Publicidad en podcasts en: El Invitado de RFI

La cantante venezolana Eliana saca al mercado el próximo 24 de octubre “Le voyage extraordinaire de Coline Bernard” su primer álbum íntegramente en francés. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Eliana es cantante, compositora e intérprete, nacida en Caracas, Venezuela. Su trayectoria artística se ha desarrollado entre Venezuela y Francia. Su propuesta combina el jazz con la música latinoamericana, la poesía, la canción francesa y elementos de la tradición musical venezolana. Desde 2017 está instalada en Francia. Eliana creció en un ambiente familiar muy vinculado a la música. Su padre era músico y desde pequeña escuchaba repertorio latinoamericano, entre ello Bobo de la yuca, asociado a Benny Moré. También desarrolló tempranamente admiración por Édith Piaf y La Lupe, a quienes comenzó a imitar. Entró a formar parte del Teatro del Laberinto a los 8 años, lo que hizo que teatro y música estuvieron unidos desde su infancia y adolescencia. Durante su formación teatral tuvo contacto con repertorio del musical estadounidense, incluyendo canciones como I Feel Pretty, My Favorite Things e I Got Rhythm. Esta experiencia ayuda a explicar la posterior combinación que caracteriza su trabajo: interpretación escénica, canto y exploración de diferentes tradiciones musicales. En 2017 se trasladó a Francia. Allí continuó su formación musical al mismo tiempo que estudiaba literatura hispanoamericana, disciplina que, según la información publicada sobre ella, utiliza como fuente de inspiración para sus composiciones. Su experiencia migratoria terminó convirtiéndose también en parte de su lenguaje artístico. Su música reúne elementos de distintas procedencias y, en particular, combina su herencia venezolana con el jazz y otras influencias adquiridas en Francia. Su primer álbum « Instants d'après-midi » fue publicado en 2024. En la grabación y presentación del proyecto participaron, entre otros, Arthur Baud (bajo), Miguel Castro (guitarra), Mehdi Laakairi (batería) y Luisa Frago (saxofón). En abril de 2024 presentó el proyecto en una “release party” en Le Baiser Salé, uno de los conocidos clubes de jazz de París. La dimensión teatral no ha desaparecido de su carrera musical. De hecho, uno de sus proyectos posteriores gira alrededor de un personaje llamado Coline Bernard. Después de Instants d'après-midi, Eliana comenzó a desarrollar Le Voyage extraordinaire de Coline Bernard, concebido como un universo musical y narrativo en el que el público sigue las peripecias de este personaje a través de diferentes presentaciones. El nuevo proyecto amplía considerablemente sus referencias musicales. Además del jazz, incorpora influencias de Charles Mingus, Debussy, Chopin y la poesía de la Beat Generation, junto con composiciones propias. En 2025 desarrolló este proyecto mediante una residencia en Le Baiser Salé. Una de las últimas fechas de aquella residencia fue el 23 de julio de 2025, en un concierto junto a César, Aoko Soga al piano y Dereck Louwerse al contrabajo.

El historiador y empresario cubano Omar Sixto presentaba este martes en la Maison de l’Amérique latine de París su libro “Se acabó la diversión, la economía cubana: el salto del capitalismo al socialismo (1959-1965)”. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.   Omar Sixto nació en La Habana en 1969, en el barrio de Luyanó, y se crio en El Cerro. Es sobrino del artista cubano Florencio Gelabert (1904–1995), músico, pintor y escultor. Salió de Cuba el 23 de septiembre de 1995, cuando tenía 26 años. Posteriormente desarrolló una trayectoria empresarial, incluida actividad en el comercio de calzado, además de su trabajo como escritor e investigador de historia cubana. Su libro “Se acabó la diversión” estudia fundamentalmente la transformación económica y social de Cuba durante los primeros años posteriores a 1959. El propio Sixto explica que el origen del texto estuvo en una tesis universitaria de grado, de la que conservó estadísticas y materiales de investigación para el libro. Mantiene el proyecto “Cuba olvidada: Recordar el pasado es recuperar el futuro”, dedicado a la investigación y divulgación de episodios de la historia cubana. Entre sus proyectos anunciados figura El tren de los egos. “Historia documentada del primer ferrocarril de Hispanoamérica (1834–1842)”, además de una historia de La Habana correspondiente al período 1859–1893. El título “Se acabó la diversión” alude además a una conocida canción de Carlos Puebla, asociada a la llegada de Fidel Castro al poder; Sixto utiliza el título en un sentido histórico relacionado con la ruptura del sistema económico y social cubano a partir de 1959.

