Advertise on podcast: Les Immodérés

Dans le podcast des étudiants de Modart, Les Immodérésla nouvelle saisons Mode, Gloire et Beauté, s'intéresse aux grandes figures de la mode et à leur héritage. dans cet épisode découvrons Jeanne Lanvin, la vraie it-girl ! Figure emblématique de la haute couture française, Jeanne Lanvin reste l'une des créatrices les plus influentes de l'histoire de la mode. Fondatrice de la célèbre maison Lanvin en 1889, elle a profondément transformé l'univers du luxe grâce à une vision avant-gardiste, encore visible dans les stratégies des grandes maisons contemporaines. Née à Paris en 1867 dans une famille modeste de onze enfants, Jeanne Lanvin commence très jeune sa carrière en tant qu'apprentie modiste. Dès l'âge de 13 ans, elle développe un savoir-faire exceptionnel autour des matières, des formes et du travail artisanal. À une époque où le chapeau constitue un véritable symbole social, cette expérience forge son sens du détail et de l'élégance. Le tournant majeur de sa carrière intervient avec la naissance de sa fille, Marguerite, surnommée Marie-Blanche. Jeanne crée pour elle des vêtements raffinés, très différents des tenues pour enfants de l'époque. Leur élégance suscite rapidement l'admiration de son entourage, qui souhaite acquérir les mêmes créations. Face à cet engouement, Jeanne Lanvin décide de fonder sa propre maison de couture, donnant naissance à l'une des plus anciennes maisons de luxe françaises encore en activité. Très vite, la créatrice étend son univers à la mode féminine, puis aux vêtements de sport, tout en conservant un niveau d'exigence exceptionnel. Ses créations se distinguent par des broderies délicates, des finitions sophistiquées et un style empreint de poésie. Jeanne Lanvin place également l'émotion et la narration au cœur de ses collections, considérant la mode comme un véritable moyen d'expression artistique. L'une de ses innovations les plus marquantes demeure la création du célèbre « Bleu Lanvin ». Inspirée par les fresques de la Renaissance italienne, cette teinte profonde devient la signature visuelle de la maison. Jeanne Lanvin est ainsi l'une des premières créatrices à associer une couleur forte à son identité de marque, une stratégie aujourd'hui largement reprise dans l'industrie du luxe. Visionnaire, elle ne se limite pas à la couture et développe un véritable univers lifestyle en lançant des parfums, des objets de décoration et différents produits dérivés. Bien avant l'apparition du concept de marque globale, Jeanne Lanvin imagine déjà une expérience de marque complète. Plus d'un siècle après sa création, la maison Lanvin continue d'incarner l'élégance française et d'inspirer les créateurs du monde entier. Son héritage demeure essentiel dans l'histoire de la mode, faisant de Jeanne Lanvin une véritable pionnière du luxe moderne. Belle écoute ! Auteurs : Naomi Sohier, Lara Boudrec, Gaspard Tallien et Dorian Moura Professeur : Anne Desmarest de Jotemps Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode de Mode, Gloire et Beauté, le podcast Les Immodérés des étudiants de ModArt International s'intéresse à une maison de couture aussi influente que méconnue : les Sœurs Callot. Derrière ce nom se cachent quatre femmes visionnaires – Marie, Marthe, Regina et Joséphine Callot – qui fondent leur maison de couture à Paris en 1895 et participent activement à l'émergence de la mode moderne. À la fin du XIXe siècle, Paris s'impose comme la capitale mondiale de la mode. C'est dans ce contexte de profonde transformation que les Sœurs Callot développent leur activité. À une époque où les femmes entrepreneures restent rares dans le secteur du luxe, elles bâtissent une véritable entreprise familiale fondée sur la complémentarité et l'innovation. Leur maison ne se limite pas à la création de vêtements : elle met en place une organisation structurée, avec des ateliers spécialisés, des équipes dédiées et une hiérarchie de travail préfigurant le fonctionnement actuel des grandes maisons de luxe. L'une des signatures emblématiques des Sœurs Callot est leur maîtrise exceptionnelle de la dentelle. Loin d'un usage purement décoratif, elles modernisent ce savoir-faire traditionnel et en font un élément central de leur identité esthétique. Cette capacité à réinterpréter l'artisanat ancien avec une vision