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1611年，尼德兰画家克拉拉·佩特斯在一幅静物画里，偷偷藏进了七个小到几乎看不见的自己。只有走得足够近，看得足够仔细，才会在鲜花、美酒和食物之间，发现画家隐藏的微小面孔：她们有的是正面，有的是侧脸，有的是拿着画笔和调色板工作的样子。 17世纪的欧洲，女性几乎无法成为职业画家，所以佩特斯的自画像，也许不仅仅是炫技，也是一种自我申明，在女儿、妻子和母亲之外，她也有作为职业画家的一面。 如今，我们也从这些面孔里，听见一个四百年前女画家讲述自己的心迹——这就是艺术穿越时间的方式，时间不光保存或淘汰一件作品，也改变我们对它的看法，让隐而不显的侧面不断显现。本期节目，我们将探讨美如何穿越时间，显露不同的侧面： 一块石头可以有多大？放在案头，不过盈握之间；进入想象，却能容纳群山、乃至神仙世界。 一段声音可以持续多久？从两千年前的黄钟大吕之声到当代声音艺术，古老旋律在不同时代不断回响。 一件家具可以陪伴人多久？从席地坐到垂足坐，家具改变人的姿态，也记录文明的相遇。古老器物进入今天的生活，将如何回应我们的身体？所谓舒适，又是谁的身体、哪个时代给出的答案？ 最后，我们把目光转向“审美”本身。洛神作为中国美神，为何没有固定的面容？在神话、文学、绘画、书法和戏曲的反复诠释中，美的理念如何随着时代流转？一直以来，是谁在观看她，谁在解释她？如果她能够开口，又会怎样讲述自己的故事？ 本期节目，我们与南开大学的凌彤老师一起，从石头、钟声、家具与洛神出发，沿着观看、聆听、触碰与阐释这四条路径，寻找美穿越时间的方式。本节目由专业音频品牌Bose特别支持播出。声音和艺术一样，通过时间来展开，也经由时间来沉淀。自1964年创立以来，Bose始终专注于声音技术与声学工程。六十多年来，人们聆听声音的方式不断变化，但Bose始终相信“Sound is Power”，声音拥有改变感受、连接彼此，让我们发现世界不同侧面的力量。这份对于声音的长期探索，与我们今天的主题不谋而合：真正经得起时间的美，往往需要透过不同的角度，才能理解它的每一面。 内容包括 04:58 巨石崇拜：先民用石头理解方位、时间与生命 09:38 水绘灵石：一方藏石如何容纳三种时间 13:12 东方赏石发现自然，西方雕塑塑造理想 21:36 孔洞通向何处？从山川仙境到长生洞天 27:16 白居易、苏东坡和贾科梅蒂的目光：观看也是一种创造 34:33 曾侯乙编钟是2400年前的超级计算机 38:52 钟磬和鸣：礼乐如何呈现理想世界 46:58 唐十部乐：古人的声音世界有多少种面貌 56:14四十声部经文歌：把四百年前的音乐变成建筑 64:15 家具之美需要经受身体的检验 67:17 从席地而坐到垂坐：人与家具的相互塑造 73:50 穿越文明的家具：东西方如何彼此想象 82:41 古典家具进入现代生活：身体应当如何被安放？ 93:02 创造美神：神话、文学、绘画、书法的持续接力 107:07 藏在时间河流里的“每一面” - 制作团队– 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 克拉拉·佩特斯：藏在反光里的七个自己 克拉拉·佩特斯是17世纪尼德兰静物画的重要开拓者，也是当时极少数以绘画为职业的女性。1611年，她创作了《有鲜花、镀金酒杯、干果、甜点、面包条、葡萄酒和锡壶的静物》。画面陈列着鲜花、酒器与食物，玻璃的通透、金属的反光和器物的质感，共同展现了画家精细入微的观察与描绘能力。 作品真正的秘密藏在反光里：镀金酒杯上有三幅微型自画像，旁边的锡壶上还有四幅。佩特斯有时正面出现，有时留下侧影，也以手持画笔与调色板的职业画家形象面对观众。这些面孔极其微小，只有走近画面、改变观看距离，才会逐渐浮现。 这些自画像既是高超的光影技法，也可以被看作一种自我申明。佩特斯没有让自己占据画面中央，而是把自身嵌入作品最耀眼又最容易被忽略的位置：她既是静物画之外的观察者，也是被留在静物之中的创作者。 图为：克拉拉·佩特斯《有鲜花、镀金酒杯、干果、甜点、面包条、葡萄酒和锡壶的静物》 中心与轮回：伊什诺克山的分界石 伊什诺克山位于爱尔兰中部的韦斯特米斯郡，海拔不足两百米，却在凯尔特神话和中世纪传统中被视为神圣中心。山上的巨石名为“分界之石”，相传是古代五大行省交会的界标。 这块巨石并非人工建造的纪念碑，而是冰川运动留下的石灰岩漂砾。自然力量将它搬运至此，人类又通过神话、仪式和空间划分，把一块地质遗存转化为国土中心与世界轴线的象征。它标记的不只是地域边界，也是不同空间彼此交会的精神坐标。 伊什诺克山还与贝尔坦节的圣火传统相连。每到春夏之交，人们熄灭旧火、点燃新火，并让牲畜经过火焰与烟雾，祈求保护和繁衍。短暂流动的火焰，与恒久沉默的巨石形成对照：生命不断经历出生、死亡与更新，石头则留在原地，见证一轮又一轮季节循环。 分界石由此凝聚了两种时间：冰川和岩石所保存的自然时间，以及一代代人通过仪式与传说不断叠加的文化时间。空间的中心、季节的轮回和生命的新生，这些抽象观念，都借助一块具体的石头获得了可以被感知的形态。 图为：爱尔兰伊什诺克山分界石 时间的题铭：“水绘灵石” 水绘灵石是一方经过宋代修治的灵璧石，高约50厘米、宽约70厘米，现藏西泠印社。它峰峦起伏、孔洞相通，石色青苍，敲击时声音清越。“水绘”并非石材的名称，而是来自它的旧主人冒襄：这块石头曾陈设于他的如皋水绘园，因此成为园林与文人生活留下的遗物。 冒襄字辟疆，号巢民，是明末清初著名文人，也以爱石闻名。1897年，吴昌硕从冒氏后人手中得到此石，在石背刻下：“山岳精，千年结，前归巢民后苦铁。丁酉八月铭。”其中“巢民”指冒襄，“苦铁”是吴昌硕的别号；下方的“巢民长物”与“缶庐”两方印章，则将两位收藏者的身份共同留在石上。 一块天然形成的石头，由此保存了几种不同的时间：山岳凝结而成的自然时间，从冒辟疆到吴昌硕的递藏时间，以及1897年题铭发生的具体时刻。命名、收藏和刻字没有改变石头的基本形态，却为它写下了一份可以阅读的身世。水绘灵石因此不再只是自然遗物，也成为由山川、园林、人物与记忆共同完成的文化作品。 图为：灵璧石“水绘灵石”及吴昌硕题铭 让石头飞翔：布朗库西的《空间之鸟》 罗马尼亚出生的雕塑家康斯坦丁·布朗库西，长期探索如何摆脱外貌的摹写，表现事物内在的运动与力量。“空间之鸟”系列就是他交出的答卷。1923年，他以大理石创作了第一件“空间之鸟”，此后不断调整比例，并发展出青铜等不同版本。它们并非同一造型的复制，而是围绕“飞翔”的反复推敲。 作品没有展开的翅膀，也没有细密的羽毛。鸟的身体被拉长，头与喙简化为倾斜的椭圆切面，整个形体从纤细的支点向上舒展、收拢。布朗库西关注的不是一只鸟如何被辨认，而是飞翔如何被感知：坚硬的材料仿佛挣脱重量，成为一道正在升起的轨迹。 在抛光的青铜版本中，光线与周围环境的倒影又参与了造型。随着观看者移动，明暗与反光不断变化，使静止的雕塑显露出流动感。作品的美因此不只属于一个固定轮廓，也发生在材料、光线与观看之间。 这与中国赏石形成了有意味的对照：一者从天然形态中发现生长与变化，一者通过人工提炼表现升腾与运动。两条路径并不相同，却都让我们超越“像什么”的辨认，从有限的物质中感受尚未停息的力量。 图为：布朗库西《空间之鸟》，1923年，大理石，大都会艺术博物馆藏 近在眼前，远在天边：贾科梅蒂“极小的人” 瑞士艺术家阿尔贝托·贾科梅蒂《极小的人像》，创作于1937至1939年。作品以石膏制成，经小刀修削，留有色彩痕迹，连同底座在内仅高4.5厘米，纤细的人形立于相对宽大的基座上，仿佛随时会被周围的空旷吞没。 这类微型雕塑并非单纯将人体缩小，而与贾科梅蒂对尺度、距离和视觉经验的探索有关：一个远处的人，在视野中可能只有微小的一点，却依然拥有不可忽略的存在感。他试图塑造的，不只是人体本身，也是人被观看时所处的距离。 作品由此制造出一种矛盾的观看经验：我们必须走近，才能辨认人物；但即使近在眼前，它仍像独自站在远方。基座不再只是支撑雕像的附件，也使人物周围的空白变得可感，唤起孤独、脆弱与疏离的体验。 图为：《极小的人像》 把声音铸进青铜：曾侯乙编钟 1978年，湖北随州曾侯乙墓出土了一套战国早期编钟。65件青铜钟分三层八组，悬挂于曲尺形钟架上，音域跨越五个半八度，中心音区十二个半音齐备。它既是古代铸造与声学技术的结晶，也是先秦礼乐文化的重要实物见证。 编钟最精妙的设计是“一钟双音”：利用合瓦形的钟体结构，敲击正面与侧

茅台酒的配料表只有三种原料：高粱、小麦和水。但是和许多酒一样，一旦它进入人类的生活，便开始承载风味之外的东西，也因此具有了超出自身的重量。 本期节目，我们以茅台为线索，沿着一杯酒进入生活的过程，寻找它不断生长的意义：从敦煌《茶酒论》里茶与酒的一场争辩出发，看谷物、微生物与时间，如何共同完成一场酿造；从古希腊的奠酒，到中国古代的灌地、合卺，理解人们如何借助一杯酒，连接神明祖先，标记人生的重要时刻；从王维的《阳关三叠》，到苏格兰的《友谊地久天长》，体会那些难以直说的感情，如何如何借一杯酒获得表达。 而当酒杯举向远方的客人，它也随之进入更广阔的世界。从赤水河畔的茅台镇，到1915年的巴拿马太平洋万国博览会，再到1972年的外交宴会，一种来自中国河谷的风味，如何跨越地理与语言，成为不同文明认识彼此的契机？ 酒先是一种饮料，也是一种仪式，是情感的媒介，也是文明交流的语言。时间不断向前，但人们会在一些时刻停下来，郑重地举起酒杯，确认此刻值得铭记。 - 制作团队– 美术设计 子鹤 后期制作 孙称

一张旧地图从纸包里滑落，海湾、山谷与港口之间，红色十字标出了秘密：一行小字写道：“大批财宝，埋藏于此。”少年吉姆·霍金斯尚不知道，这张地图将把他带往怎样的远方，也不知道自己最终带回的，会是怎样的宝藏。 一百多年后，历险小说《金银岛》里的藏宝图，被梵克雅宝赋予了新生：黄金卷起柔软的褶皱，玫瑰金化作束住地图的绳索，一颗红宝石点亮了寻宝的坐标。一个巧妙的反转就此发生：原本指向宝藏的地图，本身成为了宝藏。 这枚“藏宝图”胸针，只是冒险的起点。梵克雅宝从《金银岛》中汲取灵感，将对航海艺术与远方文明的向往融入创作，构筑出完整的Treasure Island by Van Cleef & Arpels主题高级珠宝系列。作品按“海上历险”、“海岛探奇”、“寻宝旅程”三个篇章依次展开，让帆船与海浪、岛屿与生灵、珍宝与古老文明的印记，在珠宝之间彼此呼应。一场原本展开于文字与想象中的远航，由此成为可以观看、触摸与佩戴的世界。 究竟什么值得被称为宝藏？是埋在地下的金银，还是人在冒险中获得的勇气、判断与成长？为什么一本小说能够不断唤起后来者对远方的向往？而当珠宝离开工坊，进入人们的生活之后，它所承载的故事，是否也会继续生长？ 本期节目，我们携手梵克雅宝，邀请复旦大学英语语言文学系教授包慧怡与珠宝艺术专家李鹏博，从《金银岛》出发，展开一张跨越文学、艺术与文明的藏宝图。从《奥德赛》的归乡之旅到现代都市的心灵漫游，从诺亚方舟上的生命与希望到罗密欧与朱丽叶的秘密相拥；从欧洲壮游途中的湖光雪色，到海底鱼群、热带丛林与古老文明的遗迹，再走进设计师与工匠的世界，看看一个故事如何被重新写成珠宝。 内容包括 03:15 藏宝图成为宝藏：由一枚红宝石开启的冒险 08:08 一张地图、一场叛变：《金银岛》打造冒险故事经典配方 11:56 从海盗世界归来，什么是吉姆找到的真正宝藏 20:47 画出来的黄金，为何比金箔更珍贵？ 25:13 蒸汽时代的帆船旧梦：史蒂文森为何回望旧时代 35:43  “此处有龙”的警告，探险和远行的邀请 44:34 从灾害记忆到生命赞歌：诺亚方舟的千年变身 54:16 阳台背后的爱人：一枚胸针里的莎士比亚 59:37 出海、登岛、寻宝：由高级珠宝组织的三幕戏剧 78:51 精密与古朴：“黄金之手”如何为想象赋形 87:04 从欧洲壮游到迷人埃及：远去的文明，成为创新灵感 94:35 塔拉胸针与萨顿胡：物质如何成为文明本身 101:25 从历史典藏到珠宝教育：梵克雅宝让过去拥有未来 107:49 一代人的宝藏，如何成为下一代的藏宝图 - 制作团队– 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 以下为节目中提及的珠宝作品，欢迎边听边欣赏，循着嘉宾的讲述，发现藏在细节里的故事： 上图依次为： Carte au trésor 藏宝图胸针（“金银岛”系列） 有谁不曾幻想过，在老旧的箱子中找到一幅通往神秘宝藏的藏宝图? 