El violoncelista venezolano Gregorio Nieto ha sido nominado a los Grammys latinos en la categoría Musica clásica por su álbum ‘Op. 33, Romantic Cello’’. El ganador se dará a conocer el próximo 12 de noviembre de 2026 en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Gregorio Nieto es un violonchelista venezolano de proyección internacional radicado en Nueva York que concibe el violonchelo como una voz más que como un instrumento en sí mismo, desarrollando un lenguaje artístico propio basado en la autenticidad. Inició su formación en Barquisimeto, conocida como la ciudad musical de Venezuela, dentro del Sistema Nacional de Orquestas, fundado por el Maestro José Antonio Abreu, quien con el tiempo se convertiría en su gran mentor. Desde los 10 años inició un recorrido dentro del Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela que lo llevó a formar parte de sus principales agrupaciones, desde la Orquesta Nacional Infantil y Juvenil hasta la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, participando en giras internacionales por América Latina, Europa y Estados Unidos y trabajando con directores como Giuseppe Sinopoli, Simon Rattle, Claudio Abbado y Gustavo Dudamel. Posteriormente, a los 22 años, obtuvo por concurso el puesto de primer violonchelista solista de la Orquesta Sinfónica de Venezuela, la más antigua del país. Su desarrollo como solista comenzó en Venezuela, donde formó parte de la Academia Latinoamericana de Violonchelo bajo la guía de William Molina. Posteriormente realizó una breve estancia en París en 2005. Años más tarde se trasladó a Moscú, donde fue admitido en el Conservatorio Tchaikovsky, integrando la exclusiva cátedra de la legendaria violonchelista rusa Natalia Gutman, siendo uno de sus cinco alumnos entre 2009 y 2012. Durante este período debutó como solista en 2011 en la Sala Filarmónica Tchaikovsky de Moscú, en el concierto “Gutman y sus alumnos”. Complementó su formación con clases magistrales de destacados maestros como Gary Hoffman, Philippe Muller, Miklós Perényi, David Finckel y Richard Aaron. Desde su llegada a Nueva York, con motivo de un concierto privado para la distinguida diseñadora venezolana Carolina Herrera, Gregorio estableció una conexión instantánea con la energía vibrante de la ciudad, su desbordante inspiración artística y su riqueza multicultural, elementos que lo hicieron sentirse en casa y que han sido fundamentales en la evolución de su identidad artística y en la proyección de sus proyectos. Desarrolla una activa carrera como solista, con presencia especialmente en Estados Unidos y Europa, en paralelo a una línea de producciones discográficas realizadas bajo el sello ARIAclassics y con la producción ejecutiva de Cora Capriles. Entre ellas destaca su álbum Esencia: Latin American Masterpieces for Cello and Piano, junto a la pianista japonesa Riko Higuma, con la participación del Maestro Paquito D’Rivera, quien lo ha descrito como “uno de los mejores chelistas con los que ha tenido la oportunidad de tocar”. Grabó Opus 33 – Romantic Cello junto a la London Symphony Orchestra. Actualmente prepara el lanzamiento de su más reciente álbum para cello y piano, titulado Berceuse for the Soul, dedicado al repertorio francés, previsto para diciembre de 2026. En el ámbito académico participa como jurado en importantes certámenes internacionales, entre ellos el Concurso Internacional de Violonchelo Kachaturián. Además del repertorio clásico tradicional, Gregorio ha mostrado un marcado interés por la creación de música contemporánea, colaborando en este ámbito con figuras como Paquito D’Rivera y Arturo Márquez, y manteniendo actualmente proyectos con Gonzalo Grau y Anthony Hopkins, en un entorno de colaboración que incluye al maestro Gustavo Dudamel, consolidando una presencia activa en el panorama internacional.

El pianista de jazz francés Adrien Brandeis presenta el sábado 17 de octubre en el Auditorio Jean-Pierre Miquel de Vincennes, a dos pasos de París, su nuevo álbum en solitario “Handmade”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Adrien Brandeis es pianista y compositor de jazz, nacido en la ciudad francesa de Annecy en 1992, graduado en el Conservatorio de París. En 2017 produjo su primer álbum, «Euforia», que cosechó un gran éxito internacional y lanzó a Adrien al primer plano de la escena del jazz tras ganar el premio Letter One Rising Stars Jazz Award 2018. En 2020 compuso su segundo álbum, «Meetings», con el que evolucionó hacia un sonido más moderno y fresco. El álbum fue seleccionado por TSF Jazz entre los 10 mejores discos de jazz en Francia. En 2022, «Siempre más allá» supuso el homenaje personal de Adrien a México tras haber realizado varias giras por el país. En noviembre de 2022 recibió el Gran Premio UNAC al Nuevo Talento de Jazz (UNAC - Unión Nacional de Autores y Compositores de Francia). En mayo de 2025 lanza su cuarto álbum, «Résurgence», marcando su regreso a la escena francesa y europea. Es un proyecto compuesto por piezas profundas y exigentes, interpretadas con una expresividad musical exquisita y un despliegue de ritmos impulsados ​​por melodías poderosas y una gran riqueza armónica. En busca de nuevos retos, resultó ganador de la 21.ª edición del Concurso de composición de música para cine «Musique en Courts» 2025. En 2026 publica su quinto álbum, «Handmade», testimonio de sus numerosos recitales por todo el mundo. A sus 33 años, Adrien Brandeis ya ha presentado su música en algunos de los festivales de jazz más importantes de Europa (Nice Jazz Festival —Francia—, Umbria Jazz Festival y Roma Jazz Festival —Italia—, Jazz Open Stuttgart —Alemania—, Love Supreme Jazz Festival —Reino Unido—), así como en Asia (Jazzmandu —Nepal—, Kolkata Jazz Festival —India—, Blue Note en Shanghái y Pekín —China—) y en América del Norte (Zacatecas Jazz Festival, Polanco Jazz Festival y Festival de Música de Morelia —México—; San Jose Jazz Festival —Estados Unidos—).

