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¡Vótame en los Premios iVoox 2026! LOS DELTONOS - SOY UN HOMBRE ENFERMO Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en (Soy un) Hombre Enfermo de la banda cántabra Los DelTonos. Todo un himno a la resaca. Ese momento que casi todos hemos sufrido alguna vez LOS DELTONOS: https://www.youtube.com/watch?v=nhXcJvIUQjo Para entender la canción, tenemos que viajar a finales de los años 80 en España. En aquel momento, la escena musical estaba cambiando y Los DelTonos llegaron con una propuesta que se alejaba de la pose vacía. Con Hendrik Röver a la cabeza, la banda se plantó con un sonido crudo, honesto, bebiendo directamente del blues, el rock y el garaje, y una cierta ironía en las letras, rápidamente se ganaron un lugar destacado en la escena alternativa. La banda ha sabido mantenerse vigente hasta hoy, con varios cambios de formación a lo largo de los años, pero siempre conservando la esencia de aquel sonido crudo y directo que los caracteriza. En 1990, con su álbum “Tres hombres enfermos”, pusieron sobre la mesa este tema que da título al disco. En este disco nos encontramos “(Soy un) Hombre Enfermo”, una canción que se convirtió en un himno de descontento personal y humor ácido. La letra y la interpretación muestran a un hombre enfrentándose a su propio caos interior, mientras la banda lo acompaña con riffs sencillos pero contundentes. ¿Por qué ha calado tanto esta letra? Porque es brutalmente real. Mientras otros hablaban de la magia de la noche, Röver escribió sobre lo que pasa cuando se apagan las luces: el dolor de cabeza, la desorientación, el vacío y ese arrepentimiento cíclico que todos hemos sentido. Es una letra sin filtros, escrita con un lenguaje de barra de bar que te hace sentir que, efectivamente, el narrador está ahí, a tu lado, intentando sobrevivir a su propio caos. JAIME LIZA: https://www.youtube.com/watch?v=uXRnKIRSaxY Empezamos con la versión de Jaime Liza, cantautor, músico y productor musical independiente cuya propuesta se mueve entre el rock alternativo y la canción de autor. Su interpretación baja las revoluciones del tema original y lo envuelve en un sonido más pantanoso, destacando el uso del slide en la guitarra. Ya sabéis, esa técnica que consiste en tocar las cuerdas con un tubo de cristal o de metal, consiguiendo ese característico sonido deslizante tan ligado al blues. Este tema aparece en el álbum "En el infierno voy a bailar" publicado en el año 2023. RUBÉN SUÁREZ: https://www.youtube.com/watch?v=rvKCWDR8X9Y Desde el Principado de Asturias nos llega la versión de Rubén Suárez, una interpretación en la que él mismo se encarga de la voz, las guitarras y el bajo, apoyándose en una base rítmica programada. Publicada en su canal de YouTube el 18 de febrero de 2018, mantiene el pulso del original, pero lo acerca a un sonido más bluesero y desenfadado. Su voz rasposa y una interpretación llena de oficio hacen que la canción conserve su carácter canalla sin perder la frescura de los Deltonos.. TXUS BLUES & JOSE BLUEFINGERS: https://www.youtube.com/watch?v=X5ztL14WUW8 Ahora nos paramos a visitar la versión de Txus Blues & Jose Bluefingers. Este dúo catalán se dedicaba a hacer lo que ellos llamaban "blues de proximidad". Olvidando la melancolía profunda del Mississippi, lo suyo era el blues con un sentido del humor afilado, cotidiano y muy gamberro. En esta versión la canción se vuelve blues y la envuelven en un aire melancólico llevándonos por distintos temas clásicos del imaginario popular. Cada acorde y cada frase vocal y armonicista transmiten el humor ácido del dúo. FALSET BAND: https://www.youtube.com/watch?v=EmZGjPy86xY Desde Tarragona nos llega esta versión en directo de Falset Band, publicada en su canal de YouTube el 24 de agosto de 2010. La banda mantiene la esencia rockera del original, pero le aporta una interpretación con más cuerpo y contundencia, demostrando que "(Soy un) Hombre Enfermo" funciona igual de bien. Con una interpretación muy sólida y enérgica, respetan el espíritu de Los DelTonos sin renunciar a su propia personalidad. EN MALA HORA: https://www.youtube.com/watch?v=F3DVhTa25Eg El 13 de julio de 2016, el grupo ourensano de versiones En Mala Hora publica en YouTube su interpretación de "(Soy un) Hombre Enfermo". La banda lleva la canción hacia un blues rock muy bien ejecutado, con pinceladas de soul y rhythm & blues que enriquecen el original sin desvirtuarlo. SINTROM NI SON: https://www.youtube.com/watch?v=w7VzWd31THI Confieso que, de todas las bandas que han pasado por este episodio, Sintrom Ni Son se lleva el premio al nombre más ingenioso. Un juego de palabras que seguro arranca una sonrisa a más de uno... sobre todo si ya has pasado cierta edad. Este tema fue grabado en directo el 14 de enero de 2017 en la Sala Super 8 de Ferrol (A Coruña). La banda opta por mantenerse muy fiel al espíritu y a los arreglos del original, sin introducir grandes cambios. CONCLUSIONES (Soy un) Hombre Enfermo no es solo una canción de Los DelTonos, sino un tema que ha sabido adaptarse a múltiples estilos y sensibilidades. Desde la crudeza del rock original hasta versiones más introspectivas, en clave de blues acústico o con la potencia de un directo, cada artista ha reinterpretado el desastre a su manera. Los DelTonos llevan más de tres décadas demostrando que el buen rock no envejece, aunque al día siguiente te duela hasta el pelo y te deje el cuerpo como si te hubiera pasado un camión por encima jurando en arameo que no volverás a beber. Al final, (Soy un) Hombre Enfermo es la prueba de que una gran canción es como una buena resaca: cada uno la sufre a su manera, con diferentes estilos y remedios, pero el dolor de cabeza y el arrepentimiento del día después son universales. Nos escuchamos en el próximo episodio. ¡Hasta pronto!

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! En esta centésima séptima entrega de Explorando Versiones, nos sumergimos en el ritmo y la energía de «Riot in Cell Block #9», un clásico emblemático que popularizó la célebre banda de Los Ángeles «The Robins» a mediados de los años 50. Nuestro amigo Miguel Romero nos llevará a través de la historia y las distintas revisiones de este tema fundamental, explorando cómo una melodía repleta de fuerza e ingenio logró convertirse en un referente imprescindible del R&B y del rock and roll. The Robins - Riot In Cell Block #9: https://www.youtube.com/watch?v=_0qN6EBrhPU Wanda Jackson - Riot In Cell Block Number Nine - https://www.youtube.com/watch?v=9ICx1UWnCZA Johnny Winter - Riot In Cell Block #9: https://www.youtube.com/watch?v=bo9WhtEvgdw Dr. Feelgood - Riot in Cell Block Number Nine: https://www.youtube.com/watch?v=0d7aIlNvv9c The Blues Brothers - Riot in Cell Block Number Nine: https://www.youtube.com/watch?v=DAgju5QgsFc Smell of Kat - Riot in cellblock No 9: https://www.youtube.com/watch?v=Jc7lfxSRN6U Los Ilegales - Motín en la prisión: https://www.youtube.com/watch?v=-c2GfTjiD-E Orquesta Mondragón - Motín en la prisión (Riot in Cell Block Nº 9): https://www.youtube.com/watch?v=MjURaa91UY0 ✍️ Descubre también los blogs de Miguel Romero: • Les Danses Macabres https://lesdansesmacabres.blogspot.com • La Abadía de Berzano https://cerebrin.wordpress.com

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! En esta centésima sexta entrega de Explorando Versiones, nos adentramos en la historia de la camaleónica canción «Eloise», un tema deslumbrante compuesto por Paul Ryan y popularizado inicialmente por su hermano gemelo Barry Ryan. Nuestro amigo Alfonso Romero nos guiará en este recorrido para descubrir cómo este tema cruzó fronteras hasta alcanzar su verdadera consagración en España de la mano de Tino Casal, quien la transformó en un clásico atemporal e imprescindible de nuestra música. Barry Ryan - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=-D24yIYiVBc Barry Ryan - Eloise (en italiano): https://www.youtube.com/watch?v=xVfldRlViYE Claude François - Éloïse: https://www.youtube.com/watch?v=-e-at3T3lgA Donald Lautrec - Éloïse: https://www.youtube.com/watch?v=cAEqTPzNSJ0 Tapani Kansa - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=6Zhf5mfLc2s Johnny Dinamo y los Leos - Eloisa: https://www.youtube.com/watch?v=kJ3CfCupAak Karel Gott - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=I9rjm-__SAQ Buddy Richard - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=NEUz0x4Oy10 Mina - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=uBnbzHsRlZg Mino Reitano - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=UPfZi1S0OKs Robin McAuley - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=A0CkQo_1Ch8 The Damned - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=WO4DMK6Qd7M Tino Casal - Eloise: https://www.youtube.com/watch?v=LVxCCdooXec ✍️ Descubre también los blogs de Alfonso Romero: • Les Danses Macabres https://lesdansesmacabres.blogspot.com • La Abadía de Berzano https://cerebrin.wordpress.com/