contemporaine fait d'elles de véritables précurseures de la haute couture moderne. L'influence des Sœurs Callot dépasse largement leur propre maison. De nombreuses figures majeures de la mode y font leurs armes, à commencer par Madeleine Vionnet, future révolutionnaire de la silhouette féminine. Leur héritage se retrouve ainsi dans l'ensemble de la mode du XXe siècle, même si leur nom demeure aujourd'hui moins connu que ceux de Chanel ou Dior. Pourquoi les Sœurs Callot ont-elles été oubliées par l'histoire de la mode ? Absence d'une figure unique incarnant la marque, une dynamique collective moins facilement racontable et une époque où le savoir-faire primait davantage sur la personnalisation des créateurs ? Pourtant, les Sœurs Callot restent des actrices essentielles de l'histoire de la haute couture. Véritables « architectes invisibles » de la mode, elles ont posé les bases organisationnelles, créatives et artisanales sur lesquelles reposent encore aujourd'hui les plus grandes maisons de luxe. Un épisode passionnant qui invite à redécouvrir ces pionnières et à porter un nouveau regard sur les coulisses de la mode. Auteures : Léa Lenoir, Gabriel Samoul, Nicolas Soares et Nina Fernandez professeur : Anne Desmarest de Jotemps Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Qui a inventé le soutien-gorge ? Si vous pensiez que ce sous-vêtement du quotidien était l'œuvre d'un homme, détrompez-vous. Dans ce nouvel épisode du podcast Les Immodérés, produit par les étudiants de Modart International, la playlist "Mode, Gloire et Beauté" vous plonge dans le destin d'une femme d'exception : Herminie Cadolle. Communarde, féministe et visionnaire, elle a brisé les codes de la mode pour offrir aux femmes leur liberté de mouvement. À la fin du XIXe siècle, l'élégance parisienne cache une réalité douloureuse : le corset. Cette armure rigide comprime les organes et coupe le souffle pour sculpter une taille de guêpe, au détriment de la santé. Face à cette torture quotidienne, Herminie Cadolle, proche des milieux anarchistes, refuse que la silhouette féminine reste une cage de fer. Sa problématique est claire : comment maintenir la poitrine tout en laissant le corps respirer ? L'étincelle naît d'un geste simple mais révolutionnaire dans son atelier : Herminie coupe le corset en deux. Elle sépare le maintien des hanches de celui de la poitrine. En 1889, l'année de l'inauguration de la Tour Eiffel, elle présente son invention à l'Exposition Universelle de Paris sous le nom évocateur de "Bien-Être". Le tout premier soutien-gorge moderne est né, transférant le poids de la poitrine de la taille vers les épaules grâce à des bretelles. Suite à ce succès, elle fonde la prestigieuse Maison Cadolle (qui subsiste encore aujourd'hui rue Cambon à Paris). En y introduisant la soie, la dentelle et une structure souple adaptée à la morphologie de chaque cliente, elle transforme la lingerie en un art intime et sur-mesure. Malgré les critiques des conservateurs craintifs face à cette "indécence", les femmes actives et les médecins plébiscitent immédiatement cette libération. Écoutez l'épisode complet ! La mode est-elle un outil politique ? De la naissance du soutien-gorge par Herminie Cadolle aux bustiers de Jean-Paul Gaultier, découvrez comment les sous-vêtements ont façonné l'émancipation féminine. Et vous, plutôt team "maintien classique" ou "liberté totale" (No Bra) ? Laissez votre avis en commentaire et abonnez-vous aux Immodérés pour ne rater aucun secret de l'histoire de la mode ! Auteurs: Manon Liautard, Zoé Aubin, Aliona Debeaud, Alex Rusinowicz Professeur: Anne Desmarest de Jotemps Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode du podcast Les Immodérés, créé par les étudiants de ModArt International, la playlist Mode, Gloire et Beauté décrypte l’histoire fascinante de Madeleine Vionnet, figure majeure mais méconnue de la mode. Ce podcast explore comment cette créatrice visionnaire a transformé la manière de concevoir le vêtement féminin au début du XXe siècle. Fondatrice de sa maison en 1912, Madeleine Vionnet se distingue par son approche profondément technique et intuitive. Issue d’un milieu modeste, elle apprend la couture dès son plus jeune âge et développe une maîtrise exceptionnelle du tissu et de la coupe. Sa signature, la célèbre coupe en