El periodista e historiador del futbol peruano Antenor Guerra-García ofrecía una conferencia sobre la historia del futbol peruano en el Consulado de Perú en París. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Antenor Guerra-García es Licenciado en Comunicación en la especialidad de periodismo por la Universidad de Lima. Es autor de los libros El Fútbol Peruano: Protagonistas de su historia (Dos ediciones y Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2017); Seleccionario: Diccionario de jugadores de la selección peruana 1927-2017); El Fútbol Macho. 50 años de Copa Perú (Nominado al Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2019); Equipos que fueron (Nominado al Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2021) Celeste para siempre (2022), Temporadas Internacionales de Fútbol en Perú 1924-1974. (2022), Estadios en Perú (Nominado al Premio Luces Mejor Edición Especial Diario El Comercio 2023, Universitario El más campeón (2024. Dos ediciones), DiccionariU Jugadores de Universitario de Deportes 1924-2024 (2024), Las mejores U en Crema y Negro (2025) y El Fútbol Achorado. El Mundialito de El Porvenir (En imprenta 2026) En 1986 formó parte del grupo de periodistas que fundó el suplemento Deporte Total del diario El Comercio. Entre 1991 y 1995 trabajó como consultor en proyectos del Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA). En 1992 ganó en Barbados el premio de periodismo en Latinoamérica de la Federación Internacional de la Planificación de la Familia (IPPF). Entre 1998 y 2010 fue jefe de Prensa de la Universidad de Lima y director de Proyectos del Grupo de Opinión Pública de esa casa de estudios. Entre el 2011 y 2012 fue gerente del Área Social de Arellano Marketing. Entre el 2023 y 2024 fue gerente de Sunqu Consultoría de Comunicación. Es Consultor Senior de Pleno Ingeniería Social. Colabora con las revistas Once, Sudor, Caretas y el portal de noticias Infobae. Ha dictado el Curso de Extensión “Historia del Fútbol Peruano” para el Instituto Riva Agüero (PUCP). Realiza  Pódcast sobre temas de fútbol para la Asociación Cultural Peruano Británica.  Página web: antenorguerragarcia-libros.com

La escritora mexicana Guadalupe Nettel participa este viernes en una mesa redonda, en la Maison du Méxique de la Cité Internacional de París, entorno a las relaciones literarias entre Francia y México en el marco de los actos del segundo centenario de las relaciones diplomáticas entre ambos países. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  La escritora Guadalupe Nettel (Ciudad de México, 1973) es, sin lugar a dudas, una de las escritoras más determinante en la literatrua contemporánea, por sus temas, complejidad de su obra y por su trabajo como promotora y difusora de la litertura y la cultura. Es egresada de la licenciatura en Lengua y Literatura Hispánica de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), y tiene un doctorado en Ciencias del Lenguaje por la École des Hautes Études en Sciences Sociales de París. A los 17 años ganó el Premio Punto de Partida, organizado por la dirección de literatura de la UNAM en 1991 y un año después obtuvo el segundo lugar en el Grand Prix International a la Meilleure Nouvelle de Langue Française, organizado por Radio Francia Internacional. Su obra ha sido galardonada con distintos premios como el Premio Anna Seghers 2009, el Premio Antonin Artaud 2008, el Premio Nacional de Cuentos Gilberto Owen 2007, en 2013 obtuvo el Premio Internacional de Narrativa Breve Ribera del Duero con el libro El matrimonio de los peces rojos​ (Páginas de espuma, 2013) y en 2014 el Premio Herralde de Novela con Después del invierno (Anagrama, 2014). Entre sus obras publicadas se encuentran dos ensayos sobre los escritores Julio Cortázar y Octavio Paz, quien fue el tema de su disertación doctoral. Su cuento Fenêtre participó en el proyecto In my Room, dirigido por la artista multimedia Agnès De Cayeux en el Centro Georges Pompidou y fue adaptado por la cadena de televisión ARTE. En 2007 fue seleccionada por el Hay Festival como una de las autoras de Bogotá 39. Ha dirigido hasta el 2010 junto con Pablo Raphael, la revista Número 0, un proyecto de intersección entre las culturas iberoamericanas y francófonas.  También ha colaborado en distintas revistas y suplementos literarios francófonos e hispano-hablantes como L’atelier du roman, L’inconvénient, Qué Leer, Confabulario, El Ángel, Letras Libres y El País. El huésped es su primer libro y empezó a escribirlo 10 años antes de su publicación, aproximadamente en 1995. El desdoblamiento, la belleza extraña, la forma rebelde a la norma, son algunos de sus temas  Obras Les jours fossiles (Éditions de l'Éclose, 2002) · El huésped (Anagrama, 2006) · Pétalos y otras historias incómodas (Anagrama, 2008) · Para entender a Julio Cortázar (Nostra Ediciones, 2008) · El matrimonio de los peces rojos (Páginas de espuma, 2013) · Después del invierno (Anagrama, 2014) · Octavio Paz. Las palabras en libertad (Taurus, 2014) · El cuerpo en que nací (Anagrama, 2019) · La hija única (Anagrama, 2020) · El caribe No. 874- 875 (Revista de la Universidad de México, 2021) · Los Muertos: Day of the Dead Fiction (Tinta Books, 2025)

