que permite apreciar las conexiones entre distintas tradiciones. En “Polaris”, la pieza que abre el álbum, los tres músicos desarrollan un juego rítmico de gran precisión. La composición que da título al disco, “The Vagabond”, ofrece otro ejemplo de su manera de combinar melodías delicadas con armonías más complejas. A lo largo del disco, Sikivie y Hutchinson acompañan con discreción en un trío equilibrado, elegante y lleno de pequeños detalles. JEROME SABBAGH STAND UP! - New York, November 7, 2024 - Lone Jack (for Ray Charles and Pete Rende), High falls (for Meaghan Glennon), Vanguard (for Paul Motian), Unbowed (for Kenny Barron) - Jerome Sabbagh (ts,comp) Ben Monder (g) Joe Martin (b) Nasheet Waits (d) El saxofonista francés Jerome Sabbagh lleva cerca de treinta años desarrollando su carrera en Nueva York, donde ha consolidado una voz propia dentro del jazz contemporáneo. Su álbum Stand Up! muestra a un músico que combina la tradición del jazz con una manera muy personal de escribir e interpretar sus composiciones que tienen una fuerte base melódica, con influencias del blues y, en algunos momentos, ciertos rasgos de la música country. Son piezas que dejan espacio para la improvisación, sin perder nunca de vista la melodía original. Sabbagh puede tocar con gran intensidad, pero también sabe mantener un tono cálido y contenido. Monder responde con una guitarra de sonido amplio, alternando entre su discreto acompañamiento o sólidas improvisaciones. Uno de sus principales colaboradores es el guitarrista Ben Monder, cuya participación resulta fundamental para el sonido del grupo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - “Ornithology”, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - 1946, Safe - Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d) El saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore forman The Phoenix Trio. Turner y Martin se conocen desde los años noventa, cuando comenzaron a coincidir en la escena neoyorquina, y posteriormente trabajaron juntos en el grupo del guitarrista Kurt Rosenwinkel. Su álbum Tomorrow Is Today, de composiciones originales, fue grabado en vivo en Brooklyn en marzo de 2025. En varios temas, Martin establece una figura repetitiva en el contrabajo, sobre la cual Gilmore introduce sutiles variaciones rítmicas. Turner se incorpora con frases melódicas que se extienden y transforman, mientras el contrabajo abandona ocasionalmente su función de acompañamiento para desarrollar líneas independientes. La música tiene un carácter espontáneo, casi de conversación. Los músicos proponen ideas, las modifican y responden a lo que escuchan de sus compañeros. No hay necesidad de llenar todos los espacios: los silencios también forman parte del diálogo. MATT ULERY IN THE IVORY - Chicago, IL, December 2013 & January 2014 - There’s a reason and a thousand ways, Black squirrel - Timothy Munro (alto-fl) Michael J. Maccaferri (cl) Gregory Beyer (vib,mar,berimbau,maracas) Rob Clearfield (p) Yvonne Lam, Zach Brook (vln) Dominic Johnson (viola) Nicholas Photinos (cello) Matt Ulery (b) Jon Deitemyer (d,perc,cymb) El contrabajista y compositor Matt Ulery presenta en In the Ivory una obra ambiciosa que combina elementos del jazz, la música de cámara contemporánea y el minimalismo. Para realizarla, amplió su trío habitual con integrantes del conjunto Eighth Blackbird, instrumentos de viento, cuerdas y dos cantantes. Ulery tiene una marcada inclinación por las composiciones extensas y cuidadosamente elaboradas. Sus melodías evocan a menudo imágenes cinematográficas, con paisajes abiertos y escenas que parecen desarrollarse lentamente. El álbum contiene catorce piezas en las que los distintos instrumentos se incorporan progresivamente, modificando el carácter de la música. En “Gave Proof”, por ejemplo, pequeñas figuras melódicas se repiten con ligeras variaciones, mientras clarinetes, flautas y cuerdas van enriqueciendo el conjunto. La influencia del compositor Philip Glass aparece en algunos pasajes, aunque Ulery evita que la repetición domine sus composiciones. Las voces de Grazyna Auguscik y Sarah Marie Young aportan otra dimensión a esta música. MATTHIEU MAZUÉ MONOLITHS AND SCREENS FOR QUARTET - Bellmund, Switzerland fecha de grabación no disponible. Publicado en mayo de 2025. - Monolith: Twelve Stones (to Gather), à propos de la matière, Screens: Le regard dans le vide - Matthieu Mazué (p) Michaël Attias (sa) Xaver Rüegg (b) Michael Cina (dr) El pianista y compositor Matthieu Mazué presenta Monoliths and Screens for Quartet, -monolitos y pantallas para cuarteto- un proyecto que comenzó a tomar forma en 2022, cuando incorporó al saxofonista alto Michaël Attias a su trío con el contrabajista Xaver Rüegg y el baterista Michael Cina. El álbum incluye dos grupos de composiciones, Monoliths y Screens, que responden a distintas ideas del pianista. El primero nació de su interés por las grandes formaciones rocosas, que imaginó como una representación de su propio trabajo musical. Las piezas parten de materiales sencillos que se van modificando mediante la improvisación, hasta adquirir nuevas formas. Un ejemplo es “Monolith: Twelve Stones (to Gather)”, cuya melodía surgió espontáneamente durante una sesión al piano y fue desarrollada posteriormente. La segunda parte, Screens, toma como referencia las pantallas que forman parte de nuestra vida cotidiana. Mazué propone que estos objetos, además de mostrar imágenes, también pueden reflejar nuestra propia condición. La música combina pasajes escritos con amplios espacios de improvisación, permitiendo que cada integrante contribuya al desarrollo de las piezas. El resultado es un trabajo de jazz contemporáneo que combina la composición y la improvisación en un permanente intercambio de ideas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com