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Hola amigos, soy Francisco, y os doy la bienvenida a un nuevo capítulo de Explorando Versiones. Este episodio es la continuación del capítulo 101, dedicado a Silvio Fernández Melgarejo, uno de los personajes más singulares de la historia del rock español. En aquella primera parte recorrimos algunas de sus versiones más reconocibles y descubrimos la enorme variedad de influencias que convivían en su música. Hoy continuamos ese recorrido, y lo hacemos, además, en una fecha muy especial: hoy, 1 de octubre de 2026, se cumplen 25 años del fallecimiento de Silvio. Así que, desde este humilde podcast, quiero rendir un sentido homenaje a uno de mis músicos de referencia. 1. TROUBLE ELVIS PRESLEY – TROUBLE: https://www.youtube.com/watch?v=e81d7rTAIaw Empezamos, como no podía ser de otra manera, con Elvis Presley. Y lo hacemos con una canción escrita por Jerry Leiber y Mike Stoller para la película «King Creole», protagonizada por Elvis en 1958. Se titula «Trouble» y aquí nos encontramos con uno de los Elvis más desafiantes. No estamos ante el cantante de las grandes baladas románticas ni ante el Elvis más elegante de Las Vegas. Aquí aparece el Elvis del rock and roll. La guitarra de Scotty Moore, el ritmo y la interpretación de Elvis construyen un personaje que parece estar avisándonos de algo: con él es mejor no buscar problemas. SILVIO Y LUZBEL – TROUBLE: https://www.youtube.com/watch?v=6y_gIu6nf-Q En 1980, Silvio y Luzbel publican «Al este del Edén», el primer álbum de estudio de la discografía de Silvio. Y esta versión de «Trouble» aparece en la cara B de este disco. Aquí nos encontramos con un Silvio completamente entregado a una de sus grandes pasiones: Elvis Presley y el rock and roll. Aunque, como ya vimos en el capítulo anterior, Silvio nunca se limitaba a reproducir lo que escuchaba. Aquel inglés macarrónico, su manera de frasear y esa personalidad tan sevillana hacen que hasta una canción de Elvis termine sonando como si se hubiese escrito en alguna barra de bar en Sevilla. No necesitaba demasiados adornos. La canción ya tenía todo lo necesario y Silvio sabía perfectamente qué hacer con ella. 2. I CAN'T STAND THE RAIN / MÚSICA DE ORO Y VOS ANN PEEBLES – I CAN'T STAND THE RAIN: https://www.youtube.com/watch?v=SmGig_b2QLI Y ahora damos un salto hasta Memphis para encontrarnos con Ann Peebles. En 1973, Peebles graba «I Can't Stand the Rain», una de las grandes canciones del soul de Memphis. La canción fue escrita por la propia Ann Peebles junto a Don Bryant y Bernie Miller. La idea surgió durante una noche de lluvia en Memphis. Peebles comentó que no soportaba la lluvia porque le hacía recordar a alguien que ya no estaba con ella. Aquella frase terminó convirtiéndose en una de las canciones más conocidas del soul sureño. Y hay algo que resulta inmediatamente reconocible: esa percusión que parece reproducir el sonido de las gotas de lluvia. SILVIO Y SACRAMENTO – MÚSICA DE ORO Y VOS: https://www.youtube.com/watch?v=Be_Od-X5Jd4 Y ahora escuchamos «Música de oro y vos». La canción aparece en Fantasía occidental, el álbum que Silvio grabó con Sacramento y que fue publicado en 1988. El disco consigue reunir de una manera más evidente muchas de las influencias que tuvo Silvio: el rock, la música negra, la música italiana y, por supuesto, la tradición sevillana, que conviven dentro de un mismo repertorio. Música de oro y vos es precisamente una buena muestra de ese cruce. Pasamos del soul de Memphis al universo de Silvio y Sacramento, pero la melodía nos sigue sirviendo como hilo conductor. 3. SOMETHING HAS CHANGED ME / TRUE LOVE (CHORLA) PAUL ANKA – SOMETHING HAS CHANGED ME: https://www.youtube.com/watch?v=U6eIU1-WWAw Ahora cambiamos completamente de registro y nos vamos hasta Paul Anka. «Something Has Changed Me» pertenece a esa primera etapa de Paul Anka en la que el pop juvenil comenzaba a mezclarse con los arreglos orquestales y las grandes melodías románticas. Muy lejos, en principio, del rock and roll más salvaje de Elvis. Pero precisamente ahí está la gracia. Porque cuando uno se adentra en el repertorio de Silvio descubre que sus referencias eran muchísimo más amplias de lo que podría parecer a primera vista. SILVIO Y SACRAMENTO – TRUE LOVE (CHORLA): https://www.youtube.com/watch?v=pknXfSo28CU Esta melodía se convirtió en «True Love (Chorla)», incluida al final del disco “Fantasía occidental”. Aquí aparece una de sus grandes especialidades: coger una canción de pop romántico y despojarla de cualquier solemnidad, transformarla con esa letra en italiano y mezclarla con su acento sevillano. Aunque no he sido capaz de encontrar la letra de esta canción, seguro que la historia no coincide con la letra de Paul Anka. Eso sí: con Silvio nunca hay que fiarse demasiado de las traducciones. 4. THREE STEPS TO HEAVEN / TRES PASOS HACIA EL CIELO EDDIE COCHRAN – THREE STEPS TO HEAVEN: https://www.youtube.com/watch?v=nxj--MkqACY Seguimos con otro de los grandes nombres del rock and roll: Eddie Cochran. «Three Steps to Heaven» fue grabada por Cochran poco antes de su muerte y publicada en el año 1960. Y resulta inevitable escucharla sabiendo que Eddie Cochran falleció con tan solo 21 años, víctima de un accidente de tráfico en Inglaterra. La canción, sin embargo, no tiene nada de oscura. Todo lo contrario. Es luminosa, melódica y tremendamente pegadiza. Una canción de amor que convierte el cielo en una metáfora para alcanzar la felicidad. SILVIO Y SACRAMENTO – TRES PASOS HACIA EL CIELO: https://www.youtube.com/watch?v=wXZBNl8PXtk Dos años más tarde de la publicación de su primer disco, Silvio y Sacramento publica en 1990 su segundo álbum, titulado «En misa y repicando». Y abriendo el álbum aparece «Tres pasos hacia el cielo». La melodía de Cochran sigue estando ahí, pero la letra adquiere un carácter mucho más personal. Ese viaje hacia el cielo deja de sonar simplemente como una imagen romántica y comienza a tener una lectura más íntima. Y eso hace que la canción resulte especialmente curiosa dentro del repertorio de Silvio. Porque detrás de ese ritmo aparentemente alegre aparece también una cierta sensación de despedida. 5. LITTLE EGYPT / NO TENGO CITA THE COASTERS – LITTLE EGYPT: https://www.youtube.com/watch?v=gghuV8hZoXE En 1961, The Coasters publican «Little Egypt», una canción escrita, cómo no, por Jerry Leiber y Mike Stoller. Los Coasters eran especialistas en combinar rock and roll, humor y personajes extravagantes. Y «Little Egypt» cuenta precisamente la historia de una misteriosa mujer que aparece en un espectáculo y deja a todo el mundo con la boca abierta. Es una canción descarada, divertida y con ese punto de espectáculo que tanto caracterizaba al grupo. SILVIO Y SACRAMENTO – NO TENGO CITA (Adivina adivinanza, parte 2ª.): https://www.youtube.com/watch?v=R3zXFFizxOk También en el disco «En misa y repicando» aparece «No tengo cita», cuyo título completo sería «Adivina adivinanza, parte 2ª». Aquí encontramos nuevamente ese Silvio juguetón que disfruta de las palabras, con los dobles sentidos y de llevar una canción a un terreno absolutamente personal. Y es que hay algo que se repite en muchas de sus versiones: Silvio no parecía tener ningún interés en respetar demasiado las versiones originales. Si una palabra podía cambiarse, se cambiaba. Si una frase podía decirse de otra manera, se decía y se quedaba tan pancho. Y si además podía provocar una sonrisa, mucho mejor. 6. MARY ANN / MARIANNE RAY CHARLES – MARY ANN: https://www.youtube.com/watch?v=ToBJ5VzEhNw Ahora nos vamos hasta 1956 y nos encontramos con Ray Charles. «Mary Ann» fue publicada por Atlantic Records y apareció como cara B de «Drown in My Own Tears». Es una canción de rhythm and blues con ese ritmo contagioso y esa mezcla de blues, gospel y música popular que caracterizó buena parte de la primera etapa de Ray Charles. Y aquí volvemos a encontrarnos con otra de las grandes referencias musicales que aparecen detrás de Silvio. SILVIO CON SUS DIPLOMÁTICOS – MARIANNE: https://www.youtube.com/watch?v=HtC4RSUSQZQ Y llegamos a su última formación: Silvio Con Sus Diplomáticos y al disco «A Color. To Africa From Manchester», publicado en 1999. El álbum fue la última grabación de estudio de Silvio y está formado en buena parte por nuevas lecturas de canciones que habían acompañado su carrera. Para esta adaptación, Silvio elige para el título, «Marianne», y otra vez encontramos esa capacidad de coger un clásico del rhythm and blues y convertirlo en una canción que parece llevar toda la vida formando parte del repertorio de Silvio, descubriendo la gran influencia que tuvo en Silvio la música negra. 7. PIGLIATE 'NA PASTIGLIA / FILLE DE LA BASTILLE RENATO CAROSONE – PIGLIATE 'NA PASTIGLIA: https://www.youtube.com/watch?v=IHqI4kwMq2g Y llegamos a Italia. En esta ocasión, nos vamos hasta Nápoles para encontrarnos con Renato Carosone. «Pigliate 'na pastiglia» pertenece a ese universo musical de Carosone en el que la tradición napolitana se encuentra con el jazz, el swing y los ritmos americanos. La canción, además, tiene ese sentido del humor tan característico de Renato Carosone. «Pigliate 'na pastiglia» significa, literalmente, «tómate una pastilla». Y a partir de ahí se construye una historia llena de ironía y situaciones disparatadas. SILVIO CON SUS DIPLOMÁTICOS – FILLE DE LA BASTILLE: https://www.youtube.com/watch?v=j59d-6WO1X8 Continuamos con Silvio Con Sus Diplomáticos y ahora nos topamos con «Fille de la Bastille», y volvemos a encontrarnos con otra de esas pequeñas locuras lingüísticas tan habituales en su repertorio. Después de cantar en español, italiano o inglés, ahora aparece el francés. O