La escritora venezolana Carol Prunhuber presenta este viernes en la Maison de l’Amérique latine de París su libro "De Venezuela al Kurdistán, crónicas de un destino" editado en Madrid por Kálatho Ediciones. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Carol Prunhuber (Caracas, Venezuela, 26 de julio de 1956) estudió Letras en Caracas y posteriormente cursó un doctorado en estudios hispanoamericanos en la Universidad de París. Desarrolló su trabajo periodístico en asuntos internacionales, se concentró específicamente en la situación del pueblo kurdo, y en los derechos humanos. ​ Comenzó a escribir para periódicos en español y después trabajó como agregada de prensa con destacados diplomáticos y políticos en Madrid. Fue corresponsal en el extranjero para el periódico venezolano El Nacional en Madrid en los años ochenta. Conoció al líder iraní kurdo Abdul Rahman Ghassemlou en París en 1983.​ Mediante la agencia de noticias francesa Gamma TV, Carol viajó en 1985 a Kurdistán iraní, en Bagdad, para filmar sobre la lucha de los kurdos en Irán. Después de tres años de extensa investigación y entrevistas, Carol terminó de escribir Pasión y muerte de Rahmán el kurdo en 1991.​ El libro fue traducido al turco y al kurdo en 2009.​ Ha escrito varios libros, incluyendo Agua, silencio, memoria y Felisberto Hernández (Caracas, 1986) y Pasión y muerte de Rahmán el kurdo (1991), y es coautora de Femmes: Les Grands Mythes Féminins à travers le monde (París, 1987) y Women: Around the World y Through the Ages (USA, 1990).​ En 2019 Carol publicó su libro Sangre y Asfalto sobre las protestas en Venezuela de 2017, que fue presentado en Madrid,​ en París,​ y en la Feria del Libro de Miami.

La mexicana Alicia Leos es la directora del  Festival Mujer Mariachi que va a tener lugar del 25 al 27 en París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI acompañada por Greta Guzman, coordinadora de comunicación y Sofía Viramontes encargada de su Expofoto. Cantautora e intérprete, Alicia Leos es originaria de la norteña Cd. Cuauhtémoc, Chihuahua, México. Es fundadora de "ArrieraSomos", el primer Mariachi Femenil de la historia de Francia (MFAS). Desde temprana edad ha demostrado una gran pasión por la música popular latinoamericana en general y, en particular, por la música tradicional mexicana. Durante más de diez años, ha estado involucrada en varios proyectos musicales, tanto amateurs como profesionales, en París y la región parisina. En 2020 crea una AC artístico-cultural para llevar a cabo su proyecto de Mariachi Femenil, así como un Podcast con el objetivo de entrevistar a mujeres artistas de diversas disciplinas, a artesanas y a creadoras, liderando un conversatorio relacionado con sus trabajos, pasiones y trayectorias profesionales. Como parte de este proyecto, crea en paralelo la marca comercial "Châlilèe • amourmextil", dedicada a la promoción y venta del arte textil mexicano. Este 2023 inaugura CASARRIERA Productions, una microempresa dedicada a la producción de músicas y espectáculos latino-mexicanos, con el objetivo de continuar desarrollando y profesionalizando su pasión por la transmisión del arte y la cultura. En 2021 publica su primer EP de 6 títulos, intitulado ÉPOCAS una coproducción entre su ciudad natal Cuauhtémoc y su ciudad de corazón, París; dicho material discográfico con 3 canciones de su autoría: “Épocas”, “Lo que tuve contigo” y “Mi raíz”, un canto de amor por México; (esta última pieza existe también en versión mariachi) Así como también 3 poemas musicalizados: “Salsa de Baudelaire” (Sur Le Tasse en prison) de Les Fleurs du Mal de Charles Baudelaire; “Balada de mi nombre” de la poeta chilena Gabriela Mistral y “Motivos” de la poeta brasileña Cecilia Meireles.