梵克雅宝以这枚胸针演绎一幅黄金藏宝图，将这个儿时愿望变为现实。金质藏宝图以玫瑰金纽索捆绑，纽索的两端垂吊着摇曳的流苏。藏宝卷轴看似刚被悉心收起，在纽索缠绕下形成了柔软的皱褶。流苏为作品整体增添动感，悬垂而下的玫瑰金和黄K金丝线随整体轮廓的动态款摆，摇曳生姿。但真正的宝藏，藏于羊皮纸的褶皱中——这幅藏宝图上刻有地图，并标示明确的地点：碧玺角、珍珠岛、红宝石谷、蓝宝石岛，还有祖母绿泻湖。地图中央镶嵌一颗红宝石，标示宝藏的藏身之处。金质藏宝图背面镌刻一枚金质指南针，指引宝藏的方位。 Poésie de la mer “海洋之诗”胸针（“金银岛”系列） Poésie de lamer胸针造型如梦似幻，怀抱一颗重达61.73克拉的瑰丽碧玺。这颗凸圆形切割宝石呈泪滴状，最大限度保留了碧玺的天然神韵。其蓝绿色彩深邃美丽，让目光恋恋不舍，剔透的亮泽如同热带海洋那一汪碧波。背景中的美人鱼隐约浮现，呼应世家自1940年代初开始的致敬女性优雅倩影的传统，再现她们婉约婀娜的风姿。人鱼头戴璀璨冠冕，面庞为一颗玫瑰型切割钻石。蓝宝石涟漪在她身后漾起，以深浅不一的蔚蓝色调将她从头至尾轻拥。 Palmier Mystérieux棕榈树可转换式胸针（“金银岛”系列） 可拆卸式主题图案组成的Palmier Mystérieux 胸针是这三部曲的一大象征。一艘镶嵌美钻的帆船、一轮金光璀璨的旭日和一个满载宝石的宝箱，均以黄K金勾勒栩栩如生的形态，这些可拆卸式主题图案可与饰有阔叶棕榈树的珠宝底座自由组合，搭配出三幅活泼生动的场景。由梵克雅宝于1933年获得专利的Traditional Mystery Set传统隐密式镶嵌工艺，将镶嵌宝石的金属底座巧妙隐藏，令祖母绿棕榈叶呈现如天鹅绒般绵密质感，与以玫瑰金雕琢而成的树干互相辉映。世家工匠们的卓越造诣凭借精湛的金质工艺得以充分彰显——珍贵金属经细致抛光、捶打锻造、蜡模雕刻或铸成金珠后，绽放璀璨光华。 上图依次为： PAONS “孔雀”胸针（“诺亚方舟”系列） 孔雀向来是丰盛和权力的象征，胸针上的孔雀爱侣以华美的凸圆型切割绿松石细意点缀，长方形蓝宝石、梨形祖母绿、绿蓝色碧玺和圆形薄荷绿石榴石轮廓丰富，色泽绚丽，拱照主石柔和明亮的光彩。绿色、蓝色和紫色明媚鲜艳，在盘旋交错的线条映衬下更显夺目。宝石以不同工艺细意镶嵌， 粒镶和轨镶技术交替应用，甚至细致妆点涡纹尖端，工艺精细，打造出层层交迭的羽毛， 成就出立体浮雕效果，彰显梵克雅宝一丝不苟的工艺及超越自我的决心。彰显世家以大自然为师，雕琢无尽杰作的信念。 ZÈBRES“斑马”胸针（“诺亚方舟”系列） 得益于融合的宝石材质，Zèbres胸针通过美钻、青金石和缟玛瑙相间萦绕于斑马的身躯，勾勒出鲜明斑纹，令人难忘。一只斑马的马蹄微微提起，与低首同伴的相互呼应，情感流转而含蓄。斑马的口鼻由青金石及缟玛瑙点缀而成，与精心打造的细节互相辉映。圆形、正方形及三角形切割美钻凸显爱侣身姿，几何线条交织出典雅和谐的气息。 PERROQUETS“鹦鹉”胸针（“诺亚方舟”系列） 自1920年代起，世家则以钟爱和热带雀鸟为题。胸针延续此深厚传统，勾勒出一对鹦鹉展翅疾飞的身姿。鹦鹉羽毛以青金石或绿松石打造，每根均经仔细切割、调校及固定，令双翼犹如展扇，分外紧密立体。纤长尾巴以圆形及长方形切割钻石镶嵌而成，呼应整体的灵动形态。双色羽毛于双翼上并无二致，两颗祖母绿鸟眼一同遥望，款款情深。 上图依次为： Romeo & Juliet胸针（“罗密欧与朱丽叶”系列） Romeo &Juliet胸针再现罗密欧与朱丽叶这一对璧人，向莎士比亚戏剧巨著中的爱侣致敬，这亦是系列中最生动浪漫的作品之一。独具匠心的立体工艺，将罗密欧献花这一浪漫瞬间栩栩再现。 罗密欧身披精致的华服，蓝色罩袍镶嵌蓝宝石和青金石，而裤袜则以白K金和黑色漆绘打造，相互辉映，金色的披风则经镜面抛光加工，以一颗黄钻与华服相连，仿佛维罗纳城的风轻轻吹来。悬于其腰带上的镶钻佩剑饰以雕刻的精致纹路，一剑一披诠释将罗密欧对爱的勇气和坚毅，而那微微躬下的身影则展现骑士精神，令人联想起中世纪文学作品中令人涕零的爱情故事。 优雅而美丽的朱丽叶面对罗密欧而立，娇羞地回过俏丽的面庞，摇曳的华丽长裙以抛光的金质雕琢而成，璀璨的凸圆型橙色蓝宝石、石榴石、红宝石和钻石点缀着裙摆。其头饰和鞋履镶嵌着温润的珍贵宝石，与华服之上的璀璨之光相互辉映，悄然间奏响一曲爱的协奏曲。 罗密欧手捧淡紫色蓝宝石花束，献给心中挚爱，这淡淡的紫色更是代表凯普莱特家族的红色与蒙太古家族的蓝色相融之后的色彩，这花束更是象征两个家族的结合，将这双璧人的爱恋诉诸其上。 BALCONE 阳台胸针（“罗密欧与朱丽叶”系列） 夜幕降临，那后花园的阳台之上，罗密欧与朱丽叶互诉爱意，将莎翁剧中经典的一幕再现。这枚胸针倾诉着恋人爱恋的甜蜜时刻，茂密的藤蔓缠绕攀缘着镶嵌美钻的阳台，祖母绿、沙弗莱石榴石和钻石和谐璀璨，将夏夜的繁茂生机再现。 穿过这一片嫩绿的藤蔓，恋人的身影隐约其中，二人深情对望，柔情牵手，演绎忠贞不渝的朱罗之恋。胸针演绎世家对细节的执着：人物经过精雕细琢，爱侣生动传神，阳台和落地窗布满宝石，连作品的侧面也充满细腻的匠心。细致入微的种种，梵克雅宝以精湛工艺将跨越百年的浪漫故事重现眼前。 ITALIAN ROSE 意大利玫瑰可转换式胸针（“罗密欧与朱丽叶”系列） “名称有什么关系呢？玫瑰不叫玫瑰，依然芳香如故。 ” 朱丽叶在暗夜阳台那一幕中提及的娇艳玫瑰，即是这款项链的创作灵感。项链中央的红宝石图腾鲜艳夺目，利用梵克雅宝独有的Navette Mystery Set榄尖形隐密式镶嵌技术，将宝石逐一镶嵌于金质凹槽内，再悉心调整至彼此交叠，塑造扣人心弦的立体浮雕质感。红宝石经人工打磨出

公元804年，日本高僧最澄乘坐遣唐使船，在东海漂泊五十多天，终于抵达明州。稍事休整后，又启程前往天台山求法。此后不到一年，最澄获得了圆、密、禅、戒四种传承。此时他再一次回到明州，带着满船经卷返回日本。 在这个故事里明州，也就是今天的宁波，既是他进入唐朝的门户，也是他带着新的知识返乡的最后一站。而最澄求法的旅程，仿佛是千百年来宁波的历史缩影：作为海上丝绸之路的重要节点，宁波常常像一台安静而强劲的发动机，为盛世输送着不易察觉却不可或缺的力量。一千多年过去，木帆船变成远洋巨轮，昔日船舱里的书籍、瓷器与丝绸，也变成集装箱里的机器人、高端零部件和新型材料。船只在迭代，货物在更换，但宁波连接远方、汇集资源、塑造文化的能力却没有改变。 这种贯通古今的传承，有其地理基础。姚江与奉化江在三江口汇成甬江，三江之水框定了宁波最初的形状。此后无论王朝如何更替、建筑如何更新，城市生活都始终在同一套空间骨架上层层叠加。古老的传统犹如从历史深处奔流而来的三江之水，不断汇入当下；也像埋在城市地下的根脉，穿越时间，滋养着今天的生活。 所以，现代化的宁波依然保留着异常清晰的历史纹理：无论是保国寺的千年木构，天一阁延续四百余年的藏书制度，还是鼓楼中西叠合的时间印记，以及雪窦寺对远方文化的吸收与重塑，都在说明，宁波的历史从未停留在过去，而是不断以新的形态进入当下，那些延续至今的城市能力，正是我们所说的“根脉”。 今天我们邀请艺术史学者张夏菁老师，通过一场古建筑巡礼，寻找宁波延续至今的三条城市根脉：商业与技术、知识与教育，以及文化融合。透过这些古老建筑，我们不仅能够看见宁波从哪里来，也可以理解，这座城市为什么始终能够驶向更远的地方。 本期节目是“宁波，听阿拉的腔调——宁波声游记” 企划的一部分。企划选取具有代表性的宁波城市空间，将声音与人文历史、社会记忆和个体故事交织在一起，构成一部关于宁波的“有声地方志”。我们将通过深度对谈，循着声音行走城市，在古今交叠之间，感受宁波深厚的历史、鲜活的日常与蓬勃的创新活力。 内容包括 04:19 三江入海：宁波是一个被海洋打开的江南 09:58 红帮裁缝和宁波人的迁徙史 20:54 鲜、咸、臭、糟：宁波餐桌，蕴藏一套资源管理学 29:24 机运和竞争：宁波人发明麻将，也许不是偶然 38:30 从越窑青瓷到宁波博物馆：港口城市如何消化世界 47:01 保国寺北宋木构，让梁思成误判的建筑奇迹 61:01 何为工巧：在约束中找到最优解的美感 68:32 建筑业的“千年古谱”：建筑和文献共同保存缄默知识 85:33 从木帆船到智能港口：宁波技术强调解决现实问题 90:36 天一生水，地六成之：怎样把一句古语造进房子里 98:32 天一阁把藏书变成一套运行四百年的系统 107:05 王安石的新刻漏铭，勾勒港口城市共享的时间意识 122:17 一座鼓楼，两套时间：中式城楼与西式机械叠加的寓意 131:45 从等待未来到创造未来：宁波如何改造弥勒信仰的内涵 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称

元丰八年的初夏，经历乌台诗案与黄州五年贬谪的苏轼，在常州与故友孟震重逢。此时，他刚刚走出人生最艰难的阶段，命运隐约显露出新的转机。一切恍如梦中，两人谈起黄州往事，苏轼写下： “年来转觉此生浮，又作三吴浪漫游。” 这也许是中文世界里，“浪漫”一词最早接近今天含义的应用。 说起浪漫，今天我们会马上联想起爱情、玫瑰和烛光晚餐。但苏轼笔下的浪漫是一种挣脱拘束、任兴而游的生命状态：明知人生浮沉无定，仍愿意相信转机。那么，在中国古典世界中，更早历史时期的文献典籍、考古文物、艺术作品中，究竟还蕴藏着什么只属于中国人的浪漫？为什么独坐观山、隔窗听雨会让我们心生向往？为什么曲终人散之后的余韵，比乐曲本身更加动人？为什么我们明知桃花源不可抵达，却仍然愿意相信那些不可复制的时刻？ 本期节目，我们从朱一龙与中国香品牌闻献、龟宝香居的相遇出发，邀请中国古典学者夏虞南老师，循一缕香气，走进、解读十八个中国古典浪漫场景：从《诗经》的香草赠答到屈原君子佩香，从李白的宇宙级想象力、苏轼一蓑烟雨的旷达，到王勃、高适截然不同的人生际遇；从绘画的留白、书法的飞白到芸娘的一盏荷花茶；从燎祭通天的一缕柴烟、秬鬯灌地的一卣酒香，到博山炉里的微缩仙境；从二十四节气为时间命名的诗意，到谢自然的白日飞升；再从庄子、惠能与周敦颐出发，看儒、释、道三家如何沿着不同的道路，共同抵达心之自由。最后，以荀子的《乐论》收束：那些理性到不了的地方，浪漫可以抵达。 文学突破现实的边界，艺术保存不可见的余韵，信仰沟通天地，超越生死与追问永恒，心灵则在日常生活中寻找妥帖的安宁和精神的自由。香气穿行其间：它曾经帮助先民辨认安全与危险，也曾沟通天地、象征德性、标记时间、唤醒记忆。它无形无相，却能让那些无法被文字完整记录的情绪与精神，再次进入我们的呼吸。循着这一缕香气，我们将走过六千年的中国浪漫，看看中国人如何在有限的人生岁月里，触摸无限与自由。 内容包括 04:50 从“漫浪”到“浪漫”：一个贬义词如何获得诗意 13:51 香之为用：从生存信号到精神世界的三重递进 19:51 阴阳割昏晓：一缕香气如何连接天地 36:45 桃花源的终极浪漫，莫不是放弃追求那种“确定性” 40:08 明媚、浓烈、天真与一点“心机”：两千年前的恋爱与今天别无二致 49:49 与少司命的“目成”：神明一见钟情的浪漫 54:46 王勃：少年登顶，拒绝过程的浪漫 62:06 高适：在梁园蛰伏近三十年，等待一个“大器晚成” 76:57 兰亭的浪漫：一个不完美的书圣，短暂超越了自己 79:40 留白、飞白与不在场：中国艺术为何偏爱不可见之物 89:13 芸娘的荷花茶：是普通人的“雅趣” 94:32 二十四诗品：当“言不尽意”以诗论诗 100:30博山炉：盈盈一握间装下整个神仙世界 107:07燎祭通天，秬鬯通神：我们为什么需要仪式 119:06二十四节气：当时间以“浪漫”命名 125:20向上飞升，向下自寻：修仙路上超越生死的终极浪漫 139:51庄子无待，惠能无住：困住你的是心，解放你的也是心 148:31周敦颐为什么不除窗前草？