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! GET LUCKY En esta entrega de Explorando Versiones, nuestra amiga Agartha, de Radio Apis Music, nos hablará de la canción «Get Lucky», del dúo francés de música electrónica «Daft Punk». DAFT PUNK FT. PHARRELL WILLIAMS, NILE RODGERS - GET LUCKY https://www.youtube.com/watch?v=5glDAaCaazc MIRACLES OF MODERN SCIENCE https://www.youtube.com/watch?v=YCvFdWnzkcI DAUGHTER https://www.youtube.com/watch?v=T5Cp55MvX54 NEWTONE ORCHESTRA https://www.youtube.com/watch?v=VLm1IVcMVDs PHONEPRODS - GET LUCKY MAMBO VERSION https://www.youtube.com/watch?v=3cyvrq7mapM THE STRUTS https://www.youtube.com/watch?v=7whDIhkHS7I MARTIN MILLER & KIRK FLETCHER https://www.youtube.com/watch?v=oPkaHxvxoso

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Hola soy Roberto de la radio Onda Wantuki y del programa “Wantuki Connection” y hoy, en Explorando versiones, vamos a viajar hasta 1966 para conocer una canción que con el paso de los años ha tenido muchísimas vidas, pero que nació de la imaginación de un personaje muy particular: Lee Hazlewood. LEE HAZLEWOOD & SUZI JANE HOKOM - SUMMER WINE: https://www.youtube.com/watch?v=qak5P0TkCts Hazlewood fue mucho más que un compositor. Fue productor, cantante, arreglista y una de esas figuras difíciles de clasificar dentro de la música estadounidense de los años 60. Y hoy voy a hablaros de una canción que me gusta mucho: Summer Wine. Hazlewood escribió esta historia en 1966. Una historia casi de película: un hombre que camina por la carretera con sus espuelas de plata, conoce a una mujer que le invita a probar su particular “vino de verano”… y después de beber, cuando despierta, descubre que la misteriosa mujer ha desaparecido llevándose sus espuelas y su dinero. La primera versión la grabaron el propio Lee Hazlewood y Suzi Jane Hokom, cantante y colaboradora habitual de Hazlewood. La registraron en 1966 y posteriormente apareció publicada en el álbum The Very Special World of Lee Hazlewood. LEE HAZLEWOOD & NANCY SINATRA: https://www.youtube.com/watch?v=IVe_DsEi4pY Pero Hazlewood debió pensar que aquella historia todavía podía dar más de sí, porque volvió a grabarla con Nancy Sinatra. Aquella versión apareció originalmente en el álbum Nancy in London y después fue publicada como cara B de Sugar Town. Y aunque estaba escondida en la cara B, terminó convirtiéndose en un éxito, llegando al número 49 del Billboard Hot 100 en 1967. Y a partir de ahí comenzó la verdadera historia de Summer Wine: una canción que ha pasado por voces, estilos y países muy diferentes. KELA GATES Y LOS BELKINGS - NÉCTAR DE VERANO: https://www.youtube.com/watch?v=yWWekqLI5WI Y después del éxito de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood, Summer Wine empezó a viajar y a transformarse. Nos vamos ahora hasta Perú, 1968, donde la cantante Kela Gates, acompañada por el grupo peruano Los Belking's, convirtió Summer Wine en “Néctar de verano”. Y aquí tenemos una de las primeras versiones realmente diferentes que vamos a encontrar, porque no se limitaron a traducir la canción. Kela Gates escribió una nueva letra en castellano adaptándola a la música de Summer Wine. Y hay una pequeña historia detrás de esa letra: el proyecto surgió con bastante rapidez, y según se cuenta, Kela comenzó a escribirla durante el trayecto hacia el estudio de grabación, llegando prácticamente con la canción terminada. Los Belking's, por su parte, eran uno de los grupos más importantes del rock peruano de los años 60, conocidos especialmente por su trabajo instrumental y por mezclar el rock con influencias de otros estilos. El resultado es curioso: desaparece buena parte del ambiente de western psicodélico de Nancy y Lee y aparece una interpretación mucho más cercana a la canción melódica y a la nueva ola latinoamericana. Así que vamos a escuchar ahora cómo sonaba Summer Wine cuando cambió su nombre y se convirtió en “Néctar de verano”, con Kela Gates y Los Belking's. MARIE LAFORÊT - LE VIN DE L'ÉTÉ: https://www.youtube.com/watch?v=mKTLbfbpO-o Y seguimos avanzando cronológicamente, porque Summer Wine ya ha cruzado el Atlántico y ahora cambia incluso de idioma. Estamos en Francia, 1969, y aquí nos encontramos con Marie Laforêt, una de las grandes voces de la canción francesa de los años 60, acompañada por Gérard Klein. La canción pasa a llamarse “Le vin de l'été”, es decir, “El vino del verano”, y la adaptación de la letra corre a cargo del conocido letrista francés Eddy Marnay, mientras que la música continúa siendo, por supuesto, de Lee Hazlewood. La historia sigue siendo prácticamente la misma: el encuentro entre una mujer misteriosa y un extranjero, la seducción, ese particular vino de verano que provoca la embriaguez... y, al día siguiente, la sorpresa de descubrir que la mujer ha desaparecido llevándose consigo el dinero del protagonista. Pero aquí cambia completamente el ambiente. La interpretación de Marie Laforêt le da a la canción un aire mucho más europeo y de chanson francesa, mientras que Gérard Klein ocupa la parte masculina del relato. Y hay algo curioso: esta versión forma parte de una etapa de la carrera de Laforêt en la que estaba explorando precisamente canciones procedentes de otras culturas y del folk, por lo que Summer Wine encajaba perfectamente en ese nuevo camino musical. Así que vamos a escuchar ahora cómo sonó Summer Wine en francés. Esto es “Le vin de l'été”, de Marie Laforêt y Gérard Klein. DEMIS ROUSSOS Y NANCY BOYD: https://www.youtube.com/watch?v=FoZf8jy7bN4 Después de viajar hasta Francia, vamos a dar ahora un salto bastante más grande en el tiempo y, sobre todo, en el estilo. Estamos en 1986, y nos encontramos con una versión de Summer Wine bastante curiosa: la de Demis Roussos y Nancy Boyd. Sí, el mismo Demis Roussos que triunfó internacionalmente con canciones como Forever and Ever o Goodbye, My Love, Goodbye. Aquí se atreve con la canción de Lee Hazlewood, acompañado por Nancy Boyd en la parte femenina. La canción conserva la letra en inglés y la estructura del famoso dúo de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood, pero el sonido cambia completamente. Donde la versión original tenía ese aire oscuro, misterioso y casi cinematográfico de los años 60, Demis Roussos la lleva a un terreno mucho más pop y melódico, muy propio de los años 80. Y hay un detalle curioso: esta grabación fue publicada como single en 1986. Así que tenemos otra vez a un hombre y una mujer contando esta historia de seducción, vino y... bueno, ya sabemos que después de ese vino el protagonista acaba perdiendo algo más que la cabeza. Vamos a escuchar ahora “Summerwine”, la versión de Demis Roussos y Nancy Boyd de 1986. TANJU OKAN & RÜÇHAN ÇAMAY - BABAM GIBI (EN TURCO): https://www.youtube.com/watch?v=x0_lJQ8NiZo Y ahora vamos a hacer una parada bastante más exótica, porque Summer Wine se nos va nada menos que hasta Turquía. Estamos en 1968, y aquí la canción cambia de nombre, de idioma… ¡y directamente de argumento! La versión corre a cargo de Tanju Okan (Tanyú Okán) y Rüçhan Çamay (Ruchán Chamái), acompañados por el Durul Gence 5'lisi (Durul Guenche Beşlisi). La canción se titula “Babam Gibi” (Babám Guibí), que podemos traducir aproximadamente como “Como mi padre”. Y atención, porque aquí Lee Hazlewood y su historia de vino, seducción, espuelas y una misteriosa mujer desaparecen por completo. ¡Adiós al vino de verano! En esta versión turca, la historia cambia y gira alrededor del amor, el matrimonio y la familia. La conversación es entre un hombre y una mujer, y él intenta convencerla de que no todos los hombres son iguales… ¡y que incluso está dispuesto a pedir permiso a su madre! Vamos, que hemos pasado de una historia de seducción peligrosa a una especie de negociación familiar para conseguir casarse. ¡Esto sí que es una versión! La melodía de Summer Wine sigue ahí, pero la letra se adapta completamente al público turco. Y eso es precisamente lo divertido de Explorando versiones: comprobar cómo una misma canción