La artista argentina Ruth Arbiser acaba de inaugurar una exposición à dúo con la también argentina Alicia Dujovne Ortiz en "Le Select", una de las míticas braserías del barrio parisino de Montparnasse.  Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Ruth Arbiser artista y psicologa, nació en Buenos Aires pero vive y trabaja en París desde sus dieciocha años. Esta exposición individual permite a Ruth Arbiser mostrar al espectador la curiosidad que le despiertan las escenas de la vida cotidiana. Desde las ventanas de su espacio creativo, los objetos se transforman adquiriendo nuevas proporciones y nuevos significados. Con un estilo marcado por lo irreal, Arbiser aborda sutilmente cuestiones actuales, tal y como podemos apreciar en ‘Devaluación’, donde los billetes parecen esfumarse, una metáfora clara de las tensiones económicas contemporáneas. Tal y como ella misma afirma: “Quien quiera expresar ideas detalladas, que escriba un libro”. Alicia Dujovne Ortiz, periodista, escritora y artista autodidacta argentina; nacio en Buenos AIres. Su obra gráfica fusiona recuerdos de infancia, imágenes aparentemente inocentes, episodios de la vida y asociaciones caprichosas con un estilo artístico sumamente espontáneo. Si bien inicialmente puede parecer desenfadada y humorística, también nos invita a reflexionar sobre la relación de cada persona con su propia infancia y su papel en la formación de su personalidad. Las apariencias engañan en sus obras, que subvierten con ingenio las convenciones de la imaginería infantil. La artista transforma estas convenciones en escenas inquietantes o absurdas. La metamorfosis impregna su trabajo: crea retratos de animales que reflejan su ferviente compromiso con los derechos de los animales.

Los artistas argentinos Chiachio & Giannone acaban de inaugurar en la Galería Bendana Pinel de París su muestra “La familia elegida”. Naturalmente han estado Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. El dúo artístico Chiachio & Giannone está compuesto por Leo Chiachio (Buenos Aires, 1969) y Daniel Giannone (Córdoba, Argentina, 1964), pareja tanto en el arte como en la vida, quienes viven y trabajan juntos en Buenos Aires desde 2003. Ambos cuentan con estudios académicos en pintura, mientras que han decidido utilizar el arte textil como lenguaje para contar su historia, bordando como si pintaran con aguja e hilo. Su obra reciente consiste en piezas realizadas con materiales domésticos rescatados de casas de amigos y de las suyas propias, que cuentan o llevan la historia reciente de sus lugares de origen. En ellos, el dúo presenta su familia, integrada también por tres perros dachshund como hijos/mascotas, en ambientes festivos, a la usanza de los retratos familiares tradicionales, subvirtiendo las nociones de familia actuales. Junto a sus exposiciones alrededor del mundo, Chiachio & Giannone trabajan con las comunidades locales en la creación de piezas colaborativas que celebran la diversidad, difuminando las líneas de género y cuestionando la forma en que las identidades, especialmente la LGBTQ+, han sido presentadas por la historia. Su proyecto Celebrating Diversity fue presentado por el Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles (California) en 2019, oportunidad en la que junto a 3.000 participantes de la comunidad local bordaron una bandera del orgullo de 36.5 metros de largo, con la que lideraron el Pride 2022 de Long Beach el pasado mes de julio. Entre enero y marzo de 2020 participaron de una residencia y posterior exposición en el Lux Institute de San Diego (California), en tanto que entre febrero y abril de 2022 presentaron su proyecto Hope Will Never Be Silent en Transpalette – Centre d´Art Contemporain en Bourges (Francia). Junto a Isabel Croxatto Galería presentaron Genio Doméstico en 2019, su primera exposición en Chile, ocasión en que la dupla realizó la actividad colaborativa Bordatón y donó una pieza inédita al Museo Violeta Parra en homenaje a la artista y a los heridos durante el 18-O; mientras que en enero de 2021 curaron la muestra virtual CUIR en la plataforma ICG+, que reunió las obras de una constelación de 20 artistas queer de toda América. Chiachio & Giannone viven y trabajan en Buenos Aires.