biais, consiste à travailler le tissu en diagonale afin d’épouser naturellement les formes du corps. Cette innovation révolutionne la mode en introduisant des vêtements fluides, confortables et libérés des contraintes rigides comme le corset. À une époque où la silhouette féminine est fortement codifiée, Vionnet propose une vision radicalement moderne et féministe. Le vêtement ne contraint plus, il accompagne le mouvement et valorise le corps tel qu’il est. Sans discours militant, elle incarne une forme de body positivité avant l’heure, en créant pour les femmes et non pour répondre au regard extérieur. L’épisode met également en lumière son approche humaine et éthique du travail. Précurseure, elle offre à ses ouvrières des conditions sociales inédites pour l’époque, incluant soins de santé, garderies et avantages sociaux. Une vision engagée qui renforce son héritage au-delà de la création. Bien que moins médiatisée que Chanel ou Dior, l’influence de Madeleine Vionnet reste immense. De Yohji Yamamoto à Azzedine Alaïa, en passant par les tendances actuelles de la mode contemporaine, son héritage perdure à travers le retour des silhouettes fluides et du confort. Entre anecdotes, humour et analyse, cet épisode des Immodérés offre une plongée passionnante dans l’histoire de la mode, tout en questionnant notre rapport actuel au vêtement, au corps et aux standards esthétiques. Un contenu essentiel pour tous les passionnés de mode, de design et de culture. Auteurs : Adam Achache, Eva Baretto, Lisa Neves, Julia Siauvaud Professeur : Anne Desmarest de Jotemps Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans le podcast Les immodérés, le podcast des étudiants de Modart, la nouvelle playlist Mode, Gloire et Beauté s'interesse aux révolutionnaires de la mode. Ce nouvel épisode de podcast retrace le parcours de George Barbier, illustrateur majeur du début du XXe siècle et figure centrale de l’Art déco, en montrant comment il a profondément influencé la communication de mode moderne, bien avant l’ère numérique. L’épisode commence en imaginant une sorte “d’Instagram de 1920”, où la mode ne passe pas par la photo mais par l’illustration. Dans ce contexte, Barbier apparaît comme un créateur visionnaire qui, sans outils modernes, parvient à construire un univers visuel extrêmement puissant. Plus qu’un simple dessinateur, il agit comme un véritable directeur artistique avant l’heure, capable de transformer une silhouette en récit et un vêtement en identité. Le podcast insiste sur son appartenance au mouvement Art déco, caractérisé par l’élégance des formes, la précision des lignes et une recherche constante du glamour. Barbier collabore avec les plus grands couturiers de son époque comme Poiret ou Lanvin, et ses illustrations influencent directement les tendances que les gens cherchent à adopter. Il devient ainsi une sorte “d’influenceur sans réseau social”, dont les images façonnent le désir collectif. Son travail ne se limite pas à la mode, il illustre également la littérature et des œuvres poétiques, et participe à des projets éditoriaux ambitieux comme Falbalas et Fanfreluches, un almanach de mode publié en plusieurs volumes. Le podcast souligne ici son intuition précoce du storytelling visuel, chaque image est pensée comme un contenu à part entière, mêlant esthétique et narration. Un point clé de son œuvre est sa capacité à créer des univers complets. Plutôt que de représenter les vêtements de manière neutre, il les inscrit dans des décors inspirés de multiples cultures, antiquité grecque, miniatures persanes, Ballets russes, anticipant ce qu’on appelle aujourd’hui le worldbuilding en direction artistique. L’image ne sert plus seulement à montrer un vêtement mais à créer un imaginaire et une émotion. Le podcast rappelle aussi le contexte historique, les défilés interdisent alors la photographie, ce qui fait de l’illustration le principal moyen de diffusion de la mode. Barbier devient donc un intermédiaire essentiel entre les maisons de couture et le public. Il comprend très tôt que l’image ne doit pas seulement informer mais faire rêver et susciter le désir, une logique encore omniprésente dans la publicité et le luxe actuels. Son influence dépasse la mode. Dans les années 1920, il participe à la création de costumes pour le cinéma et contribue à définir