puede conservar su música y, sin embargo, convertirse en una historia completamente diferente. Además, tenemos aquí a dos nombres importantes de la música turca: Tanju Okan, una de las voces más reconocibles de la canción popular de Turquía, y Rüçhan Çamay, cantante vinculada también al jazz y a la música popular. Así que vamos a escuchar qué ocurre cuando Summer Wine deja el vino, se olvida de las espuelas y acaba hablando… ¡de papá, mamá y matrimonio! HOTROD FRANKIE: https://www.youtube.com/watch?v=ZPE96xYaHjg Y después de viajar por diferentes países, idiomas y estilos, vamos a darle ahora una vuelta de tuerca bastante más salvaje a Summer Wine. Porque si pensábamos que esta canción tenía que sonar siempre elegante, misteriosa y sensual… ¡Agárrate! Nos vamos hasta Suecia para encontrarnos con Hot Rod Frankie, un proyecto de psychobilly y rockabilly formado por músicos relacionados con la banda sueca Ultima Thule. Y en 2011 publicaron Uncover Discover Recover, un álbum dedicado prácticamente por completo a las versiones. Allí se atrevieron con canciones tan diferentes como temas de Ramones, C**k Sparrer, Muse… y también con Summer Wine. Pero aquí Lee Hazlewood se encuentra con una guitarra mucho más agresiva, un ritmo acelerado y ese sonido entre el rockabilly, el punk y el psychobilly que caracteriza a Hot Rod Frankie. Vamos, que de las espuelas plateadas de Nancy Sinatra hemos pasado directamente a chupa de cuero, gasolina y contrabajo. ¡Esta versión no invita precisamente a tomar una copita tranquilamente! Así que vamos a escuchar cómo suena Summer Wine cuando pasa por las manos de Hot Rod Frankie. THE JAMAICA BAND (REGGAE): https://www.youtube.com/watch?v=g3A3IvI-6PA Y seguimos explorando versiones, porque ya hemos comprobado que Summer Wine puede sonar de muchas maneras… pero todavía nos faltaba algo. ¿Y si llevamos la canción de Lee Hazlewood directamente al Caribe? Pues eso es precisamente lo que encontramos en esta versión de The Jamaica Band. Aquí desaparece buena parte del ambiente de folk y rock de las versiones que hemos escuchado hasta ahora y Summer Wine se transforma en una interpretación con un marcado sabor jamaicano y reggae, mucho más relajado y bailable. Y es curioso cómo una canción que originalmente hablaba de un encuentro misterioso, unas espuelas de plata y un vino de verano puede cambiar completamente de personalidad simplemente modificando el ritmo. De repente, donde antes teníamos

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! RAPPER'S DELIGHT Muy buenas oyentes de Explorando Versiones, aquí Chesco Murillo, creador audiovisual, cómico entre otras cosas y a pesar de mis vídeos virales de grupos que casi todos son de punk, hoy venga hablaros de rap, un rap muy primigenio. En concreto el tema Rapper's Delight de Sugarhill Gang. SUGARHILL GANG - RAPPER'S DELIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=H8yUxDOHlh8 Esta canción se publicó en 1979 y ayudó a popularizar el rap, unos ritmos bailongos y ochenteros, uno de los himnos de la cultura hip-hop. La canción curiosamente de forma comercial tiene una duración de casi 5 minutos, pero cuenta con versiones de 6 minutos y su versión completa que dura tan solo 14:36, tenían cosas que contar. Como todo buen himno dentro del hip hop, otros artistas han utilizado la instrumental o la han reversionado con los mismos sonidos. DEF SQUAD - DEF SQUAD DELITE: https://www.youtube.com/watch?v=AfqSY7dgia8 El grupo Def Squad, el supergrupo formado por Redman, Erick Sermon y Keith Murray, es significativo que sea un trío de MC's, ya que Sugarhill Gang también lo eran. En 1998 sacaron Def Squad Delite, usando la instrumental tal cual, ellos mismos lo consideraron un cover, algo no muy habitual en el rap. FREESTYLE KASE O Y ERIK B: https://www.youtube.com/watch?v=ykx0pH9Mc-E Pero si nos movemos al panorama nacional uno de los mayores referentes del rap en español también versionó la canción en un freestyle, Kase O, junto a Erik B, no se sabe el año exacto ya que es una grabación rara que su publicación al menos en Wikipedia data de 2010, la realidad es que es un directo en Zaragoza Realidad por lo que probablemente la grabación date del 2003. ASEREJE: https://www.youtube.com/watch?v=arZZw8NyPq8 Y si hablamos de España, y nos lo llevamos a un terreno más cómico, no podemos olvidar que Las Ketchup en 2002 lanzaron Asareje, qué ese estribillo tan raro y pegadizo no deja de ser Rapper's Delight como lo pronunciaba su amigo Diego, con un malísimo pero divertido inglés. DESPEDIDA Si habéis llegado hasta aquí, muchas gracias por escucharme. Un saludo a todos los oyentes y un fuerte abrazo a Explorando Versiones. Chesco Murillo para todos vosotros… ¡¡Adiós!! Web de Chesco Murillo: https://chescomurillo.com/ Canal de Youtube: https://www.youtube.com/@ChescoMurillo Instagram: https://www.instagram.com/chescoxz/ Linkedin: https://www.linkedin.com/in/chesco-murillo

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! SILVIO FERNÁNDEZ MELGAREJO - PARTE 1 Hola amigos, soy Francisco, y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones. Hoy no hablaremos de una canción concreta, sino de uno de los personajes más singulares que ha dado el rock español: Silvio Fernández Melgarejo, conocido por todos simplemente como Silvio. Para entender quién fue Silvio hay que viajar a los años 60, cuando comenzó su aventura musical marcando el ritmo de la batería en grupos como Los X-5 (en el año 63) y Los 5 Mercurys (en los años 64 y 65). Esta vocación le venía desde niño por su pasión por la Semana Santa y el ritmo de sus tambores. Como batería, ya destacaba en la escena musical sevillana por sus espectaculares solos y su actitud de showman en las actuaciones. Poco después, en 1968, pasaría por la banda de rock progresivo Gong y, en 1970, por Smash, una de las bandas pioneras de la psicodelia y la fusión del rock y flamenco en España. Tras un retiro temporal motivado por su boda, celebrada en 1971 con la aristócrata británica Carolyn Williams, Silvio desaparece durante unos años de la escena musical. Aquella etapa quedó rodeada de multitud de leyendas que aún hoy siguen circulando por Sevilla. Tras superación, a finales de los setenta, Silvio regresó, pero esta vez al frente del micrófono. Ahí arrancó su leyenda, liderando a grupos como Silvio y Luzbel, Barra Libre, Silvio y Sacramento o Silvio con sus Diplomáticos. Pero Silvio no estaba solo. Siempre estuvo rodeado de músicos de un nivel brutal, capaces de seguirle en directo, aunque Silvio decidiera salirse del guión y tirarse de cabeza por un barranco. Entre todos ellos merece una mención especial Pive Amador, batería, compositor y autor de muchas de las canciones más memorables que cantó Silvio. Los más asiduos del podcast recordaréis que en el Capítulo 1 ya escuchamos su mítica versión de «Stand by me», que tituló «Rezaré», y en el Capítulo 8 disfrutamos de otra de sus versiones emblemáticas: «Hound Dog». Silvio no hacía versiones convencionales: mezclaba italiano, francés o inglés siempre inventado, con acento sevillano, y transformaba cualquier clásico en algo propio. 1. ANNA PERCHE / ANA NO ESTÁ NICOLA DI BARI - ANNA PERCHE (En italiano): https://www.youtube.com/watch?v=UpwXVBRQZ6Y Arrancamos con la versión original de «Anna perche», que se publica como sencillo en 1976 por Nicola Di Bari titulado La Piu' Bella Del Mondo. Esta canción, cantada en italiano, es una balada dramática de tono melancólico y arreglos orquestados y trata sobre el amor desgarrador que siente por Anna el protagonista de la historia. NICOLA DI BARI - ANA NO ESTÁ (ANNA PERCHE) (En español): https://www.youtube.com/watch?v=ccdSiI2wNjc En aquellos años era muy común publicar sus propias versiones en otros idiomas del tema original para llegar mejor al público extranjero, y así Nicola Di Bari publica, también en 1976, esta versión en español en el disco La Más Bella Del Mundo. SILVIO Y LUZBEL - ANA NO ESTÁ (ANNA PERCHE): https://www.youtube.com/watch?v=CMxlyZx1Dkk Cuatro años más tarde, en 1980, Silvio y Luzbel publica su primer y único álbum de estudio, titulado Al este del Edén. En él aparece esta versión en español del tema de Nicola Di Bari, en la que intercala frases en español y en italiano, convirtiendo la canción en algo innovador para la época y marcando así su sello personal. 