El artista francés Louis Durot acaba de inaugurar en la Galería Argentina de París una exposición que con el nombre de “Alquimia y diseño pop” se enmarca en la “París Design Week”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Louis Durot es químico, diseñador y escultor francés. Nacido en París el 28 de abril de 1937, su trabajo se inspira en el “pop art”. Tras una denuncia durante la Segunda Guerra Mundial, Louis Durot y su familia fueron arrestados en una redada en Plascassier y deportados en camión al campo de exterminio de Auschwitz. En el camino, el vehículo se averió y los pasajeros perdieron el tren a Auschwitz. Louis Durot fue acogido por un pastor de cabras que vivía recluido en Magagnosc, en el sur de Francia. Madame Guizol escondía a otros doce niños judíos. Su casa estaba al pie de un estrecho camino cuesta arriba, donde fluía un río; fue allí donde Louis Durot esculpió sus primeros juguetes de arcilla. En 1960, se matriculó en la Facultad de Ciencias, donde obtuvo un título preparatorio en Matemáticas 1 Mecánica. En 1963, trabajó como técnico durante dos meses y luego como ingeniero en Equipiel, donde se encargó de los cálculos y las mediciones de resistencia para el desarrollo de prototipos de centrales nucleares. Cuando la filial francesa se disolvió y se convirtió en una empresa de investigación, Equipiel le ofreció un año de formación en química orgánica. Entre 1966 y 1972, Louis Durot dirigió una docena de proyectos de investigación. En 1964, Louis Durot fundó Freelane Studio con el objetivo de reunir a artistas de diversas disciplinas con aspiraciones artísticas comunes. Freelane Studio congregó al periodista de jazz Gilles Brinon, al pintor Jean Ihallero y a Maxime Defert. Fue a través de ellos que Louis Durot conoció al pintor François Arnal, quien le presentó al escultor francés César Baldaccini, conocido como César, en 1966. Louis Durot fue asistente de César durante un año, poniendo a su servicio sus habilidades como ingeniero químico. En el taller de César, perfeccionó sus conocimientos sobre la espuma de poliuretano y las creaciones de espuma del artista, sus expansiones. Gracias a César, Louis Durot conoció a Pierre Restany —fundador y figura principal del grupo “Nouveau Réalisme” , creado en 1960, a Arman y a Robert Malaval . Estos encuentros resultaron cruciales para Durot, quien descubrió el mundo del arte y la práctica artística a través de sus nuevos amigos. Creó sus primeras obras en 1968. Los primeros bocetos revelan un mundo fantástico poblado por setas y plantas carnívoras. Esta nueva actividad requería más espacio, por lo que instaló su estudio en el número 35 de la rue Léon, en el distrito 18 de París.     Buscando una manera de crear objetos permanentes a partir de un material más flexible, colorido, resistente e inalterable, Louis Durot continuó su investigación fundando la empresa química de poliuretano Durgalith en 1972, la cual vendió en 1997 a SOPREMA . Louis Durot sigue siendo el director de investigación de poliuretano en Soprema y es responsable de la presentación de cientos de patentes. Louis Durot también es ingeniero de poliuretano en Shinjuker en Pekín.   La obra de Louis Durot está vinculada a la estética del arte pop: formas que sugieren algo más allá de su función y la apariencia de un solo material, sin rastros de ensamblaje, coloridas e inspiradas en el mundo del cómic.   A partir de 1998, Louis Durot expuso regularmente en China. En 2002, se celebró una exposición dedicada a él en el Museo de Arte de Guangdong, en Guangzhou «Juguetes de ensueño en el mundo adulto». Este éxito propició que Louis Durot fuera contratado como profesor en la Academia de Bellas Artes de Guangzhou.   La obra de Louis Durot está presente actualmente en varios continentes (Estados Unidos, Europa, Asia).

El dramaturgo español Paco Bezerra estrena el próximo miércoles16 de septiembre su obra ‘Muero porque no muero’ en el Teatro de la Bastilla de París, cuatro años después de que fuera desprogramada por los Teatros del Canal de Madrid. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Francisco Jesús Becerra Rodríguez, más conocido como Paco Bezerra (Almería, 1978), es un dramaturgo español, licenciado en Dramaturgia y Ciencias Teatrales por la RESAD en 2004. Además, está titulado en Técnica e Interpretación por el Laboratorio de Teatro William Layton (2000). En 2003 publicó la obra Ventaquemada representada en octubre de 2008 como lectura dramatizada en Milán. Ganador del premio Barahona de Soto a la mejor obra de autor andaluz en 2004 por Viaje a Tindspunkt; Premio Calderón de la Barca en 2007, otorgado por el Ministerio de Cultura de España, para autores teatrales noveles, por Dentro de la tierra, con el cual obtuvo en 2009 el Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Literatura Dramática. En 2022 es galardonado con el XXX Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, por su obra Muero porque no muero, la vida doble de Teresa. Aunque nacido en Almería y criado en el popular barrio almeriense de El Alquián, es en Madrid donde desarrolla buena parte de su formación teatral y trabajo como actor y dramaturgo. Ha sido colaborador crítico habitual en la revista de investigación y creación teatral Acotaciones, coordinada por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. También ha trabajado como profesor y conferenciante en talleres de escritura dramática en diferentes universidades, escuelas y festivales. En 2008, becado por la Sociedad General de Autores de España, Bezerra estuvo presente en el Obrador d’Estiu, organizado por la Sala Beckett de Barcelona, como representante español junto con otros siete jóvenes dramaturgos de diferentes países. Allí participó en el taller "L’altra llengua/la llengua de l’altre", coordinado por el dramaturgo marroquí Ahmed Ghazali, donde se realizó una lectura dramatizada de su texto La noche del dragón. De ahí nació su obra El señor Ye ama los dragones, que fue la primera producción programada por Juan Carlos Pérez de la Fuente tras ser nombrado director del Teatro Español de Madrid en 2014, con puesta en escena de Luis Luque. En su faceta de actor, en teatro ha trabajado para directores como Francisco Vidal, Paca Ojea, Carlos Alonso o Nacho Sevilla entre otros; y en cine para los Hermanos Rico y para José Miguel Ganga. En la actualidad trabaja como letrista musical para La Prohibida, cantante española de música electropop, y como profesor de Literatura Dramática en el Laboratorio de Teatro William Layton de Madrid. Formación Paco Bezerra está titulado en Técnica e Interpretación por el Laboratorio de Teatro de William Layton, y licenciado en Dramaturgia y Ciencias Teatrales en la Real Escuela Superior de Arte Dramático. En el Laboratorio tuvo como profesor, entre otros, al actor y director Francisco Vidal y al dramaturgo José Ramón Fernández que también le acompañó en la RESAD y durante el proceso de creación de su obra Dentro de la tierra. Como ampliación de su formación ha asistido a diversos cursos de teatro, entre ellos: "Gozar con el bien decir" impartido por Mari Paz Ballesteros, "Voz" impartido por Concha Doñaque, "Interpretación" impartido por José Pedro Carrión, "Verso", impartido por Alicia Hermida, "Transformación" por Antonio Llopis, "Escritura dramática" por Michel Azama, "Dramaturgia de Textos narrativos" por José Sanchis Sinistierra y "Escritura dramática" impartido por José Ramón Fernández. Sus estudios de interpretación y su dominio de la técnica actoral han influido directamente en su obra. Bezerra considera indispensable la unión del campo interpretativo con el campo literario para lograr que sus palabras, puestas en boca de sus personajes, consigan su objetivo.