l’esthétique d’une époque marquée par l’explosion du luxe et de la modernité. Pourtant, malgré cette importance, il tombe dans l’oubli après sa mort en 1932, avant d’être redécouvert au XXIe siècle. Enfin, le podcast établit un lien direct entre Barbier et les créateurs contemporains, direction artistique dans la mode, campagnes publicitaires, univers de marques ou même esthétique des réseaux sociaux. Son héritage se prolonge à travers des illustrateurs et directeurs artistiques comme René Gruau, et se retrouve aujourd’hui dans les campagnes de luxe qui privilégient l’émotion et le récit plutôt que la simple présentation produit. Conclusion, Barbier a posé les bases d’une idée encore centrale aujourd’hui, une image de mode n’est pas là pour montrer mais pour créer du désir et raconter une histoire.Auteurs : Lucie Auguet, Margaux Prat, Julia Corticchiato, Alice Brasilio Professeur : Anne Desmarest de Jotemps Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce nouvel épisode des Immodérés, nous partons à la découverte de Redfern, une maison de couture aujourd'hui largement oubliée, mais qui a pourtant joué un rôle majeur dans l'histoire de la mode féminine. L'épisode retrace son parcours, de ses origines en Angleterre jusqu'à son influence durable sur les plus grandes maisons de couture contemporaines. L'histoire commence en 1847, sur l'île de Wight, où John Redfern exerce comme drapier-tailleur. À cette époque, la station balnéaire de Cowes devient un haut lieu du yachting fréquenté par l'aristocratie britannique. Les femmes recherchent alors des vêtements plus adaptés aux activités sportives, impossibles à pratiquer avec les robes volumineuses de l'époque. John Redfern répond à ce besoin en imaginant un ensemble composé d'une veste et d'une jupe inspirées de la coupe masculine : le tailleur féminin. Cette création, officiellement reconnue en 1885, marque une véritable révolution dans le vestiaire des femmes. Sous l'impulsion de Charles Poynter Redfern, la maison connaît ensuite un développement international avec des implantations à Paris, Londres, Édimbourg et New York. À Paris, Redfern s'impose comme le spécialiste des vêtements de jour et du sportswear élégant, en complément des maisons comme Worth, davantage tournées vers les robes de soirée. La maison rejoint la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne et participe à l'Exposition universelle de 1900, confirmant son statut parmi les grandes maisons de couture. L'épisode s'intéresse également à l'organisation des ateliers de Redfern. Contrairement aux maisons centrées sur l'atelier « flou », spécialisé dans les robes légères et drapées, Redfern fait du tailleur son cœur de métier. Les ateliers travaillent des tissus structurés comme le tweed, le tartan ou la serge, nécessitant un savoir-faire spécifique hérité de la tradition du tailoring britannique. La maison recrute des artisans hautement qualifiés et adapte progressivement son organisation en créant des ateliers dédiés aux nouvelles catégories de vêtements, comme les manteaux de fourrure ou les robes du soir. Enfin, le podcast met en lumière l'immense héritage laissé par Redfern. Le tailleur, conçu à l'origine pour accompagner les femmes dans leurs activités sportives, devient au XXᵉ siècle une pièce incontournable du vestiaire féminin. En 1916, la maison réalise notamment le premier uniforme officiel féminin de la Croix-Rouge, illustrant sa capacité à allier élégance et fonctionnalité. Son influence se retrouve aujourd'hui dans les créations de maisons comme CHANEL, Saint Laurent ou Armani, qui ont largement contribué à populariser le costume féminin. Bien que la maison ferme ses portes en 1940, les recherches menées au début des années 2000 ont permis de redonner à Redfern la place qu'elle mérite : celle d'une véritable pionnière de la mode moderne, dont l'héritage continue de façonner notre manière de nous habiller aujourd'hui. Auteurs : Axelle Parent, Lison Gillot, Lou Jardon, Mailys Périchon.  