2. MYSTERY TRAIN / TREN TREN LITTLE JUNIOR'S BLUE FLAMES - MYSTERY TRAIN: https://www.youtube.com/watch?v=7KbjWK6kTQg Ahora viajamos a los cimientos del rock and roll con «Mystery Train», grabada originalmente en 1953 en los estudios de Sun Records en Memphis por Little Junior Parker y sus Blue Flames. Se trata de un blues incisivo, hipnótico y con un compás ferroviario que marcaba el camino de lo que estaba por venir. ELVIS PRESLEY - MYSTERY TRAIN: https://www.youtube.com/watch?v=njw2oB8oRTs Apenas dos años después, en 1955, el gran ídolo de Silvio, Elvis Presley, toma ese mismo tema, le mete un chispazo de rockabilly y lo convierte en un clásico absoluto de la historia de la música. Se trata de un blues ferroviario de ritmo incansable que huele a sudor y carbón. SILVIO Y BARRA LIBRE - TREN TREN: https://www.youtube.com/watch?v=ehGOZuJ2Q0k Tras la disolución de Luzbel, Silvio necesitaba un nuevo proyecto y se unió a Miguel Ángel Iglesias para fundar Barra Libre. En 1984 publican su único disco, homónimo. Fiel al estilo de Silvio, la letra mezcla el inglés macarrónico con el español, repitiendo el contagioso estribillo con un desparpajo absoluto, muy propio de la irreverencia de la Sevilla de los años 80. 3. LAS CRIATURAS BRIGADA LIGERA - LAS CRIATURAS: https://www.youtube.com/watch?v=gvxJKNU7QPw En el año 1985 se publica el EP 27 Puñaladas, en el que aparece este tema titulado «Las criaturas», de la banda sevillana Brigada Ligera, de la que formaban parte por entonces Andrés Herrera (pájaro) y Juan José Pizarro a las guitarras y Pive Amador a la batería, Estos músicos más tarde formarían parte de Silvio y Sacramento. SILVIO Y SACRAMENTO - LAS CRIATURAS: https://www.youtube.com/watch?v=0-ZGq72JhVc Tres años después, en 1988, el tema alcanza su forma definitiva en el disco Fantasía occidental de Silvio y Sacramento, transformando la canción original en una atmósfera mística y profunda. En cuanto a la letra, Pive Amador fusiona los versos de San Juan de la Cruz, entrelazando fragmentos de sus poemas, consiguiendo así un contraste único entre la solemnidad espiritual y el rock sevillano. 4. HIS LATEST FLAME / BETIS ELVIS PRESLEY - HIS LATEST FLAME (MARIE'S THE NAME): https://www.youtube.com/watch?v=59pOE3OmUi8 Ahora saltamos a 1961 con el «His Latest Flame» del mismísimo Elvis Presley, uno de los cantantes de cabecera de Silvio como ya hemos dicho. El tema es un medio tiempo que cuenta con esa guitarra acústica galopante y una tensión contenida que destila pura chulería americana. SILVIO Y SACRAMENTO - BETIS: https://www.youtube.com/watch?v=skmyIjYVtlQ También para el disco Fantasía Occidental, Pive Amador firma la letra de la mítica canción «Betis». Pive, batería del grupo y bético confeso, decidió poner en un buen aprieto al bueno de Silvio poniendo en su boca uno de los himnos más famosos dedicado al Real Betis Balompié. Silvio, sevillista hasta la médula, aceptó el órdago, pero con trampa: ya que al cantar el estribillo siempre evita decir la letra «B» y se despacha con un «¡Etis!». Sin duda, una maravillosa clase de historia futbolística. 5. BUSCANDO PELEA / VENGO BUSCANDO PELEA ANTONIO MOLINA - BUSCANDO PELEA: https://www.youtube.com/watch?v=u3gNFOYL-zg La siguiente canción se titula «Buscando pelea», un tema con música de López-Quiroga y letra de Salvador Guerrero. Fue grabado por Antonio Molina y publicado en 1972 en formato sencillo por el sello Discophon, mostrando la vertiente más enérgica y dramática del cantaor malagueño. SILVIO Y SACRAMENTO - VENGO BUSCANDO PELEA: https://www.youtube.com/watch?v=a0S32Pqyujw En 1990, Silvio y Sacramento publica su segundo álbum, titulado En misa y repicando, donde aparece esta copla de Antonio Molina convertida en un rock vibrante sin perder su esencia. Y si alguien pensaba que solo miraba hacia Elvis o a los cantantes italianos, estaba muy equivocado. Silvio también llevaba metidos en las venas la copla y el folclore español, rescatando esta joya de Molina y llevándola directamente a su terreno. 6. SÁBADO TRISTE ADRIANO CELENTANO - SABATO TRISTE (ITALIANO): https://www.youtube.com/watch?v=Su8Ys23r40o Este tema nace en Italia en 1963 de la mano de Adriano Celentano. Editado como sencillo por su sello propio “Clan Celentano”, «Sabato triste» combina la métrica del rock and roll primigenio con la socarronería y el desparpajo que convirtieron a Celentano en un ídolo de masas. ADRIANO CELENTANO - SÁBADO TRISTE: https://www.youtube.com/watch?v=cJQeXVFh0Jk Y al igual que pasara con Nicola Di Bari, el propio Celentano se encarga de la adaptación al español, publicada en España como “Sábado triste” por la discográfica Discophon en 1963 dentro de un EP de cuatro canciones para maximizar su éxito en el país. SILVIO Y LOS DIPLOMÁTICOS - SÁBADO TRISTE: https://www.youtube.com/watch?v=-wV7SIXMwfo Años después de la separación de Silvio y Sacramento, la salud de Silvio se vio seriamente afectada por sus problemas con la bebida. Sus amigos decidieron arroparlo y crear Silvio y Los Diplomáticos para volver a subirlo a un escenario. Y en el año 1999, Silvio publica su último disco, esta vez con Los Diplomáticos, titulado A Color. To Africa From Manchester, donde Silvio parte de la adaptación al español realizada por Celentano para construir esta versión completamente personal, combinando el castellano con un fraseo italiano improvisado sobre una base puramente rockera. 7. SECOND FIDDLE GIRL / QUE TON COEUR ME SOIT FIDÈLE BARBARA LYNN – SECOND FIDDLE GIRL: https://www.youtube.com/watch?v=dCN4P_Y--pc En 1962, la cantante y guitarrista Barbara Lynn publica el sencillo «Second Fiddle Girl» bajo el sello Jamie Records, un tema de soul y R&B que más tarde incluiría en su primer LP. La canción, llena de ritmo y sentimiento, habla de no querer ser el segundo plato de nadie. PETULA CLARK - QUE TON COEUR ME SOIT FIDÈLE: https://www.youtube.com/watch?v=KPDIDX0Z0Ho Tan solo un año después, en 1963, esta melodía cruza el Atlántico. Los compositores franceses adaptaron el tema de Barbara Lynn al mercado europeo bajo el título «Que ton cœur me soit fidèle». La encargada de inmortalizarla en francés fue la gran estrella británica Petula Clark, transformando aquella melodía en un elegante y refinado tema de pop sesentero. SILVIO Y LOS DIPLOMÁTICOS - JE VEUX QUE T'ON COEUR ME SOIT FIDEL: https://

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Bienvenidos al manicomio, estáis escuchando el episodio 100 de Explorando Versiones. El podcast que nació de las entrañas de Locos por Incordiar para demostrar que, si una canción es mítica, nosotros siempre encontraremos una versión que la mejore... o que te den ganas de arrancarte las orejas nunca se sabe. Durante esta pechá de episodios seguro que hemos aprendido, conocido nuevas versiones de temas míticos o simplemente hemos dado autoría real a canciones que creíamos de otros artistas Hemos explorado desde el rock más puro hasta sintonías de anime pasando por canción protesta, country, reggae, rumba canalla…… artistas como Elvis, The Beatles, Bob Marley, The Clash o como no, nuestros admirados Siniestro Total. Nos hemos sorprendido diciendo cosas como: “Ostia que buena esa version” o “J***r no sabia que esta cancion era de…” pero tambien hemos pensado… “¿Qué necesidad había de hacer ésta?” Cien programas, ¡Cien!. ¿Quién nos iba a decir a nosotros, cuando grabamos aquel primer capítulo de “Stand by me”, que llegaríamos tan lejos sin que la policía nos cerrara el chiringuito de Torreblanca? Así que para tal efeméride hemos decidido hacer algo especial, porque no se cumplen 100 programas todos los días y porque hay que tener muchos amigos y amigas para llegar a esta cifra…. por eso mismo hoy os presentamos el especial 100 programas rodeados de esos amigos que han tenido que ver en mayor o menor medida con esta chalaura. Hoy no solo saludamos a los que nos buscáis en plataformas como iVoox, Spreaker, Apple Podcasts, o vuestra plataforma de confianza mientras vais al curro,estáis trabajando o lo que es peor…en el gimnasio. Hoy subimos el volumen para saludar a la gente que nos sintoniza a través de la radio convencional en FM y en radios online. Gracias a esas radios amigas que se atreven a pincharnos sin miedo a que les quiten la licencia. Gracias por estar ahí, al otro lado de la antena y de la pantalla. Llegar al programa 100 es un hito, pero llegar a vuestras casas a través de las ondas es un orgullo. Queremos mandar un abrazo fuerte a los locutores y técnicos de las radios que nos dan cobijo; gracias por creer en esta chalaura y por permitir que 'Explorando Versiones' sea ese ruido necesario en vuestro dial. Han sido un total de 40 participantes los que hemos participado de una manera u otra en este podcast de Explorando Versiones. Algunos le ha cogido el gusto hasta tal punto de haber empezado su propio podcast, otros han repetido la experiencia y se han convertido en unos maestros de esto y alguno que otro lo ha pasado regular pensando aquello de… “Como voy a hacer un podcast si yo no sé hacerlo”... Y antes de seguir con la fiesta con el sonido cochera, un último mensaje: Gracias a ti, que nos escuchas en la soledad de tus auriculares, y a ti, que nos tienes puestos de fondo en la radio de la cocina. Vosotros sois los que dais sentido al trabajo que hacemos y por el que nos hemos puesto delante de un micro para desgranar canciones. ¡Por otros 100 programas más de versiones, de radio y de libertad!"