La cantante mallorquina María del Mar Bonet actuará el próximo 11 de octubre en el Olympia de Paris, cincuenta años después de su primera actuación en la mítica sala parisina. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Maria del Mar Bonet es una de las voces fundamentales de la música catalana y mediterránea contemporánea. Cantante, compositora e intérprete de una gran riqueza expresiva, ha desarrollado durante seis décadas una obra estrechamente vinculada a la cultura popular de Mallorca, la poesía catalana y las tradiciones musicales del Mediterráneo. Nació en Palma de Mallorca el 27 de abril de 1947 y continúa en activo.  Infancia y formación Maria del Mar Bonet i Verdaguer nació en Palma en el seno de una familia relacionada con la cultura. Es hija del escritor y periodista Juan Bonet y hermana del cantautor Joan Ramon Bonet, que también estuvo vinculado a los primeros círculos de la Nova Cançó. Desde joven mostró interés por las artes plásticas y estudió cerámica en la Escuela de Artes y Oficios de Palma y posteriormente en la Escola Massana de Barcelona. Sin embargo, su trayectoria acabaría orientándose hacia la música.  Llegada a Barcelona y la Nova Cançó En 1967, con veinte años, se trasladó a Barcelona. Allí entró en contacto con el ambiente cultural que estaba dando forma a la Nova Cançó, movimiento que reivindicaba la utilización del catalán en la música popular y que se desarrolló durante los últimos años del franquismo. Ese mismo año se incorporó a Els Setze Jutges, colectivo al que pertenecieron algunos de los principales protagonistas de la Nova Cançó. Su incorporación fue especialmente significativa porque aportó al movimiento una sensibilidad procedente de la tradición musical mallorquina. EEnciclopedia A diferencia de otros cantautores de la época, que cultivaron principalmente la canción política y de protesta, Bonet desarrolló una obra muy vinculada a la poesía, el folklore, el paisaje y la cultura mediterránea. Eso no impidió que algunas de sus canciones adquirieran un fuerte significado político y social. Primeros éxitos Uno de sus primeros grandes éxitos fue «Què volen aquesta gent?», con letra de Lluís Serrahima. La canción, de marcado contenido de denuncia, se convirtió en una de las piezas emblemáticas de la canción catalana durante el franquismo.  También alcanzó una gran popularidad con «L'àguila negra», adaptación de una canción de la cantautora francesa Barbara, y con «No voldria res més ara». Estas canciones contribuyeron a que obtuviera un Disco de Oro en España en 1971.  Una cantante profundamente mediterránea El elemento que probablemente define mejor la trayectoria de Maria del Mar Bonet es su relación con el Mediterráneo. Desde sus primeros discos recuperó canciones y melodías de la tradición popular de las Baleares, especialmente de Mallorca, y posteriormente amplió su investigación hacia otras culturas mediterráneas. En su obra aparecen influencias de las músicas griega, magrebí, valenciana, catalana y de otras tradiciones del Mediterráneo. canciones tradicionales mallorquinas y mediterráneas.