Professeur : Anne Desmarest de Jotemps   Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Vous êtes-vous déjà demandé : « Et si, bien avant que la mode devienne un grand spectacle médiatique, une femme avait compris son pouvoir sur l’image, la société et la liberté des femmes ? » Dans cet épisode de Les Immodérés, nous vous invitons à redécouvrir Jeanne Paquin, une figure essentielle de l’histoire de la mode. Moins célèbre aujourd’hui que certains grands noms, elle a pourtant joué un rôle fondamental dans la transformation de la couture et dans la modernisation de l’élégance féminine. À la fin du XIXe siècle, Jeanne Paquin ne se contente pas de créer de belles robes. Elle pense la mode autrement. Elle allège les silhouettes, assouplit les lignes, imagine des vêtements plus adaptés au mouvement, à la vie réelle et aux évolutions de la place des femmes dans la société. Elle comprend aussi très tôt que la mode doit être vue, portée, racontée et incarnée. Dans cet épisode, nous explorons la manière dont Jeanne Paquin a imposé sa vision dans un univers encore largement dominé par les hommes. Créatrice, dirigeante et stratège, elle incarne déjà une figure de femme puissante, capable de faire rayonner sa maison en France comme à l’international. Son regard dépasse la couture : il touche à l’image, au commerce et à la représentation des femmes. Enfin, nous posons une question essentielle : pourquoi Jeanne Paquin reste-t-elle encore si peu connue du grand public, alors que son héritage continue de résonner dans la mode contemporaine ? Pourquoi écouter cet épisode ? Parce qu’il redonne sa place à une pionnière brillante, moderne et visionnaire, et qu’il rappelle que l’histoire de la mode s’est aussi écrite grâce à des femmes qui ont osé transformer leur époque. Autrices : KHEMIRI Sirine – OLIETE Marina – ORTELI Sefana – BEKANGBA Anaïs Professeur : Anne Desmarest de Jotemps Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations. Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Paul Poiret, un nom qu'on connaît peu aujourd'hui.Mais sans lui, la mode ne ressemblerait probablement pas à tout ce qu'elle est devenue. Aujourd'hui, la mode, c'est des défilés géants, des créateurs suivis comme des stars sur Instagram, des collections pensées comme des univers complets, presque comme des films. Mais au début du XXe siècle, rien de tout ça n'existe. La mode à l'époque c'est très discret.Les couturiers sont surtout des artisans, ils travaillent dans leurs ateliers dans l'ombre.On vient acheter une robe et on repart.On ne connaît même pas vraiment leur nom. Bref, zéro storytelling, zéro mise en scène, zéro image. Et puis, un créateur va complètement casser ce système. Ce créateur c'est Paul Poiret. Plus qu'un styliste, c'est presque un showman, un metteur en scène.Quelqu'un qui comprend que la mode peut être spectaculaire. On pourrait même dire qu'il a inventé à lui tout seul la mode moderne. Mais ma Marie, dis-moi, qu'est-ce qui fait de lui un visionnaire ? Ce qui rend Poiret visionnaire, ce n’est pas seulement ce qu’il dessine. C’est surtout la façon dont il pense la mode. Il comprend quelque chose de très simple :on ne vend pas seulement des vêtements…on vend du rêve, une image, une histoire. Et ça, pour l’époque, c’est complètement nouveau. Déjà, il libère le corps féminin. Au début des années 1900, les femmes portent encore des corsets hyper rigides.Le corps est compressé, presque enfermé. Lui décide de supprimer tout ça. Il crée des robes fluides, droites, légères.On peut marcher, respirer, bouger. Pour la première fois, le vêtement s’adapte au corps… et pas l’inverse. Donc ce n’est pas juste un choix esthétique.C’est presque un geste social.Il accompagne une nouvelle liberté pour les femmes. Mais il ne s’arrête pas là. Il veut aussi changer la place du couturier. Avant, on allait “chez une maison”.Avec lui, on va “chez Poiret”. Il signe ses créations.Il développe un style reconnaissable.Il collabore avec des artistes, des illustrateurs. Il ne se voit plus comme un simple tailleur…mais comme un créateur, un artiste. Un peu comme les directeurs artistiques aujourd’hui. Et surtout, là où il est vraiment en avance sur son temps, c’est dans la communication. Poiret ne présente pas ses collections dans un salon tranquille. Il organise des fêtes géantes.Des soirées costumées.Des bals orientaux ultra théâtraux. Tout Paris mondain est invité. Ses collections deviennent des spectacles. Il lance aussi son propre parfum, c’est le premier couturier à le faire.Il soigne sa presse, son image, sa mise en scène. En fait, il invente presque le marketing de luxe avant l’heure. Aujourd’hui, on