“光风霁月”“即物穷理”的天真浪漫 158:01荀子：最理性的思想家，最浪漫的《乐论》注解 166:42效率至上的时代，我们仍旧“浪漫” - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 2026年8月17日，中国高端香水品牌闻献DOCUMENTS与旗下中国熏香品牌龟宝香居PeaceIncense正式宣布，演员朱一龙成为两个品牌的全球品牌代言人。未来，双方将围绕产品创作、品牌内容与线下空间展开合作，并陆续推出代言人限定礼盒、周边及其他专属内容。 闻献与龟宝香居认为，朱一龙在长期创作中呈现出的温润、沉静、谦逊与克制，与两个品牌所强调的东方精神彼此契合：闻献侧重从传统文化中获得内在沉淀，再以当代方式向外表达；龟宝香居则让香回到日常生活，强调从容、温厚与内在安顿。 以本期节目的角度来看，这次合作可以被理解为中国古典人格理想的一次当代转译。中国文化中的君子气质，并不只是温和守礼，也是在分寸中保有性情，在克制中蕴含力量，让秩序与超越彼此相生。香气不事喧哗，却能够悄然改变一个空间；君子不必刻意彰显自己，品格也会在时间与举止中自然显露。朱一龙所呈现的，正是这样一种向内可以安顿自己、向外又能坚定表达的精神状态。 闻献DOCUMENTS与“禅酷”美学 闻献DOCUMENTS是发源于中国的高端香水香氛品牌。英文名DOCUMENTS具有文献、记录之意，中文名“闻献”则包含闻味与献礼的联想。品牌以“闻味、记录、献礼”为关键词，希望用气味保存文化、生活和个人记忆，再把这些无形的经验转化为可以与人分享的礼物。 这也呼应了本期节目的一个核心命题：如果说文字、图像与器物保存了能够被言说和观看的历史，那么气味所保存的，往往是最难被语言记录的情绪、心境与精神。一缕香因此也可以成为一份“感官文献”，让那些已经远去的人、季节与生活经验，重新进入今天的呼吸。 闻献将自身的美学风格概括为“禅酷”（BOLD-ZEN）。“禅”取自东方哲学中的洞察、感知、吸纳与学习，强调向内观照，在历史、文化和个人经验中获得沉淀；“酷”则指向沉着、自信、突破与自我表达，意味着把内在觉知转化为当代的生活态度。正如节目中所讨论的庄子“无待”与惠能“无住”：心向内可以获得自由，向外则可以形成清晰而坚定的表达。由内而外、从禅到酷，也构成传统精神进入现代生活的一条路径。 闻献第五季「仙 XIAN」 闻献第五季「仙 XIAN」浓香水系列于2023年9月推出，创作灵感来自中国传统神话和文学中的神仙想象，以及道家对于超越凡俗、与天地并生、与万物齐一的精神追求。 在这个系列中，“仙”被转化为一种观察和体悟现实的方式：人仍然生活在尘世，却可以暂时松开日常的束缚，释放封闭的情绪、精神与感官，重新感受自然、身体与生活。所谓“仙”，最终指向的是一种身在人间而心有逍遥的生活态度。 这一系列作品也与节目中“求仙问道”的讨论相互呼应：从谢自然白日飞升，到王重阳向下自埋，古人追求的未必只是肉体离开世界，也包括从欲望、恐惧与生死的束缚中获得精神自由。 龟宝香居PeaceIncense 龟宝香居Peace Incense是一家来自中国熏香品牌，以“天然、雅致、闲趣”概括自身的生活美学。“天然”强调从香材、工艺到使用感受的真实与纯净；“雅致”源于中国古典美学对于“韵外之致”的追求；“闲趣”则是对中国文化中“闲”的创造性继承。 与闻献侧重向外探索和当代表达的“禅酷”不同，龟宝香居更强调“禅趣”以及内在安顿和日常陪伴。它希望让香从典籍、博物馆与隆重仪式中重新回到普通人的起居：陪伴一段独处、一次阅读、一个普通的黄昏，或者一炷香缓慢燃尽的时间。 这种生活美学，与节目中芸娘制作荷花茶的故事彼此呼应。一朵荷花、一撮茶叶、一夜时光，使用的都是最寻常的材料，却因为对四时的体察和对生活的用心，获得了独特的香韵。所谓“闲趣”，并不依赖昂贵的消费，而是在效率与目的之外，为日常留出一点感受、想象和创造的空间。 龟宝香居的十二个月香气序列 龟宝香居以十一款常驻香型和一款季节限定，共同组成一年十二个月的香气序列。常驻香型包括暖楠、懒松、闲檀、仙茉、富桂、胖枣、玫满、话梅、橘祥、薄荷糖与姜好，涵盖木质、花香、果香等不同气息；季节限定则随时令变化，如春季的“安薰”和冬季的“香榧”。 这套香气体系并不只是用十二种产品对应十二个月，而是尝试以气候、植物、情绪与生活状态感知时间。它像一部不用日期标记的气味日历：时间不再只是数字的递增和减少，也成为身体周围正在发生的温度、光线、草木与气息。 这种构想与中国传统的二十四节气具有相似的感知方式。古人以惊蛰、谷雨、白露、霜降为时间命名，将天文历法转化为可以看见、听见和触摸的四时经验；今天的人，也可以通过一缕香气重新察觉季节和时光岁月怎样从身边经过。

“不要害怕，这座岛上充满了声音” —— 2012年伦敦奥运会开幕式上，工程师布鲁内尔在一片绿色的英格兰田园中，朗诵了莎士比亚《暴风雨》里的台词。随后，田园被拆除，烟囱拔地而起，工人涌入舞台，钢铁被锻造，铁路和轮船开始运行；随之亮相的还有公共医疗、儿童文学、电影电视、流行音乐和数字文化… 一边是王室、城堡、莎士比亚和古老的传统；一边是足球、摇滚、朋克和先锋艺术。英国不甚辽阔的国土上，叠加着英格兰、苏格兰、威尔士和北爱尔兰不同的语言、风俗和历史记忆。面对这样多元、复杂，时而互有冲突的文化元素，伦敦奥运会的创意团队选择把整个英国搬上舞台，用一出戏剧讲述这个国家的故事。 事实上，如果我们换一种方式去看英国，整个国家都是一座戏剧舞台：剧院是一种舞台；那些蜚声世界的艺术盛会也是一种舞台；海岸、山野、城市、街道和工业遗址，都可以成为表演的空间。而观看这出戏剧的方式，也不只在观众席上旁观，而是可以随着旅途进入不同的现场——这是一场“见你未见”的旅行，让我们可以暂时忘记那些熟悉的地标和标准答案，走出伦敦，走向英国的不同地区，去发现一个不一样的英国。 本期节目，我们邀请华东师范大学传播学院鞠薇老师，和我们一起“跟着戏剧去旅行”，从莎士比亚笔下的王权风云，到工业城市里普通人的生活，最终抵达越来越多元开放的当代戏剧。我们将沿着英国享誉世界的舞台艺术，从剧场走向城市、从故事走进历史，在舞台上读懂英国，也在旅途中发现舞台。 内容包括： 03:25 天天下雨、美食荒漠？英国刻板印象大赏 14:01 小英格兰vs大不列颠：英国到底是大是小？ 19:16 原野、崖壁、湖区：不同的风景孕育不同的艺术 27:19 永不落幕：当之无愧的戏剧之国 34:50 从女王英语到工人口音：语言里藏着多少个英国 49:06 英国创造戏剧，戏剧也塑造英国 57:23 跟着戏票游历英格兰，发现处处皆舞台 72:38 我们是谁？层累的历史和不断反转的国家记忆 77:30 莎士比亚，而不是历史学家，“制造”了英国 88:20 用真话撒谎：《麦克白》与火药阴谋 91:59 都铎王朝的头号反派，为什么充满魅力？ 102:34 公共剧场和全国巡演：让故事变成国民记忆 112:22 烟囱升起，舞台转场：工业革命改写英国戏剧 118:29 厨房水槽，贫困愤怒：被忽视的人终于登上舞台 129:03 从殿堂到街头：爱丁堡不断突破舞台边界 137:48 威尔士：英国西部通往童话与传说的入口 140:56 舞台之外，还有舞台：英国戏剧持续影响世界 - 制作团队– 美术设计子鹤 后期制作孙称 本期节目与「戏不戏 · 英国舞台季」联合呈现。 由英国驻华使领馆与英国旅游局特别策划，英国舞台季邀请您一起探索英国表演艺术的台前幕后，也重新想象艺术如何连接今天的我们。从伦敦西区的璀璨舞台，到爱丁堡国际艺术节的创意碰撞；从莎士比亚的故乡埃文河畔斯特拉特福，到面朝大海的米纳克剧院，跟随声音开启一场跨越戏剧与目的地的英国文化之旅。无论是在爱丁堡感受节庆与艺术交融的城市魅力，在曼彻斯特体验先锋创意与现场演出的活力，在利物浦追寻音乐传奇的足迹，还是漫步格拉斯哥的文化地标、探访威尔士山海之间的人文风景，英国丰富多元的文化与目的地体验正等待您去“见你未见，不一样的英国”。 如果你喜欢本期节目，也可以前往「戏不戏 · 英国舞台季」收听本系列企划的其他节目。 更多精彩活动和内容，欢迎关注英国驻华使领馆及英国旅游局社交媒体：英国旅游局英国驻华使馆英国驻上海总领馆英国驻广州总领事馆英国驻重庆总领事馆英国驻武汉总领事馆 节目中提到的一些舞台艺术相关目的地 埃文河畔斯特拉特福  作为威廉·莎士比亚的出生地和安葬地，埃文河畔斯特拉特福是全球戏剧爱好者的朝圣地。小镇以莎士比亚文化、历史建筑和剧院传统闻名，展现英国文学与戏剧的独特魅力。推荐体验：- 皇家莎士比亚剧院，欣赏皇家莎士比亚剧团演出。 - 探访莎士比亚故居及都铎风格历史建筑。 - 乘船游览埃文河，或体验幽灵主题导览、莎士比亚酒厂等特色活动。 亮点：文学、戏剧、历史与乡镇风光完美融合的英国经典文化目的地。米纳克剧院（康沃尔）米纳克剧院是英国最具代表性的露天剧场之一，建于康沃尔海岸悬崖之上，俯瞰波斯库诺湾。自1929年以莎士比亚《仲夏夜之梦》开启首演以来，这里已成为自然景观与舞台艺术结合的标志性场所。推荐体验：- 欣赏戏剧、音乐剧、现场音乐及家庭演出。 - 漫步悬崖花园，欣赏康沃尔海岸风光。 - 了解创始人罗维娜·凯德打造剧院的传奇故事。 亮点：在悬崖、大海与舞台之间，体验英国独有的“风景中的戏剧”。曼彻斯特图为：曼彻斯特皇家交易所剧院内部：维多利亚时代的棉花交易大厅里，悬浮着一座宛如太空舱的现代环形剧场。它能同时呈现曼彻斯特的工业遗产、城市更新与当代戏剧文化。曼彻斯特是英国北部重要文化中心，以音乐传统、戏剧创新和丰富的现场演出文化闻名。从西区巡演音乐剧到先锋戏剧，这里拥有成熟多元的表演艺术生态。推荐体验：- 皇宫剧院、曼彻斯特歌剧院：欣赏音乐剧和大型巡演作品。 - 皇家交易所剧院：体验英国当代戏剧。 - 洛瑞艺术中心：欣赏戏剧、舞蹈及视觉艺术展演。 - 探索北区的音乐空间和街头艺术。 亮点：工业历史、音乐文化与现代艺术融合的英国创意城市。 利物浦图为：利物浦皇家阿尔伯特码头利物浦是英国著名的“音乐之城”，不仅拥有披头士文化，也拥有丰富的戏剧、音乐剧和古典音乐资源，是英国最具文化魅力的城市之一。推荐体验：- 利物浦帝国剧院：欣赏大型音乐剧和巡演作品。 - 利物浦皇家宫廷剧院：体验本土原创戏剧和喜剧。 - 利物浦皇家爱乐音乐厅：欣赏交响音乐会。 - 探访披头士故事馆和阿尔伯特码头。 亮点：音乐传奇、戏剧传统与海港文化交织的艺术城市。格拉斯哥格拉斯哥是苏格兰重要的文化中心，也是现代戏剧、音乐和现场艺术的重要城市。这里兼具历史剧院、先锋艺术空间和丰富的音乐文化。推荐体验：- 特隆剧院：欣赏苏格兰原创戏剧和创新作品。 - 格拉斯哥电影剧院：体验独立电影和电影节文化。 - 国王剧院、格拉斯哥皇家剧院：欣赏音乐剧、歌剧、芭蕾及巡演演出。 - 探索城市音乐空间和艺术街区。 亮点：传统剧院与先锋艺术并存的苏格兰文化地标。