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! MANERAS DE VIVIR Un 23-F, maldita coincidencias, pero de 1954 nace en Madrid el hijo de unos emigrantes manchegos, de Bolaños de Calatrava para ser mas concreto al que tienen a bien poner el nombre de Rosendo Mercado por su padre y Ruiz por su madre. Criado entre Lavapiés y Carabanchel este inquieto niño aún no sabia que se convertiría en una leyenda del rock Español y como bien sabeis el unico Mercado fiable. LEÑO: https://www.youtube.com/watch?v=2ZK5zNkFgXc Ya de chaval encontraría en la música su verdadera pasión así que abandonó sus estudios en la escuela de ingeniería para incorporarse a la banda Fresa tocando versiones de canciones de moda y acompañando a algunos solistas puntualmente, corría el año 1972. De este embrión de banda, tras varios cambios de componentes y tras la incorporación de José Carlos Molina como cantante la banda pasó a denominarse Ñu y aquí comienza la leyenda de este músico de barrio. La mili, que para las nuevas generaciones puede sonar a Chino, era un servicio militar que tenias que hacer , del latín motu propio que significa por cojones y nuestro joven Rosendo tuvo que hacerla como todo kiski…. pero compaginó el servicio militar con la creación musical llegando a grabar con Curro Savoy durante esa época …. ahí tenéis otra búsqueda de Google imberbes oyentes de este podcast Ya en 1974 y en plena mili descubre la música de Rory Gallagher que significaría una influencia troncal en su estilo, su música y su vida casi. Es abiertamente conocida la mala relación de Rosendo con José Carlos Molina, cantante de Ñu, así que tras varias grabaciones y giras abandona la banda para fundar su propio grupo, el nombre elegido fue Leño… cuenta la leyenda que el nombre fue sugerido, sin querer por José Carlos Molina que sistemáticamente desechaba canciones que proponía Rosendo diciendo que eran un Leño. Leño, que merece otro explorando versiones se convertiría con el tiempo en la banda referencia del Rock Urbano pese a su corta trayectoria y es sin duda una influencia primordial de todos los músicos de rock que han venido después. Soy Sergio Serrato y hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de Maneras de vivir. La canción fue compuesta por Rosendo Mercado y lanzada como sencillo en 1981, más adelante es incluida en un disco en directo de la banda grabado en la sala Carolina y sin querer y sin saberlo se convirtió en un himno del Rock en Español siendo la canción más emblemática de la banda. Rosendo llegó a decir sobre el tema “Lo que quería expresar con Maneras de Vivir es que nos sentíamos diferente y nos gustaba sentirnos así ,esa era la idea pero la verdad no se muy bien como se me ocurrió la frase”. Como todo himno de cualquier estilo, esta canción se ha prestado a múltiples interpretaciones, versiones, tributos…..vamos que básicamente todo el mundo quiere cantar este tema aunque sea a su manera Aquí os voy a poner algunas de las versiones que a mí más me han gustado, seguramente me dejaré algunas pero eso deja abierta la puerta a que os animéis a hacer otro episodio de este podcast…si , ese que llevas tiempo deseando hacer… ya sabes LUZ CASAL: https://www.youtube.com/watch?v=30to3IQAWqo Luz Casal es sin duda una de las voces con más personalidad de la música en Español, amiga y muchas veces colaboradora de Rosendo se marcó entre muchas otras esta interpretación en directo de Maneras de vivir acompañado del propio maestro de Carabanchel MIGUEL RÍOS: https://www.youtube.com/watch?v=28htJcTrvvI Los viejos rockeros nunca mueren… eso dicen, ojalá fuera así aunque quizás sí que sea así… no sé. Miguel Ríos incluyó esta versión en su famosa gira y disco Rock in Ríos de 1982….. otro grande Mike Rivers EL GRAN WYOMING , EVA AMARAL Y ANA BELEN: https://www.youtube.com/watch?v=14zz0bvzUKs Cuando se tienen tantos y tan buenos amigos es lógico que se acuerden de tí, y eso le pasa mucho a Rosendo. En el programa especial nº 2000 del intermedio, El gran Wyoming interpreta esta canción junto a Eva Amaral y Ana Belén… hablando de voces con personalidad. Eva Amaral y Ana Belén han "tenido el placer" de acompañar a El Gran Wyoming para cantar 'Maneras de Vivir' y despedir el programa 2.000 de El Intermedio. REINCIDENTES Y BOIKOT: https://www.youtube.com/watch?v=wZGc9T6ZD44 Mis admirados Reincidentes con el gran Fernando Madina a la cabeza también han querido aparecer en este podcast, por eso hicieron esta versión junto a la banda madrileña Boikot….. o eso me han dicho BARRICADA: https://www.youtube.com/watch?v=DlpBk2L7I2E Cuando digo que este señor, esta banda y esta canción son la base de muchos músicos de rock que llegaron después no exagero, y prueba de ello es esta versión de Barricada y amigos en directo, en el festival Luna Lunera de Sos del Rey Católico en 2008… por cierto se suma a los coros Fernando de Reincidentes entre otros ROSENDO, BARRICADA Y AURORA BELTRÁN (DIRECTO 2008): https://www.youtube.com/watch?v=bc0AgzWf7no Y si, se pueden repetir versiones porque pa eso hago yo este episodio….y porque sinceramente creo que lo merece, en esta ocasión Rosendo, junto a Barricada y Aurora Beltrán en el concierto Otra noche sin dormir, en Las Ventas en 2008 KUTXI ROMERO (MAREA): https://www.youtube.com/watch?v=uUE84gsov4s Seguramente todos los que hemos soñado alguna vez escribir canciones envidiamos insanamente a este tío, Kutxi Romero … pero estoy seguro que él también envidia a Rosendo por escribir temazos así… tanto que incluyó esta versión en el disco de Marea Raigambre de 2008 TIGRE: https://www.youtube.com/watch?v=VKW359WjvXc Tengo que reconocer que cuando escucho el concepto Power trio me salta el pamplinometro pero es muy humano querer etiquetarlo todo así que vosotros mismos podréis decir cual merece esta versión de Tigre, valencianos de pro que hicieron esta versión para su disco Eléctrica religión LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=nYW0Ly0DImM La música en directo es algo así como la verdad, la sinceridad…donde a un grupo se le ve que es capaz de hacer. Mis admirados Suaves hicieron un disco en directo en 1995 grabado durante la gira 1994-95 y como no Yosi y los suyos interpretan en directo Maneras de Vivir con sus correspondientes solos de guitarra RAW BOOGALOO: https://www.youtube.com/watch?v=MOeY4hGZF0g Cuando una canción es buena suele ser transversal a muchos géneros, esta versión / rareza es el homenaje de Raw Boogaloo, con mucho Hammond, saxo tenor y la cálida voz de Pastora Andrades LABUELA: https://www.youtube.com/watch?v=oiG0-lHF5U4 A propuesta de la asociación cultural planeta Clandestino de Logroño , varios grupos riojanos publicaron un disco homenaje a Rosendo donde se incluye esta versión Heavy que seguramente hará las delicias de todos esos agita melenas con uñas negras que estáis escuchando WYOMING Y LOS INSOLVENTES (ACÚSTICO): https://www.youtube.com/watch?v=blya_V68ReI Si, también os voy a poner una versión en acústico esta tuvo lugar en un programa de la cadena ser en directo, con la reconocible voz y estilo del Gran Wyoming que también toca el piano y es acompañado de los insolventes. ANUNCIOS Y TV Habrá muchas otras versiones pero por si os quedaba alguna duda de cuanto supone esta canción en la cultora popular de nuestro país, aquí tenéis varios ejemplos de cómo ha sido usada en anuncios y series de televisión. NAFARROA, MANERAS DE VIVIR: https://www.youtube.com/watch?v=xu2mv6W-4gg En 2015 en Gobierno de Navarra lanzaba esta campaña publicitaria incluyendo una versión de Maneras de Vivir con sus Txalapartas, gaitas, acordeón y un gusto brutal para respetar el clásico… tanto que daban ganas de ponerse hasta el mocho de moyate en La Plaza del Castillo. M CLAN (ANUNCIO DE MAHOU CINCO ESTRELLAS): https://www.youtube.com/watch?v=hGYJv3sqPvI Si eres de esos que no le gusta la cerveza solo puedo acompañarte en el sentimiento, si en cambio te gusta seguro que recuerdas las campañas publicitarias de Mahou ….y sí también grabaron una versión para las mismas con Carlos Tarque de M-Clan, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jaime Urrutia y si… India Martínez. El emblemático tema de Leño fue interpretado por M-Clan, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jaime Urrutia e India Martínez para un anuncio de Mahou Cinco Estrellas. EL MINISTERIO DEL TIEMPO: https://www.youtube.com/watch?v=vhV_U8Tp5ZM A los que nos encanta la historia, el cine y las series bien hechas guardamos con cariño en la memoria esa escena del Ministerio del Tiempo en el que Lope de Vega le mete ficha a la prota y su enamorado le responde con otros versos…. más castizos, más de barrio, más de Carabanchel. CONCLUSIONES MANERAS DE VIVIR (DIRECTO LAS VENTAS): https://www.youtube.com/watch?v=-7oN5FNpqlI Rosendo nos ha regalado himnos como maneras de vivir o sin ir mas lejos canciones que han dado nombre a podcast como Locos por Incordiar el cual recomiendo encarecidamente, pero siempre ha sido sinónimo de sinceridad, Rosendo es la verdad en una guitarra, sin postureos, poses de diva y complementos de purpurina, por eso Rosendo Mercado es el único mercado fiable, por eso todos quieren cantar sus canciones, por eso aunque retirado de la música como trabajo sigue resonando, sigue siendo versionandos y sigue recibiendo homenajes tan buenos como estas versiones y tan humildes como este episodio de Explorando Versiones….. nos vemos en los bares.