appellerait ça :de l’événementiel, du branding, du storytelling. Presque une Fashion Week… cent ans trop tôt. Et quand on regarde la mode actuelle, on se rend compte que ses idées sont partout. Les défilés sont devenus des shows géants.Les marques vendent un lifestyle.Les créateurs sont des célébrités.Chaque collection raconte une histoire. Tout ça, Poiret l’avait déjà imaginé. Finalement, il n’a pas seulement changé la façon dont on s’habille. Il a changé la place du créateur dans la société. Il a transformé la mode en spectacle, en culture, en expérience. Presque en divertissement. Et c’est pour ça qu’on peut dire qu’il n’est pas juste un couturier du passé… Mais l’un des premiers inventeurs de la mode contemporaine. Professeur : Anne Desmarest de Jotemps Auteures : Sohane Moussadek, Emma-Marie Pillet Scherfling, Lilou Lagadic Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode du podcast Les Immodérés, le podcast mode de ModArt International, on remonte le fil du temps pour explorer les origines de l’identité de marque dans la mode. Bien avant les réseaux sociaux, les campagnes virales et les défilés spectaculaires, certains créateurs avaient déjà compris qu’une maison de mode ne vend pas seulement des vêtements : elle raconte une histoire, crée un univers et impose une vision. À travers cette capsule des Immodérés, on découvre comment Jeanne Lanvin et Gabrielle Chanel ont posé les bases du branding de luxe dès le début du XXe siècle. Jeanne Lanvin transforme l’émotion et l’intime en signature de maison, en construisant autour de sa fille Marguerite un univers visuel fort, jusqu’à créer le célèbre bleu Lanvin. De son côté, Gabrielle Chanel révolutionne les codes avec le jersey, la petite robe noire et Chanel N°5, imposant une approche avant-gardiste de la mode, du style et du marketing sensoriel. Le podcast Les Immodérés met aussi en lumière l’héritage de ces pionnières à travers des figures majeures comme Karl Lagerfeld, qui réinvente Chanel pour une nouvelle génération, ou encore Virgil Abloh, fondateur d’Off-White et visionnaire de la mode contemporaine. Entre culture visuelle, détournement des symboles et dialogue avec son époque, Abloh incarne une nouvelle manière de penser la mode de luxe. Enfin, cet épisode des Immodérés s’intéresse à Simon Porte Jacquemus, créateur emblématique de la nouvelle scène française, qui a compris avant beaucoup d’autres l’importance de l’image, du storytelling et de l’expérience visuelle dans la construction d’une marque forte. Avec Les Immodérés, plongez dans un podcast mode qui décrypte les grands noms, les anecdotes et les stratégies qui ont façonné l’histoire de la mode, du luxe, du branding et de la culture fashion. Un épisode incontournable pour tous les passionnés de podcast mode, de création, de direction artistique et d’identité de marque. professeur : Anne Desmarest de Jotemps auteures : Amel AIT MANSOUR Amel, Victoria TRIGUERO Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode du podcast Les Immodérés, les étudiants de Mod’Art International Paris remontent le fil du temps pour explorer une question fascinante : d’où viennent vraiment les images qui façonnent la mode aujourd’hui ? Car derrière les campagnes, les silhouettes iconiques et les récits des grandes maisons se cache une histoire bien plus ancienne. Une histoire faite de visions, de gestes et de traits qui ont traversé les décennies et les cultures. Tout commence avec René Gruau, illustrateur mythique de la haute couture. Né en Italie mais installé très jeune à Paris, il devient rapidement une figure incontournable de l’illustration de mode. Collaborateur de Vogue, Harper’s Bazaar, L’Officiel et surtout de Christian Dior, il façonne l’image de la maison Dior entre les années 1940 et 1960. Son style, inspiré de la calligraphie japonaise, se distingue par une élégance minimaliste : une ligne noire, un aplat de rouge, et soudain la silhouette prend vie. Gruau ne dessine pas seulement la mode, il invente un véritable langage visuel fait de tension, de grâce et de suggestion. Dans les années 1970, ce langage évolue avec Antonio Lopez, illustrateur flamboyant et figure centrale de la scène mode new-yorkaise. Entouré de mannequins, de musiciens et de créateurs, il insuffle à l’illustration de mode une énergie nouvelle. Ses dessins vibrent