El escritor y realizador argentino Mario Daniel Villagra rinde homenaje a la poeta argentina Silvia Barón Supervielle el próximo miércoles 16 de septiembre a las 19h en la Maison de l’Amérique latine de París con la proyección del documental que le ha dedicado. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Mario Daniel Villagra nació en 1987 en Villaguay, provincia de Entre Ríos, Argentina. Es escritor, poeta, investigador y realizador cinematográfico. Desde 2017 reside en Francia, donde ha desarrollado simultáneamente una trayectoria literaria, académica y audiovisual.  Es Licenciado en Comunicación Social por la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad Nacional de Entre Ríos (UNER). Posteriormente se trasladó a Francia para continuar su formación universitaria. En 2020 obtuvo un Máster en Estudios Hispánicos e Hispanoamericanos, con orientación hacia la investigación, y posteriormente comenzó estudios doctorales en la Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3.  Su investigación doctoral está dedicada a la literatura de su provincia natal: “La escuela entrerriana de escritores: origen y alcance de un gajo de la literatura argentina del siglo XX”. Este interés por la literatura entrerriana constituye uno de los ejes constantes de su trabajo intelectual y explica, en buena medida, su dedicación a recuperar mediante la escritura y el cine la trayectoria de autores de la región.  Su trayectoria como escritor Villagra comenzó publicando poesía. En 2015 apareció Poemas del Principiante, editado por Árbol Animal, en Buenos Aires. Al año siguiente participó en la Antología poética Juan Laurentino Ortiz, publicada por Bruma en Mendoza.  En 2018 publicó Benavento, un libro dedicado a la vida y la obra del maestro y escritor entrerriano Benito Villanueva/Benavento —la bibliografía consultada lo presenta como una obra dedicada a la vida y obra de esta figura—. En 2020 publicó la novela Los Mandatos de Camilo Fink, editada por Panza Verde, en Concordia. La novela tuvo posteriormente una reedición en 2023.  Su producción literaria está estrechamente relacionada con sus investigaciones sobre escritores, memoria cultural y territorio. No se trata, por tanto, de dos actividades completamente separadas: su cine documental prolonga una preocupación que ya aparece en su escritura, la de recuperar voces y figuras literarias que considera significativas. Villagra y el cine documental Entre 2014 y 2022, Villagra realizó cuatro películas documentales centradas en figuras de la literatura argentina. La primera fue Marta Zamarripa, una poeta en pie, que obtuvo el segundo premio del Certamen Miradas 2016. Después realizó documentales dedicados a Miguel Ángel Federik, Arnaldo Calveyra y, finalmente, Silvia Baron Supervielle Los títulos documentados son: Marta Zamarripa, una poeta en pie. Miguel Ángel Federik, el poeta descalzo. Arnaldo Calveyra, tras sus huellas. Silvia Baron Supervielle / Silvia Baron Supervielle, le film.  Esta filmografía revela una característica fundamental de su trabajo: Villagra utiliza el documental como una forma de investigación y de aproximación a escritores y poetas, más que como un cine puramente biográfico o convencional. El documental sobre Silvia Baron Supervielle El documental al que usted se refiere aparece oficialmente como Silvia Baron Supervielle y también como Silvia Baron Supervielle, le film. Fue producido en 2022 por Tandem, con producción franco-argentina, tiene una duración de 45 minutos y está realizado en formato HD. Villagra figura como director y guionista. La fotografía corresponde a Agnès Walpen y la música a Gustavo Reynoso. Ccultura.cervantes.es La película está construida alrededor de la vida y la obra de Silvia Baron Supervielle, escritora, poeta y traductora nacida en Buenos Aires en 1934 y radicada en París desde 1961. El documental fue filmado entre París, Buenos Aires y Montevideo, siguiendo las dos orillas del Río de la Plata que constituyen un elemento fundamental de la identidad y de la obra de Baron Supervielle.  El interés de Villagra por ella resulta particularmente significativo porque Baron Supervielle representa un puente entre Argentina, Uruguay y Francia, así como entre el castellano y el francés. La película aborda su trayectoria literaria, su actividad como traductora, su relación con la pintura y el desplazamiento desde el Río de la Plata hacia el Sena.  El documental fue presentado en París y posteriormente proyectado en distintas instituciones culturales y universitarias. En 2023, por ejemplo, el Instituto Cervantes de París organizó una proyección seguida de un encuentro entre Baron Supervielle y Villagra. La ficha del Cervantes identifica expresamente a Villagra como “director de cine, escritor, investigador. También fue presentado posteriormente en el Centro de Estudios Literarios Iberoamericanos Mario Benedetti de la Universidad de Alicante, donde Villagra participó en un coloquio como escritor y cineasta

La realizadora mexicana Mati Covarrubias presenta este jueves 10 de septiembre en la casa de México de la Cité Internacional de París su película documental ‘La bahía de mi vida’ alegato por la protección de la naturaleza. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Mati Covarrubias es una cineasta, productora, compositora, intérprete y creadora mexicana, nacida en Puerto Vallarta, Jalisco. Su trayectoria artística está marcada por la música, la exploración de las emociones humanas, la conciencia y, en los últimos años, por una profunda preocupación por la relación entre las personas y la naturaleza.  Es especialmente conocida por ser la creadora, directora y productora de La Bahía de Mi Vida, documental estrenado en 2025 que utiliza la naturaleza de Puerto Vallarta y la Bahía de Banderas como escenario para hablar de la vida, la muerte, la memoria, la familia y nuestra conexión con el mundo natural.  El vínculo de Mati con Puerto Vallarta no es únicamente geográfico. Según ha explicado ella misma, su familia tiene una relación histórica con la fundación de la ciudad: es descendiente directa de Guadalupe Sánchez Torres, a quien las fuentes de la producción identifican como fundador de Puerto Vallarta y antepasado de Mati. La propia directora ha contado que el proyecto nació, en buena medida, de su deseo de regresar a la tierra donde nació y mostrar sus riquezas naturales. Antes de dedicarse al cine documental, Mati desarrolló una importante carrera relacionada con la música. Estudió en la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara y posteriormente continuó su formación en armonía y producción musical. Su biografía profesional señala que ha publicado cuatro discos con composiciones propias. La música no es, por tanto, un elemento secundario en su trabajo cinematográfico. En La Bahía de Mi Vida, Covarrubias también participa como compositora de la banda sonora, desarrollando una propuesta sonora vinculada al océano, la selva, los sonidos naturales y la experiencia emocional de la película. El soundtrack fue compuesto por ella junto con Arturo Arvizu.