很多人第一次面对《蒙娜丽莎》时，既不是感到惊艳，也不是感到失望，而是一种意外感袭来：原来它这么小，原来它和我想的不一样。 这种意外感意味着，在真正见到蒙娜丽莎之前，我们心中早就存在一个想象的蒙娜丽莎——她是我们从小接受的艺术教育，是教科书里的图片，是电影里一闪而过的镜头，是一个传奇的故事。她的碎片散落在图书、广告、海报、音乐里，被现代传媒无限复制、无限挪用。久而久之，她的体量远远超出了绘画本身，成为一个神话，也成为一个常识，一个让你无比熟悉的东西——直到你站在她面前，难以言说的陌生感涌上心头，这才意识到一个事实：这是你第一次看到蒙娜丽莎。想象中的蒙娜丽莎越巨大，真实的蒙娜丽莎就越渺小。这个悖论让我们意识到，所谓“熟悉”，有时恰恰是观看最大的障碍。 观看从来不是一件简单的事。约翰·伯格在《观看之道》里说道：是那些我们知道的、经历过的，以及相信的东西，决定了我们看到的东西。我们总以为是世界塑造了我们；但很多时候，塑造我们的，仅仅是我们观看世界的方式。 尤其在今天这样一个图像无处不在、说明无处不在、标签无处不在的时代，想象与真实的错位被空前放大。维米尔的《戴珍珠耳环的少女》、伦勃朗的《夜巡》、乔托的《犹大之吻》、委拉斯开兹的《宫娥》… 这些艺术史上最为著名的图像，也许在认知的深处，早就成为扁平的符号。但名画真正迷人的地方，往往藏在一道目光、一束光线、一个回头和一处微小的停顿之中；藏在细节和复杂性之中。 本期节目，我们邀请中央美术学院艺术史博士孙琳琳，穿过标签、神话与心理的迷局，重新进入那些看似熟悉、实则陌生的古典绘画。我们同此借此讨论，在算法替我们筛选图像、答案随处可得的今天，是否还能重新通过观看，保留对复杂性的感受以及独立判断世界的能力。 内容包括： 03:58 观看vs辨认：理解世界的两条路径 09:21 当图像离开现场：现代传媒如何改变观看 15:14 眼睛越忙碌，经验越匮乏 21:20 古典绘画如何帮助我们重新学会观看 27:31 维米尔：穿过物体的光，穿透图像的情绪 37:13 奴隶的尊严，教皇的权力：委拉斯开兹操控观众 48:04 谁在看谁？宫娥呈现观看的终极迷宫 53:41 背叛发生的那一刻：犹大之吻的心里剧场 59:59 米开朗基罗不愿画肖像，除非画中人是完美的 66:34 酒神降临：爱情在绝望的那一刻到来 74:00 用画笔复仇：暴力的受害者夺回暴力的叙事权 85:01 夜巡：旷世杰作是甲方眼中不合格的交付 92:28 古典从未远去：老大师给我们留下一个坐标 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 《杰作何以诞生》 人们常把杰作看作天才的证明，却很少追问它们如何在限制与妥协中形成。这本书以263件杰作为线索，讲述18位艺术家在真实生活中的抉择与代价。 这些艺术家生活于1267至1675年之间。我们熟悉他们的名字——达·芬奇、博斯、米开朗基罗、格列柯、卡拉瓦乔、委拉斯开兹、伦勃朗、维米尔……但他们靠什么活着？又为谁而画？他们如何在现实中挣扎与周旋，又如何用画笔表达自我、回应命运？ 《杰作何以诞生》是一本讲杰作的书，也是一本讲命运的书。在很长一段历史中，他们以技师、工匠、宫廷随从、政治说客等身份出场，为具体对象服务，为生计而画，为前程而搏。在委托与期待之中，他们仍然自主地留下了不朽的身影。 本书从图像的构图、光影和历史意义出发，将观看引向画面背后那些被压抑、调适、争夺与成全的命运轨迹。在作者孙琳琳笔下，“如何看画”最终通向一个更深层的问题：如何理解一个人的选择。艺术的魅力，在于它让我们以凝视他人的方式，照见自身。 林风眠和宝莲灯 林风眠（1900—1991）是中国现代绘画与现代美术教育的重要奠基人。传记材料提及，他的母亲是瑶族女子，早年被拐卖至广东梅县林家，后因与村中染布工人发生婚外关系，被认定严重违背地方宗族伦理。根据相关叙述，族人一度准备以火刑将她处死；年仅七岁的林风眠持刀冲入人群阻拦，最终事件在混乱中中止。母亲虽免于被杀，但也被逐出宗族，去向不明，母子自此失散。林风眠成年后多次寻访母亲下落，始终未能重逢。 这段早年经验常被研究者视为理解林风眠女性题材、母性意象及悲剧意识的重要传记背景。林风眠画中的女性通常具有程式化特征：长发披肩，双目低垂，面容近于椭圆，身体姿态内敛，人物与背景之间保持疏离而静谧的空间关系。她们手中反复出现的莲花、莲灯等物象，使得这些作品与《宝莲灯》“沉香救母”的故事建立起联系。 除了母亲形象潜在投射，从图像学角度，这些女性形象也不完全是具体人物的写实再现，而是在传统仕女图式、民间戏曲意象、佛教莲花象征与艺术家个人经验之间形成的复合图像。这些作品由此提示出艺术观看中的一个基本问题：作品的意义并不完全内在于图像本身，而是在图像、历史语境与观看者知识结构的互动中生成。传记信息的介入，不会改变画面，却可能重新组织观看者对画面的理解。 图为：林风眠《捧白莲红衣仕女》 维米尔：光学、日常生活与开放的观看约翰内斯·维米尔（1632—1675）一生主要生活在荷兰代尔夫特。现存作品仅三十余幅，题材多集中于室内人物、窗边女性、书信、地图与日常器物。与后世赋予他的“大师”地位不同，维米尔生前并未形成广泛影响。他作画缓慢，没有建立画室或招收学生，也未能通过画派延续个人声誉。晚年受战争与艺术市场萎缩影响，他作为画家、画商和旅店经营者的收入均受到冲击，最终在债务压力中去世。其身后留下的部分画作甚至被用于抵偿日常生活欠款。此后近两个世纪，维米尔长期处于艺术史视野的边缘，直至19世纪才被重新发现和确认。维米尔作品的重要特征，是光线在人物、织物、墙面和器物之间形成的细密联系。光在这里并非附着于物体表面的装饰，而是组织空间、建立秩序并引导观看的结构性因素。代尔夫特在17世纪曾是欧洲光学与科学研究的重要中心，显微镜研究者列文虎克也生活于此。部分研究据此推测，维米尔可能借助暗箱等光学装置观察物体，由此形成边缘虚化、高光闪烁和景深变化等特殊视觉效果。不过，光学技术并不能完全解释其绘画；更重要的是，他将科学观察转化为对日常经验、人物心理与观看距离的处理。《戴珍珠耳环的少女》集中体现了这种方法。作品去除了室内环境与叙事情节，仅保留一名转身回望的少女。眉毛、睫毛及部分面部轮廓被有意弱化，而眼角、嘴唇与珍珠上的高光则彼此呼应。耳环可能并非对真实珠宝的准确描绘，而是由少量明暗笔触构成的视觉中心。人物的身份、情境与情绪均未被明确说明，使画面保持开放状态。这种克制使作品不依赖宗教典故或历史叙事，也能建立直接的观看关系。维米尔由此将室内空间、自然光线与日常人物转化为具有心理深度的绘画对象。在这一意义上，他的作品预示了19世纪以后现代艺术对日常生活、瞬间感受与观看经验的持续关注。 图为：维米尔《戴珍珠耳环的少女》 尊严和权力：委拉斯开兹的笔下的奴隶与教皇 迭戈·委拉斯开兹（1599—1660）长期服务于西班牙宫廷，一生主要为王室、贵族和教会权势人物作画。虽然肖像对象往往由宫廷制度决定，但在如何观看人物、如何组织画面方面，他始终保持着高度的自主性。1650年前后，委拉斯开兹在罗马先后创作《胡安·德·帕雷哈像》与《教皇英诺森十世像》。两幅作品分别描绘一名奴隶和身处欧洲宗教权力顶端的教皇，由此构成了关于尊严与权力的鲜明对照。 胡安·德·帕雷哈是委拉斯开兹的助手，长期参与其画室工作。画家采用略低的视点，使人物以挺拔而稳定的姿态占据画面。帕雷哈没有被赋予虚构的贵族身份，也未通过华丽服饰获得提升；他的尊严主要来自绘画本身：宽阔的肩部、从容的姿态、直接而难以回避的目光，以及在流动笔触中逐渐形成的面部质感。作品由此暂时悬置了人物的社会身份，使观看者首先面对一个具有主体性的人。委拉斯开兹后来签署文书，给予帕雷哈自由，这一事实也使肖像中的凝视具有更为复杂的历史含义。 《教皇英诺森十世像》所呈现的则是权力的视觉结构。教皇被安置在金红色座椅中，红色披肩、白色法衣与扶手形成封闭而集中的构图。人物微蹙的眉头与警觉的目光，使观看者仿佛不是在观察一幅肖像，而是在接受画中人物的审视。委拉斯开兹没有将教皇理想化，也没有削弱其威严，而是同时保留了冷静、强硬、疲惫与不安等相互矛盾的心理信息。作品因此并非权力的单纯宣传，而更接近对权力状态的分析。 这种潜藏于画面中的压迫感，在20世纪被培根进一步释放。他以英诺森十世像为基础创作“

作家Tom Zoellner在一本书里这样写道：当我向女友求婚时，我像所有美国男人一样，送出了一枚钻戒。但是当这段关系破裂后，这颗“被使用过的钻石” 开始像幽灵一样纠缠我。 人类感情短暂而脆弱，为什么偏偏寄喻在天然钻石这样一个长久而永恒的物质上? 天然钻石明明不朽不坏，为什么会给人被使用过的感觉?  这些矛盾的带来的执念，驱使他踏上了一段环球之旅：从天然钻石的原产地，到切磨工厂，再到遍布全球的消费市场。旅途结束后，他给自己的书命名叫The Heartless Stone， 没有心的石头。因为这段跨越地域和历史的旅程让他意识到，天然钻石是自然赠予人类的一个容器—— 他是光的容器，也是欲望的容器；它容纳财富、智慧，也容纳忠诚的理想。天然、坚固、永恒不朽的特质，让它成为观念显现的完美载体。 从古印度河谷最早的发现，到亚历山大东征的奇妙见闻；从希腊世界无坚不摧的神话，到佛教经典中般若智慧的譬喻；从人类对光的原始迷恋，到现代科学对晶体的深入研究；从古代王权与财富的极致象征，到近代全球贸易和消费市场交织而成的欲望网络——天然钻石的意义不断被重塑。进入工业文明，它被切割出更加璀璨的火彩，被塑造成爱情的神话——种种复杂的意义让我们几乎忘记一个事实：天然钻石其实从未改变。 本期节目，我们邀请珠宝史专家贺贝老师一起走进天然钻石的世界，为大家讲述，人类如何在“没有心的石头”里，装进自己不断变化的心。 内容包括 02:51 跨越30亿年的相遇：天然钻石如何来到人类世界 07:34 亚历山大与钻石谷：世界尽头的财富传说 10:17 因缘的示现：天然钻石能否被人“拥有” 13:27 从梁四公记到天方夜谭：跨文明线索还原真相 26:44 Admas：捆绑普罗米修斯的锁链 30:14 铁锤、山羊血和魔法：谁能击碎不朽的钻石 35:06 从炼金术到自然科学：钻石迷信的建立与破除 40:44 神圣想象：圣经和金刚经里的天然钻石 48:17 拿破仑的“摄政王”：名钻如何宣示权力 50:49 把光装进石头：500年的抛光与切割工艺进展 57:41 像丽兹酒店一样大的钻石：天然钻石和现代欲望 62:02 从希腊神话到哈布斯堡联姻：钻石如何见证爱情 63:48 现代商业与传媒如何保护天然钻石的价值 67:54 AI时代的天然钻石：我们把什么交给永恒 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 本节目由天然钻石协会（NDC）赞助播出。天然钻石协会致力于在全球范围内推广天然钻石的文化价值与情感意义，让更多人重新理解这种古老矿物背后所承载的时间与文明。 《政事论》 《政事论》（Arthashastra），又译《利论》、《实利论》，是古印度关于国家治理、财政管理、经济政策、法律制度和军事战略的重要文献。传统上认为其作者为孔雀王朝政治家考底利耶，现代学界则普遍认为该书经过长期编纂，可能并非出自单一作者之手。一般认为其核心内容形成于公元前4世纪左右，后经不断增补修订。 作为古印度最重要的政治经济学文献之一，《政事论》详细讨论了国家财政、官僚体系、税收制度、市场监管、农业生产、商业贸易和资源开发等问题，其内容常被拿来与中国《韩非子》以及马基雅维利《君主论》进行比较。 在资源管理部分，《政事论》将钻石、黄金、白银、宝石、铜、铁以及盐等物资统一纳入国家矿产管理体系。书中记载了矿山管理官员的职责、矿产开采与贸易规则、税收征收方式以及违法行为的处罚措施。同时还涉及钻石的产地、品质鉴定、颜色分类、价值评估以及物理特性的描述，是研究古代印度钻石产业的重要文献来源之一。 《政事论》的相关记载表明，至迟在孔雀王朝时期，钻石已经成为受到国家监管的重要战略资源，并形成了较为成熟的开采、流通和贸易体系。根据文献研究与考古证据，目前学界一般认为人类最早接触钻石的时间约为公元前8世纪，而印度则是目前已知最早的钻石产地。在18世纪巴西发现钻石矿之前，印度长期是世界上唯一已知的天然钻石来源地，对古代世界的钻石贸易具有决定性影响。 图为： 16世纪抄写的《政事论》手稿 “钻石谷”传说 钻石谷（Valley of Diamonds）是古代世界广泛流传的一则关于天然钻石起源的传奇故事。其核心内容通常涉及一处位于东方的深谷，谷底遍布钻石，但同时栖息着巨蛇或其他危险生物。为了获得钻石，人们将肉块抛入谷中，钻石黏附在肉上后被鹰隼叼走，再由人在高处驱赶鸟类，从而取得钻石。 这些传说最早可追溯至古希腊时期。公元前4世纪前后，随着亚历山大东征，关于印度钻石的见闻开始传入地中海世界。古希腊作家克特西亚斯、斯特拉波和老普林尼的著作中均有记载。中世纪以后，该故事又在波斯和阿拉伯世界流传，并成为《辛巴达航海记》的重要情节。中国文献中也可见相关记载，如南朝时期的《梁四公记》和宋代周密的《齐东野语》。 现代学者普遍认为，钻石谷传说并非完全虚构，其背后反映了古代印度钻石产区的真实情况。由于钻石主要产自河床冲积层和偏远矿区，其开采过程对于外来商人而言十分神秘，因此演绎出关于巨蛇、神鸟和宝藏的传奇叙事。 结合这些故事和其他考古、文献证据，目前学界一般认为，人类最早接触钻石的时间约为公元前8世纪，而印度是目前已知最早的钻石产地。