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Hola, hola... ¿qué tal? Buenos días, buenas tardes o buenas noches, dependiendo de cuándo le deis al play. Yo soy Raulillo y hoy me paso por Explorando Versiones para hablaros de una de las canciones más míticas de la historia del rock. Y sí... seguro que la habéis reconocido en cuanto ha empezado a sonar. Pero lo que mucha gente no sabe es que esta canción nació en uno de los peores momentos de Queen. EPIC ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=ETKeFJaLPtM Porque, antes de convertirse en leyendas, el grupo estaba prácticamente arruinado. Imaginadlo: Freddie Mercury era diseñador gráfico, Roger Taylor estudiaba odontología, John Deacon era ingeniero electrónico y Brian May, físico y matemático, llegó incluso a fabricarse su propia guitarra, la mítica Red Special. Cuatro músicos brillantes que, pese a tener ya varios discos y giras internacionales, seguían sin ver un duro. Todo por culpa de un contrato terrible con su mánager y con Trident, la filial de EMI que manejaba la banda. Mientras Queen llenaba salas, ellos acumulaban deudas. La situación era tan surrealista que a Roger Taylor le pedían tocar más flojo para no gastar tantas baquetas... mientras su mánager aparecía conduciendo un Rolls-Royce nuevo. Freddie Mercury lo tuvo claro: aquello tenía que terminar. Queen despidió a su mánager y se jugó el todo por el todo con un nuevo disco. EMI quería un éxito gigantesco y la banda sabía que, si fallaban, probablemente desaparecerían. Aquel álbum fue A Night at the Opera... y dentro escondía una canción imposible. Esa canción era Bohemian Rhapsody. Y hoy, en Explorando Versiones, vamos a recorrer su historia y algunas de las reinterpretaciones más sorprendentes que ha dejado uno de los temas más inmortales de todos los tiempos. Afinad el oído... porque comenzamos. QUEEN - BOHEMIAN RHAPSODY: https://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ La banda londinense tenía claro que su nuevo disco podía ser el último. Era una apuesta a todo o nada, sin nada que perder y muchísimo que ganar. Y Freddie Mercury se lo tomó literalmente. El álbum A Night at the Opera comenzó a grabarse en agosto del 75 y se convirtió en el más caro de la historia hasta ese momento. ¿La razón? Entre otras cosas, para dar forma a la canción que Freddie tenía en la cabeza se utilizaron cinco estudios de grabación distintos y más de 180 pistas de sonido. Solo él sabía cómo debía sonar aquello, y el resto del grupo se limitaba a tocar lo que les pedía, sin tener ni idea de cómo iba a terminar construyéndose la pieza. El disco salió en noviembre de ese mismo año, pero, curiosamente, Bohemian Rhapsody no fue el primer single. Para los directivos de EMI era una locura: demasiado larga para la radio, sin estribillo y mezclando ópera, rock y balada de una forma que nadie terminaba de entender. Pero ocurrió algo inesperado. Una copia de la canción llegó a manos de Kenny Everett, DJ de la radio londinense Capital Radio. Everett quedó tan impresionado con la rapsodia que la emitió hasta 14 veces en un solo fin de semana. Y, a partir de ahí... el resto es historia. Más de nueve semanas seguidas en el número uno de las listas del Reino Unido y un éxito mundial que llevó a Queen a girar por todo el planeta, batiendo récords de asistencia en sus conciertos. Bohemian Rhapsody no solo se convirtió en un himno, también marcó varios hitos. Quizá el más importante: fue uno de los primeros videoclips de la historia, el primer single promocionado con un vídeo pensado específicamente para televisión. Así que todos los que hemos crecido con la MTV y aquellas épocas doradas de los videoclips - antes de que, para muchos, perdiera parte de su magia-, en realidad tenemos que darle las gracias a Queen por haber apostado todo a esta canción. Otro momento clave llegó en 1991, tras la muerte de Freddie Mercury, cuando la canción volvió al número uno en las listas de todo el mundo dieciséis años después de su lanzamiento. Y aún habría más. En 1992, Bohemian Rhapsody volvió a resurgir gracias a la película El mundo de Wayne, donde Mike Myers, interpretando a Wayne, aparecía en un coche junto a sus amigos agitando la cabeza al ritmo de la canción, en una escena que se volvió icónica. Años después, en el biopic sobre Freddie Mercury, Bohemian Rhapsody, ganador de cuatro premios Óscar, el propio Mike Myers aparece en un guiño brillante interpretando a un directivo de EMI que no quiere que la canción suene en la radio... cerrando así el círculo con uno de los homenajes más inteligentes del cine musical reciente. MONTSERRAT CABALLÉ Y BRUCE DICKINSON: https://www.youtube.com/watch?v=X3Ps5FW5rzs Freddie Mercury estaba profundamente enamorado de la ópera y, especialmente, de la voz de Montserrat Caballé, algo que nunca ocultó. De hecho, esa admiración llegó a materializarse en 1988 con uno de los cruces más inesperados de la música: el álbum Barcelona, donde el líder de Queen y la soprano española fusionaron sus estilos. Lo que estamos escuchando pertenece ya a otro proyecto de Caballé, grabado en 1997, en un disco lleno de colaboraciones titulado Friends for Life. Un trabajo que nace casi como continuación natural de aquella etapa en la que la soprano descubrió el poder de los duetos y la capacidad que poseía para adaptar su lírica a otros estilos musicales. Y aquí es donde todo se conecta. Porque este disco no es solo una colección de colaboraciones, sino también un homenaje directo a Freddie Mercury, fallecido seis años antes. Ya que Caballé abre el álbum con esta versión de Bohemian Rhapsody. Bajo la producción de Mike Moran, el mismo músico que ya había trabajado codo con codo con Freddie Mercury y Montserrat para producir Barcelona, se cerró un círculo creativo donde la ópera, el rock y la emoción no solo conviven... sino que se potencian entre sí. El elegido para el dueto fue Bruce Dickinson, cantante de Iron Maiden y uno de los vocalistas más representativos del heavy metal. El resultado es un contraste fascinante: la voz lírica y perfectamente controlada de Caballé chocando -y al mismo tiempo encajando- con el registro dramático y arrollador de la voz de Bruce. THE BRAIDS: https://www.youtube.com/watch?v=O3QkBFkYdLg Vamos a dejar atrás un poco la lírica para ir con unos ritmos más sencillos. Esta versión pertenece al álbum The Braids, el único disco de estudio del dúo australiano formado por Angie Hart y Zoe Ellis. Un trabajo que mucha gente recuerda precisamente por atreverse con una reinterpretación muy distinta de Bohemian Rhapsody. La canción terminó formando parte de la banda sonora de la película High School High y consiguió algo nada fácil: transformar completamente un himno del rock sin perder su esencia. Además, la versión tuvo bastante repercusión en Estados Unidos, llegando hasta el puesto 42 de las listas de Billboard. Porque, en lugar de intentar competir con la grandiosidad de Queen, The Braids decidió llevar la canción hacia un terreno mucho más íntimo y atmosférico, mezclando soul, trip-hop y R&B con unas armonías vocales muy suaves y envolventes. El resultado es una Bohemian Rhapsody completamente diferente, casi hipnótica, que demuestra hasta qué punto la composición original de Freddie Mercury podía sobrevivir a cualquier género. El álbum también incluía temas como The Wind, Fire Escape o incluso una versión de Young Americans de David Bowie, dejando claro que el grupo tenía una fuerte influencia del pop sofisticado y del soul de los noventa. Y quizá ahí esté la magia de esta versión: no intenta imitar a Queen, sino reinterpretar la canción desde otro universo musical completamente distinto. Porque, cuando una composición es realmente inmortal, puede transformarse una y otra vez... y seguir funcionando. BETWEEN THE BURIED AND ME: https://www.youtube.com/watch?v=HvbA2Cnd5xw La versión de Bohemian Rhapsody de Between the Buried and Me es una reinterpretación sorprendente que encaja a la perfección con la banda. La grabaron en 2006 dentro de su disco de versiones The Anatomy Of, donde rendían homenaje a algunas de sus mayores influencias, como Metallica, Pink Floyd o King Crimson, antes de enfrentarse a uno de los temas más intocables de la historia del rock: el clásico de Queen. Años después, la banda recuperó esta versión y la lanzó también como parte de un EP de 7 pulgadas, distribuido de forma exclusiva en formato físico para los compradores de entradas VIP de su gira Transcending the Coma Tour en 2016, convirtiéndolo casi en una pieza de coleccionista. Entre los fans del metal progresivo, este cover es considerado uno de los mejores homenajes modernos a Queen, precisamente porque no intenta superar el original ni transformarlo en otra cosa. No cae en el típico enfoque de "metalizarlo" con doble bombo y guitarras pesadas; al contrario, BTBAM apuesta por algo mucho más inteligente: respetar la estructura original y potenciar su carácter teatral y progresivo. Y ahí está lo más interesante. Porque, cuando escuchas la versión de Between the Buried and Me, entiendes algo clave: Bohemian Rhapsody ya tenía, en esencia, alma de prog-metal. Cambios de dinámica, secciones múltiples, dramatismo operístico y libertad estructural... todo lo que definiría al género décadas después ya estaba ahí, esperando a ser reconocido. THE FLAMING LIPS: https://www.youtube.com/watch?v=X5E-C93lhG0 The Flaming Lips es una banda estadounidense de rock formada en Oklahoma City, Oklahoma, en 1983. Ellos mismos definen su sonido como rock psicodélico de varias capas y afirman que, líricamente, sus composiciones muestran elementos del rock espacial de finales de los sesenta y primeros setenta. The Flaming Lips lanzó su versión de Bohemian Rhapsody en 2005 como parte del álbum tributo Killer Queen.