de mouvement, de sensualité et de diversité. Là où Gruau suggérait l’éternité, Lopez capture l’instant et ouvre la mode à une liberté plus inclusive et plus expressive. Dans les années 1980, Tony Viramontes pousse encore plus loin cette intensité graphique. Ses silhouettes angulaires, saturées de couleurs et de contrastes, transforment l’illustration en véritable performance visuelle. Les corps ne posent plus : ils défient, ils s’affirment, ils électrisent. Mais l’influence de ces artistes ne s’arrête pas aux pages glacées des magazines. À des milliers de kilomètres, au Japon, un jeune mangaka nommé Hirohiko Araki découvre ces illustrations dans la presse occidentale. Fasciné par cette puissance graphique, il s’en inspire pour créer quelques années plus tard le manga culte JoJo’s Bizarre Adventure. Postures théâtrales, silhouettes androgynes, dramatisation du corps : chaque personnage devient une icône de style. Ainsi, la ligne de Gruau traverse les époques et les continents. Gruau invente le langage, Lopez lui donne un corps, Viramontes une voix, et Araki le transforme en mythe. De la muse de Dior aux planches d’un manga culte, une même idée persiste : en mode, la beauté n’est pas seulement une image. C’est un geste, une énergie, une ligne capable d’inspirer le monde entier. Professeur : Anne Desmarest de Jotemps  Auteurs : Aïna Thomas, Antony Bouvil, Andzi Bikakoury, Laura Ibara  Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Before runway spectacles and celebrity creative directors, fashion worked very differently. In the 19th century, dressmakers quietly crafted garments according to the wishes of their wealthy clients, admired for their skill, but rarely recognised by name. That changed with Charles Frederick Worth. In 1858, in Paris, Worth transformed the role of the couturier. Instead of simply executing orders, he presented his own designs and invited clients to choose from his vision. With this shift, he laid the foundations of the modern fashion system. In this episode of Les visionnaires de la mode, we explore how Worth’s revolutionary idea shaped the industry we know today: from the authority of the designer to the powerful storytelling of fashion houses later embodied by figures like John Galliano, Karl Lagerfeld and Tom Ford. This episode is hosted by Viviana Diaz and Diana Wolter, with research and production by Julie Poirier, Emilie Krouri, Viviana Diaz, and Diana Wolter, under the academic supervision of Anne Desmarest de Jotemps. Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Les Immodérés — Saison 5 : Les Visionnaires de la mode Wig rose de Kylie ou perruque à trois étages de Marie-Antoinette ? Et si les deux venaient de la même personne ? Dans cette saison, les étudiants de Modart International remontent le fil. Derrière les marques, les récits, les images qui structurent la mode aujourd'hui se cachent des esprits bien plus anciens — des visionnaires qui ont tout inventé avant tout le monde, souvent sans qu'on s'en souvienne. On rembobine. Direction les origines. Rose Bertin Elle n'était ni noble, ni ministre, ni reine. Elle s'appelait Marie-Jeanne Bertin — fille de gens du peuple, sans réseau, sans fortune. Et pourtant, à 27 ans, elle devenait la confidente de Marie-Antoinette. Surnommée officieusement… la Ministre des modes. Dans ce nouvel épisode, on raconte l'histoire de celle qu'on appelle Rose Bertin : la Coco Chanel du XVIIIe siècle, l'ancêtre des grands couturiers, la première créatrice de mode dont l'histoire a retenu le nom. Celle qui a inventé les tendances saisonnières, le branding, l'égérie — et tout ça bien avant qu'Instagram existe. Quelques détails qui font mal : Deux fois par semaine, Marie-Antoinette et Mademoiselle Bertin se retrouvaient en séance privée — sans même les dames de compagnie — pour discuter des nouvelles créations pendant des heures. Une roturière, seule avec la reine de France. Les derniers habits portés par la reine lors de son transfert à la Conciergerie étaient réalisés par Le Grand Mogol, la boutique de Rose. Fidèle jusqu'au bout. Ensemble, elles ont inventé la notion de saisons, de renouvellement, de collections éphémères — et amorcé l'idée même de l'influence en matière de mode. Puis la Révolution est arrivée. Rose Bertin a refusé de créer les robes "à l'égalité" ou les fichus "à la Constitution", s'est exilée à Londres, et quand elle est revenue… personne ne voulait plus se souvenir d'elle. Parce que c'est souvent comme ça que l'histoire traite les femmes qui ont tout inventé. Écouter le podcast À la semaine prochaine, Les Immodérés! Professeur — Anne Desmarest de Jotemps Auteures — Laura Delchard, Léonie Gau, Nadeen Elagroudy, Zoé Minihy, Maïssan Ouarda Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Le cuir de demain : entre luxe, innovation et conscience écologique Et si, en 2050, le cuir ne venait plus des animaux mais de champignons ou de cellules cultivées en laboratoire ? Ce podcast explore la transformation d’un matériau emblématique de la mode, de ses origines artisanales à son avenir durable. Cuir végétal, cuir synthétique, cuir biofabriqué… Quelles sont les alternatives ? Quels enjeux pour l’éthique, l’environnement et l’industrie du luxe ? Un épisode immersif pour mieux comprendre comment la mode repense ses matières et ce que cela dit de notre rapport à la consommation. Autrices : Mo-nikia Modué, Chloé Sertile et Dona Lopez Professeur : Anne DESMAREST DE JOTEMPS Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Vous êtes-vous déjà demandé : « Et si nos sneakers de demain n’étaient plus de simples chaussures, mais de véritables extensions de nous-mêmes ? » Dans cet épisode de Les Immodérés, nous vous embarquons dans un voyage fascinant vers le futur : celui des sneakers en 2050. Longtemps symbole de performance, d’appartenance culturelle et de mode de rue, la sneaker est aujourd’hui à la croisée de multiples révolutions. Mais que nous réserve l’avenir ? Imaginez des baskets conçues à partir de matériaux vivants, capables de respirer, de s’adapter à votre démarche ou de changer de couleur en temps réel. Imaginez des sneakers connectées à votre corps, capables de détecter votre niveau de stress ou d’ajuster leur confort selon vos besoins. Imaginez enfin une consommation radicalement différente : des paires fabriquées à la demande, modulables, réparables et respectueuses de l’environnement. Matériaux biofabriqués, baskets intelligentes et design personnalisable en temps réel : Les Immodérés vous emmènent au cœur de la révolution des sneakers du futur. Entre innovations technologiques et engagement écologique, découvrez comment cet objet culte s’apprête à bousculer nos modes de vie et de consommation. Dans cet épisode, nous explorons comment les avancées biotechnologiques et digitales transforment la façon dont nous créons et portons nos sneakers. Nous plongeons aussi dans les nouvelles esthétiques du futur, entre minimalisme épuré et extravagance cyberpunk. Nous vous emmenons au cœur d’une nouvelle expérience de consommation : locale, responsable et totalement personnalisée. Et nous évoquons l’émergence des sneakers comme objets de narration sociale, où chaque paire raconte une histoire unique. Enfin, nous posons une question essentielle : dans un monde où les technologies redéfinissent tout, les sneakers resteront-elles un simple accessoire de mode, ou deviendront-elles des compagnons intelligents de nos quotidiens ? Pourquoi écouter cet épisode ? Parce que la sneaker de 2050 sera bien plus qu’une tendance. Elle sera le reflet de nos choix de société, de nos innovations et de nos aspirations profondes. En explorant ces transformations, Les Immodérés vous propose un regard inspirant sur l’avenir de cet objet culte. Prêt à marcher vers le futur ? Branchez vos écouteurs et plongez avec nous dans cet épisode captivant de Les Immodérés. Auteur : Ronnie Bauert Professeur : Anne Desmarest de Jotemps Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Étudiantes à Mod’Art International, Miora et Sarah interrogent l’évolution du métier de directeur artistique dans un monde en mutation. À travers un regard croisé sur les enjeux écologiques, sociaux, culturels et technologiques, elles explorent les nouvelles responsabilités créatives : conscience environnementale, diversité des représentations, hybridation des pratiques et intégration raisonnée de l’intelligence artificielle. Un échange engagé sur la nécessité de penser la création de demain avec sens, exigence et ouverture. Auteures : Sarah SMAKI, Miora RAVELONJATOVO Professeur : Anne DESMAREST DE JOTEMPS Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.