随着贸易网络的发展，钻石自印度向西传播至波斯、西亚和地中海世界，向东传播至南亚和中国。钻石谷传说正是在这一传播过程中形成，并成为古代欧亚大陆流传最广的钻石神话之一。 图为：创作于19世纪的 “辛巴达在钻石谷底” 插图；20世纪初美国画家Maxfield Parrish为《一千零一夜》创作的《钻石谷》插图 中国最早的钻戒 目前中国境内发现最早的钻石首饰是琅琊王氏家族墓葬出土的金刚石戒指，年代约为公元4世纪末至5世纪初。戒指主体由黄金制成，中央镶嵌一枚未经切磨的天然八面体金刚石。 八面体是天然钻石晶体最常见的形态之一。成熟的钻石切割技术出现之前，人们常用此类天然结晶的形态作为装饰，琅琊王氏墓出土的这枚戒指即属于这一传统。 从器物形制来看，该戒指与同时期罗马帝国晚期及东地中海地区出土的金刚石戒指具有明显相似性。公元3至4世纪期间，罗马世界已经出现以黄金镶嵌天然八面体钻石的首饰，其制作工艺和审美特征与东晋墓葬中的发现较为接近。 这件文物的意义不仅在于其年代久远，更在于它反映了古代欧亚大陆贸易网络的广泛联系。作为一种产自印度的珍贵矿物，钻石在公元4至5世纪前后已经通过贸易路线，同时进入地中海世界和中国东部地区。从考古学角度看，琅琊王氏墓出土的金刚石戒指，为研究古代钻石贸易、东西方物质交流以及东晋上层社会的消费文化提供了重要实物证据。 图为：南京象山王氏家族墓出土金刚石金戒指 “钻石是女人最好的朋友” 在中世纪欧洲早期，钻石被视为力量、勇气和权威的象征。由于其坚硬难毁的特性，人们普遍认为钻石具有保护身体、增强意志和抵御邪恶力量的作用。因此在13世纪以前，钻石主要由国王、贵族和骑士等男性佩戴，并常被镶嵌于王冠、权杖、圣物匣和戒指之上。部分医学和占星文献甚至认为女性体质较为柔弱，不适合佩戴钻石，这使得钻石长期带有明显的男性色彩。 这种观念在15世纪逐渐发生改变。1444年，法国国王查理七世的情妇阿涅丝·索雷尔公开佩戴钻石饰品，被许多珠宝史学者视为女性佩戴钻石风尚的重要转折点。阿涅丝·索雷尔以大胆的服饰风格和强大的时尚影响力闻名于法国宫廷，她对于钻石的偏爱迅速引起欧洲贵族女性的模仿。 从现存绘画和文献来看，在阿涅丝·索雷尔之前，欧洲部分王后、公主和贵族女性已经开始佩戴镶嵌钻石的珠宝。她的重要意义并不在于“第一个佩戴钻石的女性”，而在于将这种原本属于男性权力象征的宝石，转变为女性可以公开展示的时尚饰品，并推动其成为宫廷审美的一部分。随着钻石切割技术的发展以及欧洲宫廷文化的兴盛，钻石逐渐摆脱了中世纪关于护符和力量象征的传统观念，并最终发展为近代社会中最具代表性的女性珠宝之一。 图为：Jean Fouquet 创作的《圣母与圣婴被天使环绕》（约1450年），模特普遍被认为就是阿涅丝·索雷尔本人。 金刚与智慧 “金刚”一词源自梵语 Vajra，原意为“雷霆”与“钻石”。在古印度神话中，金刚杵是雷神因陀罗所使用的武器，象征无坚不摧的力量。由于天然钻石是古代已知最坚硬的物质之一，因此“Vajra”逐渐同时具有雷霆与钻石的双重含义。 随着佛教的发展，“金刚”的意义进一步扩展。佛教经典常以钻石的坚固与不可毁坏，比喻智慧的力量。例如《金刚经》的梵文原名 VajracchedikāPrajñāpāramitā，意为“如金刚般能够斩断一切执著的智慧”。此后，金刚逐渐成为佛教中智慧、觉悟与真理

时尚是耀眼的，但转瞬即逝；艺术似乎拥有长久的生命力，却可望不可及。不久前举办的 Met Gala，正是时尚与艺术著名的交汇点。红毯、礼服、珠宝、镁光灯，各界名流在同一个夜晚汇集，成为全球观看的时代奇观。 其实最初的 Met Gala，只是面向纽约上层的地区性社交事件。改变它命运的是 Vogue 杂志的两任传奇主编：Diana Vreeland 和Anna Wintour：一者使它获得了艺术的灵魂，一者让它获得了传播的身体。短暂的时尚与永恒的艺术，就这样彼此纠缠，形成当代极具象征性的文化景观。 然而在 Diana Vreeland 和 Anna Wintour 背后，有一位低调的幕后推手：S.I. Newhouse。他是 Condé Nast的掌门人，是《Vogue》、《名利场》、《纽约客》、《GQ》等殿堂级刊物的拥有者，缔造了一个传媒帝国，也定义了现代精英生活方式。同时，Newhouse也是20世纪最重要的私人收藏家之一。他收藏艺术史每一次变革的开山之作，以及艺术家创作生涯中最关键、最具有标杆意义的作品。 近期Newhouse 珍藏将由佳士得纽约推出拍卖：从毕加索走向立体主义的转折时刻，到布朗库西突破罗丹开辟的现代雕塑道路；从蒙德里安把世界提炼为几何秩序，到米罗打开潜意识与梦境的超现实空间；从波洛克用抽象表现主义绘画宣告美国本土艺术的崛起，到 Jasper Johns 和 Andy Warhol 让我们重新理解图像、复制、商品与大众文化——这批收藏，几乎构成了一部浓缩的20世纪艺术史。 本期节目，我们邀请本次 Newhouse 珍藏拍卖主要负责人谭波老师一起走进 Newhouse这批藏品。如果说时尚制造一种可见的理想，那艺术就是在追问理想从何而来。在Newhouse的收藏里，我们不光看到名作、价格和市场传奇，也看到一场由艺术与传媒、精英与大众共同定义的视觉现实——正因为如此，这些作品才不仅属于收藏家，不仅属于艺术史，也属于我们今天的生活——它们决定了人们如何理解美，如何产生欲望，以及如何在图像之中认识自己。 内容包括: 03:58 穿Prada的恶魔背后，是穿卫衣的恶魔 21:54 接管崇拜：艺术Aura消逝，时尚Glamour闪耀 24:58 一亿美金俱乐部的常客：纽豪斯藏品总能引爆市场 34:40 变革前夜：从女人头像到亚威农少女 44:25 一个男人，一把吉他：毕加索如何拆碎和组装世界 54:07 雕刻在新婚之夜杀死丈夫的女人 68:35 蒙德里安：从新柏拉图主义到现代设计的底层语法 73:25 谁是K夫人：米罗对记忆、感受、欲望、潜意识的组合 82:22 美国的波洛克：从冷战软实力到AI进化之路 93:50 英雄艺术家的陨落：当国旗和数字成为艺术 98:55 大众与精英，工业与艺术：安迪沃霍的悖论 106:53 定义文化潮流的人，如何改写艺术世界 - 制作团队– 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 从艺术的Aura到时尚的Glamour 传奇时尚编辑 Diana Vreeland在纽约有一间著名的公寓，被称为Garden in Hell，地狱中的花园。整屋装饰了猩红的漆面、异域风情的物件密集陈列，搭配着戏剧化灯光和舞台般的空间感，这种装饰让住宅不再属于日常生活，而成为一座危险、神秘、不可接近的神话剧场。这种精心制造的夺目感、侵略性和距离感，正是时尚业追求的”Glamour”的具象化。 而在艺术理论中，有一个类似的概念：Aura（灵光），它来自本雅明的理论。本雅明认为灵光指是艺术所具有的那种“近在眼前，但依然不可触及”的存在感。即便你站在蒙娜丽莎面前，它依然存在于历史之中，属于另一个时空、另一种语境。这种不可占有性，是艺术魅惑力和崇拜价值的来源。 然而现代性的发展，特别是机械复制和大众传媒，摧毁了艺术的灵光。不可触及的原作，变成了可以无限复制、随时观看的图像。接管崇拜价值，满足人们崇拜心理的东西，恰恰是时尚业塑造的Glamour。现代传媒、社交媒体重塑了魅惑性的距离感，让人重新产生向往和欲望。所以Aura 被现代性消解之后，Glamour成为了一种替代机制，形成了接力。 图为：Diana Vreeland和“地狱中的花园” 1907年的《女人头像》和《亚维农少女》 1907年对于毕加索、立体主义甚至整个现代艺术而言，都是具有特殊意义的年份。就在这一年，毕加索完成了震动整个20世纪艺术史的《亚维农少女》。在最初版本中，《亚维农少女》的画中人物风格主要受古代伊比利亚雕塑的影响，但在参观巴黎特罗卡德罗宫人类学博物馆后，毕加索对非洲和大洋洲面具产生浓厚的兴趣，于是将右侧人物的面孔转化为近似面具般的几何形象，由此完成了这副杰作。 本次纽豪斯珍藏中拍卖的《女人头像》正诞生于这一转变过程中的实验性作品。女性的面孔，头部被拆解为椭圆、三角与锐利线条构成的几何平面；色彩不再用于再现真实光影，而是用来切割和组织结构。人物依然可辨认，但传统文艺复兴以来依赖透视、体积与写实塑造形象的方法，已经开始瓦解。 由此，毕加索古典艺术“再现世界”的追求转向为“构造图像”。在《女人头像》中，他通过拆解五官、压缩体积、重组结构，探索一种全新的视觉语言；而到了《亚维农少女》，这种实验被进一步推进——透视被打破，多重视角被压缩到同一平面，人物结构彻底异化——这些今天我们习以为常的“毕加索风格”，在100多年前，是一种石破天惊的创意，连马蒂斯、乔治·布拉克这样先锋的艺术家最初都无法接受。所以它们都是艺术史上的关键节点。《亚维农少女》作为艺术瑰宝，被收藏在纽约的MoMA，基本不可能在市场流通。所以同一年创作，理念上有延续性的《女人头像》就成为杰作诞生，旧绘画秩序崩塌前夜的关键作品。 图为：毕加索《女人头像》和《亚维农少女》 《女人头像（费尔南德）》 《女人头像（费尔南德）》是毕加索创作于1909年的雕塑作品，也是公认的第一件真正意义上的立体主义雕塑，标志着现代雕塑语言的一次根本性转折。 作品以毕加索当时的情人费尔南德为原型。与传统雕塑追求完整、连续、封闭的体块不同，这件作品的面部被拆解为大量锋利的几何切面，仿佛晶体或棱镜一般。毕加索先以石膏塑形，再用刀不断削切结构，使雕塑呈现出近似钻石折面的效果；后来的铜铸版本，则进一步强化了光线在表面的流动感。 它的重要性在于彻底改变了雕塑的核心逻辑。从古希腊到文艺复兴，西方雕塑一直强调“体积”，即通过解剖学、比例与完整实体来塑造真实的人体。但在《女人头像（费尔南德）》中，毕加索不再把雕塑理解为一个稳定的实心物体，而是把它视为一种能够被切开、重组的空间结构。由此艺术家真正塑造的不只是“形体”，也包括空间本身：光线、空气、阴影都被纳入作品之中；空间不再只是雕塑外部的背景，而成为雕塑内部结构的一部分。这种以几何结构重构人物、以空间组织代替体块塑造的方式，也与他同时期绘画中的立体主义探索完全一致。 图为：毕加索《女人头像（费尔南德）》 拿吉他的男人 立体主义可以分成几个阶段。 早期的立体主义直接受塞尚影响。作为现代绘画之父，塞尚无视文艺复兴以来固定的透视法，不再把自然当成精确再现的对象，而是尝试用圆柱、球体、圆锥这些几何结构去重新组织世界。塞尚的作品仍然保留较强的可识别性，但他已经打开了绘画不必忠实模仿现实的大门。 到了1907年毕加索以《亚维农少女》标志立体主义的语言开始真正成型。随后在1910年前后，毕加索与乔治·布拉克继续推进这种探索。他们把更多视角、甚至不同时间点的观察结果压缩到同一个平面中，画面开始极度碎片化，像被打碎的镜子一样；色彩则刻意压缩在灰、褐、土色体系中。这个阶段强调对现实的拆解与解析，因此被称为“分析立体主义”。当分析不断深入，绘画几乎已经走到完全抽象的边缘。 毕加索并不满足于这种纯粹分析性的结果，希望重新建立艺术与现实世界之间的联系。于是到了1913年，他开启了“综合立体主义”阶段。综合立体主义更像一种重新拼装的过程，图像开始重新变得简洁、可读，鲜艳的色彩重新出现；同时，毕加索开始把字母、墙纸、绳索、沙子等现成品引入画面。 《拿吉他的男人》正是这一转变过程的代表作品。它延续了毕加索最经典的“男人与吉他”主题，但画面的逻辑已经发生根本变化：不同平面、纹样、文字与材质被重新组织，形成一种既抽象又保留现实线索的视觉语言。局部甚至使用蜡画法与沙子，使画面不再只是颜料构成的平面，而成为一种带有真实物质感的结构。 图为：毕加索《拿吉他的男人》 《达那伊德》 达娜伊德来自希腊神话，指达那俄斯的女儿们。她们被迫嫁给埃及王子，又在新婚之夜杀死丈夫，因此受到惩罚：在冥府中永远用漏水的容器打水，承担一个永远无法完成的任务。这是西方文学与艺术中反复出现的题材。在布朗库西之前，最著名的达娜伊德形象来自罗丹。 罗丹的处理已经非常精彩。他没

今天如果我们来到云冈石窟，仰望那些巨大的佛像，你会看到一双双眼睛，仿佛在注视一座已经消失的古城。 说起中国的著名古都，人们首先会想到长安和洛阳，以及背后周秦汉唐的帝国荣光。但是在这两座古都之间，有一座特殊的都城，它的辉煌仅仅持续了100年，在历史中犹如一团火焰，短暂而耀眼，这座城市就是大同，在过去被称为平城。 公元5世纪，长安和洛阳在连年的战火当中化为废墟。同时北方的拓跋部崛起，南下占据了平城这座位于农耕和草原世界交点的重镇，把它改造成为居住百万人口的帝国心脏。从此之后，商队从四面八方涌来，驼铃和马车连接起欧亚大陆的交通网络 ——这里是文明的熔炉，也是北魏的政治中心。 短短100年间，平城的政治从部落联盟，整合在统一的王权之下；从兄终弟及的草原继承法，发展出父子相承、太子监国；残酷的子贵母死制度，让保母掌握大权；最后冯太后和孝文帝的接力改革下全面与汉民族融合。100年里，北魏好比是开着快进模式，走完了其他民族可能要走上千年的路。而在这条道路上，鲜血从未停止流淌，杀妻、弑父、篡位、复仇、清算轮番上演，好比是冰与火之歌的Pro Max版本。但与此同时，秩序、文明和希望的种子也悄然而生。 所有这一切惊心动魄故事，都有一群沉默的见证者：平城时代的工匠们在武周山的岩壁上，一凿一凿地开辟出巨大的云冈石窟。他们用石头塑造了佛的面容，也用佛的面容，塑造了帝国的理想——那些高挺的鼻梁，流动的衣纹，充满异域风情和幻想的音乐和舞蹈，以及隐藏着特殊寓意的图像，共同讲述了平城的故事。云冈石窟是帝国的自画像，它讲述了佛教进入中国，经过灭佛运动又再度兴盛的故事；记录了一个草原民族如何成为中华文明的一部分；也告诉我们大唐的盛世从何而来；中国的版图与文化边界从何而来。 本期节目，我们大家一起走进云冈石窟。通过这些沉默的石像，走进平城传奇的一百年，回顾1500年前的隐没故事。 内容包括： 04:27 云冈之于佛窟、平城之于城市：两个世界的交点 10:45 从大兴安岭出发，鲜卑如何改变历史 14:14 从淝水之战到北方复国运动：代国的陨落与重生 17:18 平城营造：一个塑造东亚帝都的经典模型  24:15 从道武帝的国家理想到清河王弑父疑云 36:26 太武灭佛始末：信仰之争还是权力清洗？ 48:18 太子监国：崔浩窥破明元帝的心病 55:11 太子之死、宦官弑君：三重矛盾撕裂的帝国 59:56 云冈工程：一场精心设计的心灵安抚 69:57 从转轮王到三身佛：以帝为佛的理论演进 73:38 昙曜五窟如何对应北魏五帝 84:28 龙城诸后：北魏深宫廷的女性权力网络 100:03 云冈二期：帝国上升期的全息切片 113:37 冯太后与孝文帝：最大的政敌也是最大的盟友 117:55 迁都洛阳的计谋和平城时代的落幕 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 I．  鲜卑崛起阶段 檀石槐(137 - 181年) : 东汉时期的鲜卑部首领。曾整合各部击败匈奴，使鲜卑第一次成为北方强大力量。 II． 拓跋部的国家化 拓跋猗卢 ( ? - 316年)：西晋时期拓跋部首领，受晋怀帝册封为大单于、代公，后进封为代王，建立代国。这是拓跋政权的开端，因此他也被后世北魏尊为先祖。 拓跋什翼犍（320年- 376年）代国历史上的第十个代王——由于兄终弟及的继承制度，其实仅仅是第一代代王拓跋猗卢之孙。拓跋什翼犍在位期间南征北战，取得许多战功，但在前秦的扩张中被灭国。 III． 北魏的平城时代 道武帝拓跋珪（371 - 409年）拓跋什翼犍之孙。在前秦遭到淝水之战沉重打击后，重建拓跋政权，并且定都平城。通过离散诸部等措施，将部落联盟初步改造为国家机器。为了打破“兄终弟及”的草原旧制，拓跋珪建立了“子贵母死”制度。但这一制度在他晚年引发动乱，拓跋珪本人也因此被次子清河王绍所杀。 图为：作为北魏开国皇帝，拓跋珪所对应云冈第19窟（宝生佛洞）主尊。 明元帝拓跋嗣（392—423年）北魏第二任皇帝。在平息清河王之乱后，拓跋嗣采纳崔浩等汉族士人的建议，推行“太子监国”制度，继续强化父死子继、削弱兄终弟及的影响。 图为：明元帝拓跋嗣所对应的第18窟（立三佛洞）主尊。佛陀穿着的千佛袈裟是云冈一景，世所独有。 太武帝拓跋焘（408 - 452年）北魏第三任皇帝。子贵母死制度派生出保母抚养太子的惯例，拓跋焘的保母窦氏随之开创了保太后掌握政治权力的先例。拓跋焘成年后，在崔浩的辅佐下，军政两方面都取得巨大成功。同时在崔浩的影响下，他崇信道教，发动“太武灭佛”，对北方佛教造成巨大冲击。 拓跋焘在位期间施行的太子监国制度致使东宫力量膨胀与皇权相对抗，最终酿成正平事变。事变的结果是景穆太子拓跋晃为宦官宗爱所陷害，忧虑而死。次年拓跋焘本人也为宗爱所杀。 图为：云冈石窟标志性的20窟（白佛爷洞）露天大佛，即代表太武帝拓跋焘。 景穆太子拓跋晃（428 -  451年）太武帝拓跋焘长子。在太子监国制度下，4岁即被册立为太子，参决军国重事，并在太武帝南征北伐时总理朝政。拓跋晃深明佛法，太武灭佛时和崔浩以及背后的拓跋焘产生矛盾。史书记载拓跋晃因宦官宗爱的谗言忧惧而死；现代历史学更多认为，景穆太子之死源于太子监国制度下，东宫与皇权的结构性矛盾。 图为：景穆太子拓跋晃所对应的17窟（弥勒三尊洞）主尊。由于景穆太子没有登上帝位，17窟的主尊是代表未来佛的弥勒菩萨而不是佛陀。 南安王/隐王拓跋余（ ? - 452年）景穆太子拓跋晃异母弟。宗爱弑君后立拓跋余为帝，但不久即被宗爱再次杀害。 文成帝拓跋濬（440 - 465年）景穆帝拓跋晃长子。北魏高层诛杀宗爱后被拥立登基。在位期间，文成帝平定内乱，休养生息，改革官制，恢复佛教，始建云冈石窟。文成帝的乳母常氏干政，她所塑造的抚养关系网络让冯氏进入权力核心，最终成为文明太后临朝听政——出现了与道武帝建立子贵母死制度的初衷恰恰相反的结果。 图为：文成帝拓跋濬所对应的第16窟（立佛洞）主尊。 献文帝拓跋弘（454 - 476年）文成帝拓跋濬长子。即位时年仅十一岁，尊奉嫡母皇后冯氏为皇太后。献文帝早期，朝政主要掌握在冯太后手中。而在献文帝在生下太子（即后来的孝文帝）后，冯太后一度还政，使其短暂获得亲政空间。然而随着献文帝逐渐展现出收权意图，双方关系迅速恶化。史书记载，在察觉冯太后在内宫中豢养男宠李奕后，献文帝借此发动反击，诛杀李奕及其在朝中任职的亲族十余人，从此帝后矛盾公开化。在随后的权力博弈中，献文帝逐渐失势，最终选择主动禅位，成为太上皇，但仍试图通过掌握军事维持影响力。476年，禅位后的献文帝在平城北郊举行大规模阅兵，显示其仍试图重建权威。然而同年十月，他突然暴毙于永安殿，年仅23岁。关于其死因，史书语焉不详，后世多认为与冯太后有关。 文明太后冯氏（442 - 490 年）北魏杰出的‌政治家与改革家‌。出身北燕王室长乐冯氏，是北燕末帝冯弘的后裔。其父冯朗降魏为官，后因罪被诛。冯氏随之没入掖庭，成为宫中奴婢，完成了从王族到贱籍的剧烈身份坠落。冯氏的命运转折，发生在北魏宫廷权力斗争之中。 当时文成帝宠妃李氏诞下太子（即后来的献文帝），却与掌权的昭太后常氏不合。常太后为巩固权力，一方面利用“子贵母死”制度处死李氏，另一方面选立冯氏为贵人，并迅速扶立为皇后，使其成为新的权力代理人。有学者推测，这一联盟的背景是：常太后与冯氏同出辽西龙城一带，皆属北燕遗民系统。再加上后来的高氏外戚，三者之间通过地缘与婚姻关系交织，形成一个活跃于北魏政治核心的权力网络。 文成帝去世后，局势迅速动荡。权臣乙浑专权。冯太后联合宫廷力量，果断发动政变诛除乙浑，由此开始临朝听政，正式登上北魏政治舞台的中心。此后，她与献文帝之间的权力冲突逐渐激化，最终以献文帝暴崩收场。太子拓跋宏（孝文帝）即位后，冯氏以太皇太后身份再度执政，权力达到顶峰。执政期间，冯太后主导了一系列具有结构性意义的制度改革，包括均田制、三长制、班俸禄、定乐章、禁同姓之婚等，奠定了北魏由部族国家向中原型帝国转型的基础，为后来的孝文帝全面汉化提供了制度模板。 文明太后执政期间，云冈二期开创性地开凿了一系列的“双窟” （如第5、6窟，第7、8窟，第9、10窟等），主尊也出现了“双佛对坐”的形态，作为国家信仰层面对“二圣”统治的喻示。 图为：云冈石窟第5窟阁楼“最美佛像” ；第6窟中心塔柱北侧下层的“二佛对坐” 孝文帝拓跋宏（467 -  499年）献文帝拓跋弘长子。自幼由祖母文明太后冯氏抚养成人。五岁即位，由文明太后临朝执政。其政治人格与治理理念，深受冯太后改革的塑造。 太和14年亲政后，孝文帝在冯太

我们常常把周易、八字、紫微斗数，乃至更古老的龟甲占卜等神秘技术统称为“玄学”或“算命”。但是如果仔细考究，不难发现“玄学”和“算命”这两个词语在字面上其实自相矛盾——老子说“玄之又玄，众妙之门”，玄意味着幽深、未分化、超出语言的范畴；而“算命”一词则暗示了命运可定性、可量化、可分析、可计算。事实上，在这组矛盾的词语背后，隐藏的是人类面对命运时的两条截然不同的路径，即，“感知命运”与“计算命运”： 在古老的时代，先民通过神秘的仪式、狂热的舞蹈、甚至致幻物沟通神明，希望跳过过程，直接获得命运的答案。但也有一些人，始终对人类自身的力量怀有信念。他们仰观天象，俯察大地，记录日影的长短，辨认星辰的运行，理解四时的循环与方位的秩序，由此发明了阴阳、干支与八卦等工具，建立起一套解释万物的模型。 直到商周之际，中国文明的主流终于从巫卜主导的萨满式世界观，转向以《周易》筮法为代表的理性秩序。人们更加相信，命运可以通过规则推演。此后两千多年，从先秦诸子的哲学改造；到宋明以降命理学的普及，算命从巫师与帝王的专属，演变成深入日常生活的消费品。而在今天，人工智能开始通过算法分析性格、预测选择，用机器去破解命运的黑箱也成为了可能。 本期节目，我们将结合天文学、考古学和思想史的线索，主要以《易经》和“八字“两套系统为例，为大家阐述不同“算命”系统背后的世界观和运算逻辑。同时向大家展示，人类如何在与命运长达万年的对峙中，用理性、用算法，以及用无数代人的汗水与努力，一步步逼近命运。 内容包括： 02:29 当时间开始循环：农业文明与干支的发明 14:41 建正朔：自然规律和人类意志的博弈 18:26 赤马红羊、交感巫术、预言如何塑造现实 24:50 感知和计算、臣服和挑战：面对混沌的两种选择 32:07 青铜器上的神灵与幻境：殷商如何看待世界 34:21 先民用一千年验证，每天升起的是同一个太阳 38:59 天地不仁：西周圣贤发现献祭背后的逻辑漏洞 45:30 易经革命：动态枚举为命运建模 53:31 心斋、庙算、夔一足：先秦诸子拆解神秘主义 59:24 五行不是五种元素；五行的重点是“行” 61:24 宋明以降，作为消费品的玄学 71:59 八字算法：日主、四柱与十神的运算逻辑 83:53 如何理解“喜用神”和“刑冲会合” 88:10 什么格局？格局分贵贱好坏吗？ 111:57 八字是一套功利算法，它淡化了人的痛苦和快乐 120:34 AI是更好的算命机器还是新的幻觉？ 125:00 年轻人是不是更迷信了？ 131:37 手握人生剧本的苏东坡如何度过这一生 135:30 既定之命和五十分之一的自由 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称

在19世纪那个“开眼看世界”的时代，面对前所未有的文明冲击，中国知识精英一方面迫切地渴望通过学习和变革改善国家的处境；一方面，又难免心有不甘。于是，他们把中国的方方面面和西方列强进行了对比——从政治到哲学，从医疗到科技——结果并不统一，有些方面可以借鉴；有些方面需要辩解；有些方面，或许更适合保持沉默。 但是在所有方面之中，唯有一个领域始终免受落于下风的焦虑：我们不仅没有怀疑，反而保持一种不证自明的自信：“至少在这件事情上，我们一定胜过西方人” 。那就是中国的餐饮，无论是丰富多样的食材和处理技艺，精妙平衡的调味体系，还是背后 “食不厌精，脍不厌细”的指导理念，中餐在全方面都遥遥领先。 在民族信心动摇的年代，中餐承担了一种超出饮食本身的功能：我们或许在很多方面都落后了，但至少在餐桌上是领先的。这一份寄托在中餐上的情结，就这样延续了一百多年。即便在今天，许多人已经走遍世界，认真品尝过各地餐饮，依然可以自信笃定地说出：中餐，天下第一。 那么事实上，中餐究竟是不是天下第一？当我们坚信“中餐天下第一”的时候，我们究竟在相信什么？本期节目，我们邀请来自澎湃新闻的郑诗亮老师，以清末以来上海的地域餐饮和城市体验为例，和大家一起聊一聊中餐。 内容包括： 02:01 踏上米其林赛道，中餐表现不尽如人意 09:15 西方人心中，日料凭什么比中餐高贵？ 15:11 输出与拣选：日本和中国以不同身份进入西方文明 22:18 御厨后裔为什么在美国搞“假中餐”？ 29:42 如何翻译佛跳墙、皮蛋和文人精神世界 39:20 何为中餐：想象中餐和现实餐桌的巨大割裂 50:03 四大菜系、南北东西：世上本没有同质的中餐 52:42 从民间小吃到官府菜，中餐是贫瘠塑造的丰饶 62:42 神圣餐桌：中国人用吃来解决宗教、法律和战争的问题 65:24 厨师不能言语：中餐文化的底层矛盾 73:50 清末以来，上海为何成为重塑中餐的舞台 80:36 小蓬莱：拥抱世界、拥抱现代、拥抱欲望的餐饮叙事 92:21 海上花：西餐和装饰艺术如何经由青楼走进大众生活 100:14 乱世乡愁：各地移民用餐饮拼凑完整的民族国家景观 103:37 粤菜崛起：反击西方文化霸权奋起的力量，却来自西方认证 108:20 英国菜暗黑，关我伦敦菜什么事？ - 制作团队– 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 “矿石奇珍” 在上海“梧桐区”淮海中路796号的历峰双子别墅内，一场联结自然、科学与艺术的展览正在发生——由梵克雅宝支持创立的L'ÉCOLE珠宝艺术中心，推出“矿石奇珍”展览，带我们一同溯源珠宝诞生的原点。 展览汇聚了70件稀有矿物标本、高级珠宝及艺术品，引领观众步入迷人的矿物宇宙。在这里，您将欣赏到来自巴黎高等矿业学院矿物学博物馆（Mineralogy Museum, Mines Paris - PSL）的独特展品、梵克雅宝典藏珠宝的传世之作，以及来自全球多家收藏机构或私人藏家的珠宝臻藏。本次展览还特别为中国观众呈现了极具东方特色的艺术珍品，如铜花瓶、翡翠耳坠与手镯，展现别具一格的东方美学。 展览一楼通过“物质、珠宝、科技、艺术、太空”五大篇章揭示矿物世界，并将高级珠宝作品与相关材质标本并置，生动揭示自然瑰宝到艺术珍品的蜕变。二楼则打造了寓教于乐的互动空间，将专业知识融入沉浸式体验，您可在此亲身探索矿物世界的瑰丽与奇妙。值得一提的是，未来，L'ÉCOLE还会推出视障人士专属的视觉共融观展导览，让珠宝艺术之美惠及每一个人。 “矿石奇珍”展览将持续至2026年3月29日，您可通过“LECOLE珠宝艺术中心”微信小程序免费预约参观。 饮食的怀旧 在《饮食的怀旧》出版之前，西方世界还没有一部学术著作能系统性地探讨中国人赋予本国地域饮食文化（包括被“规训”的西餐文化）的丰富历史意义。作者将上海这个美食天堂作为观察中国人实践都市生活、探寻地方身份、构建国家认同的田野，认为各种“风味”在这里的此消彼长，既是上海风云变幻中最灵敏的风向标，也是世事沉浮里赓续城市精神的定海针，为研究者观察中国都市文化生活提供了重要切入点。从最早记载上海地区物产的文献，到当下汇聚在这座城市中的地方菜品和风味餐馆，本书不但史料翔实厚重，更确立了一种原创性的研究框架，系统剖析了饮食何以成为中国人追忆过往、活在当下、想象未来的载体，中国人又如何通过对一饮一食的书写和想象，与故土、城市、国家甚至整个世界建立起深刻的联系。

本节目由梅赛德斯-迈巴赫特别支持，是《邂逅百年至臻传奇》系列企划节目之一。本次企划将从文化、历史、工艺、设计美学等多维度，解锁迈巴赫的百年传奇篇章，点击主题即可收听完整企划。 说起德国，大家脑中立刻会浮现出一连串的刻板印象：这是一个工业制造的强国，严肃、古板、效率至上的国家；这里生活着一群理性、务实、不解风情的工程师，对生活的品质不甚关注，和英国并称餐饮界的“暗黑双子星”。 有趣的是，如果你换一个角度，以上所有的刻板印象都能找到反例——这里是浪漫主义的发源地：从贝多芬到瓦格纳，他们的音乐激情翻涌；尼采的哲学像太阳一样炽热；弗里德里希的绘画，透露着孤独、渴望这些强烈的人类感情；维也纳的宫廷华美、奢侈，丝毫不逊色巴黎和罗马。在生活方面，被认为餐饮上最无趣的德国，恰恰是当代餐饮重要的创新力量；被认为不懂奢华的德国，凭借精密的工艺能力，实际上是奢侈品制造的大国。 当然说到工艺，人们很容易达成共识：德国一度孕育了世界上最精湛的制造工艺，并且在工艺基础上，发展出前所未有的审美——古典的美学传统、先锋的艺术理念和精密的工程技术相结合，构建起现代美学的底层结构。这种审美又反过来依赖德国强大的制造业走进千家万户，走进每个人的生活。 举世闻名的汽车品牌迈巴赫，正是这种德国极致工艺和美学共同孕育的结晶。它诞生在人类迈向现代的黄金年代，凝结着一个世纪的匠心；既维系了古典审美的秩序与尊严，又吸收当时大胆激进的艺术潮流，将艺术之美与机械之美融为一体，成为“完美工程”的典范。 今天，我们特别邀请中央美术学院的于润生老师和周博老师一起梳理德国现代工业和艺术发展的脉络，探讨两者如何相遇，进而牵引现代世界的审美，为大家讲述这个“艺术改变机器，机器又改变生活”的故事。 内容包括 02:30 从神圣罗马帝国到奥地利:“世界帝国”的艺术基因 08:05 从北方十字军运动到普鲁士:现代斯巴达是怎样炼成的? 13:16 哲学和音乐:德国冰与火 22:04 二十世纪德国艺术超越法国和意大利? 29:54科隆论辩:艺术服务自由表达还是国家机器? 41:49包豪斯:从神秘主义到伟大设计的摇篮 50:05现代艺术的诞生:用新的创造回应新的生活 56:43从古登堡到丢勒:德国精密审美溯源 69:00 工业让人类成为造物神,但代价是什么? 74:26“德味”的真相,是一种思考方式 80:40 双面德国:极致的循规蹈矩和极致的离经叛道 88:50 优美还是崇高:机械之美的元问题 99:35五百年大循环:从米开朗基罗到潮玩手办 112:20 贴金箔和画金色:哪一者更奢华? - 制作团队– 美术设计 子鹤 后期制作孙称 德国艺术基因溯源：从神圣罗马帝国到奥地利 公元5世纪，古罗马帝国虽然解体，但“罗马”作为一种文明理想并没有消失。当时盘踞在欧洲的诸多民族普遍接受了基督教信仰，认为欧洲需要一个普世教会以及一个帝国作为“世界教会”的容器和保护者。“罗马帝国”的观念因此在历史中被延续了下来。 公元9世纪，法兰克人的首领查理在教皇的册封下成为“罗马人的皇帝”，他的加洛林王朝成为神圣罗马帝国的早期形态。后来加洛林王朝后来一分为三，其中的东法兰克王国在10世纪再次被教皇加冕，当时成为“罗马帝国”。后来又更名为“神圣帝国”、“神圣罗马帝国”，直到16世纪确定为“德意志人的神圣罗马帝国”。 神圣罗马帝国中后期，由于宗教改革带来“教随国定”的原则，使得境内诸侯在政治层面迅速崛起。经过漫长的战争与外交，最终这些诸侯彼此承认主权，同时以哈布斯堡王朝担任的奥地利皇帝为名义共主，神圣罗马帝国有名无实——这就是伏尔泰形容的“既不神圣，也不罗马，更非帝国”的后期状态。1806年，随着对拿破仑战争的失败，这个延续900年的政治体宣布终结。 从神圣罗马帝国到奥地利的这条脉络主要分布在德语文化圈南部，承载了来自古罗马的政治理想、天主教的精神传统、宫廷文化、古典的音乐与绘画。这一体系塑造了今天德国文化基因中浪漫、精致的一面，也是德语文化圈中“艺术基因”的重要来源。 图为：神圣罗马帝国皇帝的大徽章；开创加洛林王朝的查理曼大帝 德国工业基因溯源：普鲁士的崛起 “普鲁士”这个名字并非来自德意志诸邦，而是源自波罗的海东南岸一支古老民族。早期的普鲁士人不奉行基督教。公元10世纪，教会鼓励德国中部的贵族和富人组织武装传教团，向异教徒武力传教，这便是历史上的“北方十字军运动”。这些武装修士被称为“条顿骑士团”，“条顿”就是“德意志”的同源词。 条顿骑士团在波罗的海沿岸建立根据地，一度非常强盛。但后来在与波兰—立陶宛联邦的对抗中处于下风，最终成为其封臣；由于他们占领了古代普鲁士人的土地，这片封地被称为“普鲁士”。后来，普鲁士和勃兰登堡伯国联姻，又由于普鲁士领主没有男性后裔，两块领地最终被合并到勃兰登堡领主的统治下，并继续沿用“普鲁士”作为名称。新的“普鲁士”在战争中击败瑞典，获得了王国的地位。 神圣罗马帝国中央集权不断衰落的过程，同时也是普鲁士王国不断崛起的过程。神圣罗马帝国解体后，普鲁士一度加入奥地利主导的德意志邦联。1866年，普鲁士在战争中击败奥地利，联合北方诸邦成立了“北德意志联邦”，这就是现代德国的雏形。历史课本说，19世纪下半叶普鲁士凭借对奥地利、丹麦、法国的三场战争胜利建立了统一德国。值得注意的是，近代德国是通过将奥地利排除在外，而形成的有条件统一，并非民族国家的完全形态。 从条顿骑士团到神圣罗马帝国的选帝侯再到北德意志联邦的核心，普鲁士的崛起是一条以军事、纪律、秩序、效率和制造能力为基础的道路。这条脉络构成了德语文化圈中强调理性和秩序的一面，也就是所谓的“工业基因”。 图为：爱沙尼亚的条顿骑士团古堡；1309年大团长齐格弗里德·冯·费希特旺根与他的骑士进入马尔堡城堡，这象征着骑士团的总部移驻至普鲁士 德国表现主义 德国表现主义是 20 世纪初，欧洲最重要的前卫艺术运动之一。表现主义是对现代性的早期视觉诠释，核心特征包括：粗犷的线条；浓烈、原始的色彩；扭曲、变形的人体与空间；表达焦虑、孤独、困惑、欲望、恐惧等情绪；反学院、反装饰甚至反对美丽本身。节目中提到了表现主义在德国的两个重要路径： 一是以德累斯顿为中心的“桥社”，由一群年轻建筑系学生于在1905 年成立。目标是“搭起通往未来的新桥”，用原始、狂野、反叛的方式摆脱旧制度和学院的束缚，创造一种面向未来的新艺术。 二是由康定斯基和弗朗茨·马尔克发起的，以慕尼黑为中心的“青骑士”。他们把表现主义的焦点更多推向了精神世界。 表现主义是冰冷现代性的产物，也是炽热灵魂的呐喊。它不仅是一场艺术运动，也是现代精神的象征。其中德国艺术以自己的方式，向世界展示了带着激情、孤独、尖锐和力量感的现代艺术。这场运动对现代建筑、设计、电影与戏剧深远影响。康定斯基更从表现主义出发，牵引出抽象艺术的全新谱系。 图为：埃贡·席勒的《爱德华·科斯马克肖像》; 弗兰茨·马尔克的《林中鹿》 维也纳分离派与克里姆特 19 世纪末至 20 世纪初，欧洲工业化加速。工业时代带来了生活方式和视觉呈现的转变，一种新的艺术潮流在欧洲各地兴起——这就是“新艺术运动”（Art Nouveau）。新艺术运动在不同地区呈现出各自特色，维也纳的“分离派”是其中的典型代表。 维也纳分离派出现于 1897 年，由画家、建筑师和设计师共同组成，核心诉求是摆脱学院主义和歌颂王权的追求和固有的审美标准，重新建立符合现代生活的艺术语言。相比于法国新艺术倾向于使用自然植物的曲线；分离派具有强烈的 结构意识和几何倾向，他们把自然图案压缩成纯化的几何单元，以稳定的秩序和严谨的构图来组织画面。这种从曲线装饰走向秩序与几何的倾向，为后来的现代主义提供了重要的过渡。 在分离派团体中，古斯塔夫·克里姆特处于绝对的中心。他既是创始成员，也是流派中最具象征的艺术家。克里姆特的创作体现了这种过渡的全部张力。他早期受新艺术运动的线条、装饰感影响，但很快在此基础上加入古典主义象征、拜占庭式金箔与精神性的隐喻。他代表性的“黄金时期”作品，将平面化的构图、严格的几何切分与华丽的金色背景结合在一起，形成一种同时具有古典性与现代性的视觉秩序。 图为：克里姆特的《吻》；《艾蒂儿肖像一号》 科隆论辩 德意志工业同盟在1914 年组织的科隆博览会，是德国工业化进程中的重要事件。期间发生的一场标志性的思想冲突，被后世称为“科隆论辩”。这场争论呈现出 20 世纪德国文化两

禅宗大师青原行思说，自己尚未悟道的时候，看山是山，看水是水；有所领悟之后，看山不是山，看水不是水；最后修行到安稳自在的境界，终于看山仍是山，看水仍是水。这段十分著名的论述，揭示了认知逐渐深入的过程——我们首先透过感官看到物质世界的山水；然后超越感官，发现了山水中的观念；最后探索出两相调和，返璞归真的路径。从此“山水”在我们的日常语言里，成为一种比喻，代表着世界和自我，看懂山水也就看懂了世间万物。  自古以来，中国人就对“山水”有着特殊的情结。直到今天，“看山水”仍然是一种潮流。越来越多的人登山徒步，探索现实世界的崇山峻岭。也有越来越多的人走进美术馆、博物馆，被《千里江山图》、《溪山行旅图》这些艺术中的山水所吸引。 但我们不禁要问，当我们看向山水的时候，是否看到了青原行思、范宽、宋徽宗、苏东坡、黄公望这些古人所见的东西？为什么我们常常觉得，现实与艺术、感官与心象之间，始终存在着某种距离？ 事实上这个微妙的距离，恰恰是东方山水审美的独特之处，也是理解整个东方美学的钥匙。 本期节目由LOHKAH七尚酒店集团赞助播出。七尚东方的自然智慧，致力于为旅者打造身心自在的灵感场域，致力于在当代语境下为大家阐释古老而深邃的山水哲学。那这份玄妙的山水之美究竟为何呢？我们邀请中央美术学院的黄小峰老师，为我们解读东方的山水意识，同时以审美为钥匙，为我们打通这条“看山仍是山，看水仍是水”的道路。 内容包括 02:34 何为山水？自然物质和人类想象共同构筑 10:48 一叶障目，不见泰山：障目的不是叶子，是认知的极限 13:19 山水神话：仙山、洞天和永生渴望 18:23 风水堪舆：在经验和超验之间，解读天地秩序 24:57 九州与九鼎：大禹治水的真相和最初王国的诞生 33:12 隐士的经济生活：王维与陶渊明的两种归隐 42:48 山中日月长vs时间碎片化：现代人的感知断裂 49:10 念念远山：那些把生命交付给山川的人 56:49 水沫流云、自然之声：山水里的ASMR 62:45 冥想：叙事性自我的幻觉和当下的真实体验 72:02 坐看云起时：山水背后的文人趣味与本源性探索 81:12 溪山行旅是开悟之旅：画中行脚僧对话画外观看者 96:29 文人、道士和牢狱之灾：富春山居图是黄公望的一生 109:27 中国山水意识在东亚文化圈的审美流动 113:17 山水与复兴：重构山水就是重建文明 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 LOHKAH七尚酒店集团：在山水哲学中重建栖居之道 LOHKAH七尚诞生于东方故壤的风土，根植于东方独有的山水意识。山水在这里，不仅是一种自然景观或审美风格，更是一种关于存在、平衡与自我觉知的哲学。七尚酒店以此为精神核心，致力于为旅者构筑一个身心安顿的灵感场域。通过空间、光影、气息与声音的协调，酒店实现了“造化自然”与“因心造境”的共鸣，让建筑成为自然的延伸，让旅程化为一场心灵的回归。 作为全球奢华酒店联盟——立鼎世集团的成员，七尚酒店隶属于七尚集团，拥有两个品牌七尚和七栩，共四家酒店，分别坐落于厦门与泉州。这两座城市承载着海上丝绸之路的历史底蕴，汇聚了海洋文化与闽地文脉的交融精神。七尚以当代设计语言重释“山水之居”，让东方山水哲思在现代生活中重新生长——不止于视觉的审美，更深入精神的感知与共鸣。在此，旅者既能感受时间的流动与气息的安稳，也能在自然与心灵之间，找到属于自己的平衡与归处。 图为：LOHKAH七尚酒店集团 洞天福地“洞”者，通也。所谓“洞天”，指地上的仙山，即神仙居住的名山胜地。洞天理论创自东晋，发展于南北朝，经过唐宋间道士的不断演绎，最终在唐宋时期形成了极为完备的“洞天福地”体系。 据宋代萧道冉《修真太极混元图》记载：“若人奉行大道，炼精为丹，自可长生。炼气成神，自可弃壳升仙。……自三岛而入洞天。洞天在虚无之间，是天仙所居之位也。”这段文字揭示了“三岛”与“洞天”“仙居”之间的内在联系——修炼者通过炼精化气、炼气化神，从人间到三岛，再入洞天，完成由凡入仙的过程。 在这一思想影响下，道教对现实与想象中的山川进行了系统化的整理与分级，形成了“十大洞天、三十六小洞天、七十二福地”的格局。终南山、茅山、龙虎山、罗浮山、武当山、青城山等名山相继被纳入其中，成为神话与信仰的载体。道士们认为，这些山川蕴藏着与天界相通的秘境，或聚天地灵气，或通往虚无之境。修行者进入此类空间，使自身的身体与气息与山水同构，从而得以感应天地之气，修炼成仙。由此，山水被赋予了通向永恒的象征意义。人们把它当作超越现实、追求不朽的精神投射。 图为：《虚无洞天图》、《海中三岛十洲之图》等道教资料所描绘的蓬莱三岛十洲如何藉由“洞”连接到尘世；唐韩休墓北壁壁画山水图表现洞天题材；仿马远《洞天论道图》（大都会艺术博物馆藏）。 风水堪舆 “风水堪舆”是中国古代关于人与自然关系的研究。它既是一种关于天地气脉与人居环境的经验系统，也是一种具有哲学深度的宇宙观。去除神秘化的外衣，风水堪舆可以被理解为帮助人在天地之间找到身心安顿之所的学问。 “堪”为勘察；“舆”为承载，合为“堪舆”，意指通过观察地势、山川、气象，以确定宜居宜生的方位与格局。古人认为世界是一个充满“气”的生命系统，山川起伏、风行水动，都是气的流动轨迹。如果能顺应天地之气，寻找居所，人与自然就能和谐共生。 风水的终极目标是追求“天人合一”，在自然与人造空间之间实现气脉贯通、情理相应、虚实平衡。自宋代以来，风水与美学、建筑、园林艺术深度融合。古人提出“造园如作画”，园林设计遵循“虚实”、“开合”、“动静”、“藏露”等山水之理。文人园林通过窗景、曲水、小桥、假山等形式，营造“虽由人作，宛自天开”的自然境界。风水由此也成为中国空间美学的重要原则。 七尚酒店集团所提出的“山水哲学”正是依据这一原理，通过空间的气息、流动与光影，强调气脉贯通与感官平衡，重建人与自然的和谐关系，让人能在“造化自然”与“因心造境”之间获得心灵安处。这种设计延续了堪舆之学的核心追求——让居住成为一种与天地共呼吸的存在体验。 图为：明孝陵；清人绘制的《明十三陵图》：以俯瞰视角，从石碑坊入口，经过数道门后进入陵园，主道两边有石狮、石马等守护，里面道路四通八达，到达皇族墓前。明十三陵坐落于北京市昌平天寿山麓，从成祖文皇帝朱棣至思宗朱由检共有十三名明皇帝陵墓。 九州与九鼎 《禹贡》记载，大禹治水时，通过顺应山势，引导江河流向，“导山导水”奠定了世界的地理格局，划分天下为九个地理区域，也就是“九州”。 据传，大禹又命各州进贡金属，熔炼铸成九口大鼎，置于都城，以象征天下山川之德。鼎上镌刻的山川图像，既是地理图，也是天地秩序的象征。 从此“九州”和“九鼎”成为中国古代政治和地理观念中，最具象征意义的一对符号。它们不仅代表了国家的空间秩序，也体现了中华文明早期以地形建制、以山川标志政权的世界观。 古史学家徐旭生认为，上古时期的治水往往局限于在部落前修堤坝的防御性工程。但是大禹的治水则具有改造地貌、统筹区域资源的特征，其规模远超单一部落的能力。这种跨区域协同的水利行动，意味着一个能够统御广袤地域、调动多部族共同协作的政治主体已经出现——这正是王国政治的雏形。 图为：禹贡九州山川图。据《尚书·禹贡》记载，大禹通过导山导水梳理黄河、长江流域主要山脉与河流，并将地理面貌关联到周人的"五服"制度和以王畿为中心的政治模型。 自然王国 费孝通认为，中国古代的士人阶层将孔孟老庄的努力相混合，形成一种理想政治的形态，并以此投射在山水之中，构建了一个精神层面的理想世界，他把这个世界称为“自然王国”。这里的“自然王国”是相对于西方哲学中的“必然王国”和“自由王国”而言的，体现出截然不同的文明取向。 在黑格尔与马克思的体系中，人类的世界分为两个领域：必然王国（Kingdom of Necessity）指人类必须服从自然与社会规律的世界，如生理需求、物理法则、政治秩序“必然”约束着你；自由王国（Kingdom of Freedom）则意味着，当人类理解并掌控这些规律，就能从被动服从中解放出来，凭理性与技术“征服自然”，成为主人，获得“自由”。 但费孝通认为，中国文化的路径并不以征服为目标，而试图在理想政治、道德秩序与自然哲学之间找到平衡。所谓“外师造化、中得心源”，如果身心与天地自然同频，天人合一，同样也能自由，他称这是中国士人强大的独立的精神系统，叫做自然王国。正因

幸福，是人类亘古的追求。随着文明迈向现代，技术进步、城市空间扩张，社会思潮激荡，重塑了人们对世界和自我的认知，对幸福的理解也随之悄然变化。 目前，巴黎奥赛博物馆迄今在华规模最大的展览《缔造现代：来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝》正在浦东美术馆展出。呈现的正是梵高、莫奈、塞尚、高更、马奈等艺术大师，在这个传统秩序瓦解，现代生活缔造的特殊时段，用新的技艺、新的视觉语言，带着对艺术新的理解，为人们塑造出多重的幸福想象。 2025，兰蔻迎来90周年。在这重要时刻，兰蔻以艺术为名，作为独家品牌合作伙伴与浦东美术馆共同呈现本次奥赛大展，并在展览期间特别策划了“艺谈会客厅”系列公教活动。 本期节目，《剧谈社》受邀以“幸福此刻”为主题和艺谈会客厅的学术策划、策展人、艺术评论家沈奇岚，艺术史教授王瑞芸以及艺术家李竞菲展开对话，和大家一起从梵高的卧室走向无穷的远方，分享艺术如何捕捉生活的滋味，承载快乐与悲伤，帮助一代又一代的人们触达此刻的幸福。 内容包括 02:49 幸福是河畔的一阵风，是一场没有噩梦惊扰的睡眠 09:22 缔造现代：艺术家的目光从天上转向人间 16:36 两种舒展：海上女神和富养的人间女子 17:58 上帝死了：我们重估价值，我们追寻幸福 21:34 印象派：古典和现代艺术的分水岭 26:00 梵高：穿越痛苦，直达深邃的生命体验 32:15 真实的梵高、媒介里的梵高、心中的梵高：穿透三重影像 39:18 劳特累克的眼睛：在边缘中看见生命的光彩 45:15 走向远方，回到起点，成为完整的自我 52:02 缔造现代之后，艺术有了更宽阔的空间安顿灵魂 63:25 今天的我们如何通过艺术触达此刻的幸福 - 制作团队 – 美术设计 子鹤 后期制作 孙称 图为：阿尔弗雷德·史蒂文斯的《沐浴》，表现了被现代生活富养的女子，折射出19世纪后期社会物质条件的显著改善。 图为：爱德华·马奈的《海滩上》。模特是他的弟弟欧仁马奈和夫人苏珊娜，温情之下隐藏着一段隐秘婉转的感情。 图为：奥古斯特·雷诺阿 的《尚罗赛的塞纳河畔》。幸福可以是河上吹来的一阵风，一个无功利的瞬间。 图为：爱德华·维亚尔 《在床上》，描绘教会医院里一个安静的沉睡的小孩。幸福可以是一场没有噩梦惊扰的睡眠。 图为：亚历山大·卡巴内尔《维纳斯的诞生》。表现美神维纳斯侧躺在海浪上，展现比例完美的身体，代表一种神性的，绝对标准下的美。 图为：文森特·梵高《在阿尔勒的卧室》和奥维尔小镇Auberge Ravoux客栈里的梵高卧室。梵高于1890年入进这里，直至去世。前者是梵高充满希望等待高更时的居所，后者是梵高去世前最后的房间。尽管对应着梵高人生不同的处境，但一种贯穿始终的力量将两者相连接。也提示我们，幸福未必等同于快乐，它可能是一种复杂的、带有痛感的生命体验。 图为：文森特·梵高《自画像》。 王瑞芸老师点评：梵高的色彩如同宝石一般干净、明亮、纯粹。他的感情纯度同样远远超出同时期其他画家，对笔下的平凡之物都倾注了全部的注意力和全部的爱。 图为：亨利·德·图卢兹-劳特累克《花园中的女人》。劳特累克经常关注都市里相对边缘的人物：舞女、歌女、模特，很多也是他的朋友。她们不是古典理想的化身，而是生活在我们身边的普通人。在劳特累克笔下，她们又不那么普通，她们的日常、她们的孤独、她们的存在感交织在一起，构成有血有肉的人，她们也在体验幸福。 图为：爱德华·马奈《女人和扇子》和奥诺雷·杜米埃《克里斯潘和斯卡潘》。两者都捕捉了活灵活现的表情瞬间。 图为：克劳德•莫奈的《睡莲》和《贝勒岛荒野海岸的岩石》。前者是自家花园的池塘，后者是北大西洋的寒冷海岸。从近处到远方，画的都是心灵的风景。 图为：马塞尔·杜尚 《泉》。 作为最早的重要现成品艺术和观念艺术，杜尚的《泉》被普遍认为是开启了后现代艺术的历史性作品。不登大雅之堂的小便池和新古典主义大师安格尔的同名作品中极尽柔美、优雅与纯洁的少女之间形成巨大反差。体现杜尚对艺术权威和美学传统的反叛。 在漫长的时间里，艺术作为一种权威，辖制着人们。而杜尚的宣告是：不是人去服从艺术的标准，而是艺术必须服从人。艺术的核心不再是美，而是成为每个人表达自我、安顿灵魂的空间。