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en una de las canciones más icónicas del punk español. Hablamos de “Autosuficiencia” de Parálisis Permanente. PARÁLISIS PERMANENTE - AUTOSUFICIENCIA: https://www.youtube.com/watch?v=OtKzflzRlsw La canción fue grabada por primera vez en octubre de 1981 y lanzada en enero de 1982 como parte de un EP compartido con Gabinete Caligari. Fue el debut en estudio de ambos grupos y marcó un antes y un después en la escena punk española. Parálisis Permanente destacó por su sonido oscuro, siniestro, muy alejado del optimismo de la Movida madrileña. “Autosuficiencia” habla de alguien aislado, encerrado en sí mismo, rechazando toda dependencia externa y alcanzando una independencia absoluta, casi extrema. En 2020, el diario El País la calificó como la canción más importante del punk español, un reconocimiento más que merecido, con el permiso de Ayatollah de los gallegos Siniestro Total (y del que ya hemos hablado en un Explorando Versiones). PIPERAK: https://www.youtube.com/watch?v=Ok-QbYyWn_o La primera versión que exploramos es la de Piperak, incluida en el álbum Los muertos de siempre, publicado en 1995. Esta banda, que formó parte de la escena punk española de los 90, aportó una lectura que respeta la esencia original pero la envuelve en una producción más pulida y contemporánea para la época. La interpretación de Piperak destaca por mantener la crudeza de la canción, pero con un sonido más elaborado, con guitarras distorsionadas y una voz que no pierde la agresividad. NARCO: https://www.youtube.com/watch?v=APpgp9nSS8k Luego nos encontramos con la versión que hizo la banda de rap metal Narco, publicada en 2017 dentro de la compilación Rockzone. The Bipolar Sessions 4. Narco, conocidos por su estilo que mezcla, rap, metal, hardcore y punk, imprimen a Autosuficiencia un giro extremo, con una energía brutal y una voz desgarrada que le da un carácter más violento y agresivo. La potencia sonora y la actitud enérgica de Narco convierten el tema en un grito de rebeldía contemporáneo, demostrando la influencia duradera de Parálisis Permanente en las bandas de metal y de punk más actuales. LADY SPARTAKUS: https://www.youtube.com/watch?v=Z8TIPvz9_Ec Una lectura completamente distinta nos llega de la mano de Lady Spartakus, una banda francesa formada en 2010. Su versión de Autosuficiencia es literalmente un susurro: delicada, atmosférica y casi como una caricia inquietante, que transforma la oscuridad punk en un terreno casi etéreo y experimental. Este enfoque minimalista y silencioso hace que la canción adquiera un aire introspectivo y fantasmal, llevando la letra hacia un espacio donde la soledad se siente desde la fragilidad en lugar de la rabia. VENTURI: https://www.youtube.com/watch?v=A-wB5htur3U Durante el confinamiento por la pandemia del COVID-19, muchos músicos recurrieron a grabaciones caseras para mantener viva la música. Venturi, un proyecto musical surgido en ese contexto, lanzó su versión de Autosuficiencia el 21 de marzo de 2020, justo al inicio de la crisis sanitaria global. Esta versión casera y sincera refleja perfectamente el sentimiento de aislamiento extremo que describe la canción, convirtiendo el acto de grabarla en una declaración personal y colectiva de resistencia y soledad compartida. La elección de Autosuficiencia para ese momento no fue casual: su mensaje resonaba por la situación mundial de estar encerrados teniendo que ser autosuficientes a la fuerza. ZÜ: https://www.youtube.com/watch?v=QEMmkjakyYM En una línea más suave, la mexicana Gabriela Medina, conocida por su nombre artístico Zü, presentó su versión en el álbum “Desde las Entrañas” de 1994. Conocida por su trabajo como vocalista de apoyo para bandas como Héroes del Silencio, Zü aporta a Autosuficiencia una interpretación pausada, que explora la canción desde un ángulo más íntimo y melancólico. Su voz femenina introduce una nueva dimensión emocional al tema, suavizando su agresividad original para convertirlo en una reflexión sobre el aislamiento desde la vulnerabilidad. NISTAL: https://www.youtube.com/watch?v=d6RX-xKk41c También merece un lugar especial la versión realizada por Nistal, un cantautor asturiano conocido por su sensibilidad melódica y su enfoque introspectivo dentro del pop-rock alternativo. Su versión de “Autosuficiencia” aparece en su álbum “10 Motivos para viajar de noche”. Aquí, Nistal transforma la canción en un ejercicio de delicadeza: guitarras acústicas, arreglos mínimos y una voz melódica que suaviza la dureza del mensaje sin restarle intensidad. El resultado es una interpretación intimista que convierte el aislamiento de la letra en algo más contemplativo, casi confesional. Su versión invita a mirar el tema desde la fragilidad y la calma, mostrando una nueva faceta del clásico de Parálisis Permanente, más cercana al indie que al punk. CELESTE CARBALLO Y LA GENERACIÓN: https://www.youtube.com/watch?v=YERuMfIv9UY La siguiente parada nos lleva a Argentina, donde en 1985 Celeste Carballo, una de las voces más potentes e intensas del rock argentino, publicó su disco “Celeste y La Generación”. Dentro de ese álbum —uno de los más radicales y viscerales de su carrera— aparece “Autosuficiencia” como la canción número 6, incrustada en un repertorio rebosante de rabia, electricidad y actitud punk. En esta época, Celeste había formado la banda La Generación Fusilada y contaba con la producción de Charly García, lo que dio al proyecto un sonido impetuoso, sucio y urgente. La versión es más agresiva: guitarras más crudas, una base rítmica que avanza como un latigazo y una interpretación vocal que mezcla furia con vulnerabilidad. Aquí, la autosuficiencia se siente como un estallido emocional. Es una de las versiones más intensas y transformadoras del tema, capaz de trasladar del underground madrileño al corazón de la escena rock de la Argentina de los años 80. ANALÓGICOS: https://www.youtube.com/watch?v=AyOY_zpyXvI Para cerrar este viaje, volvemos a España y a la potencia del rock de la banda sevillana Analógicos, que publicó su interpretación de Autosuficiencia en el año 2018 dentro de su primer disco “Salve, Mockers!”. El tema refleja claramente cómo Autosuficiencia sigue viva y en movimiento. Su interpretación es una explosión de energía rockera, con guitarras con ritmos sureños y un espíritu rebelde que rinde homenaje a la crudeza del original sin perder frescura. Una forma de conectar con nuevas generaciones manteniendo intacta su esencia. CONCLUSIÓN Autosuficiencia no es solo una canción; es un símbolo del punk que sigue vigente y en constante reinvención. Desde la crudeza original de Parálisis Permanente, hasta las versiones que van desde lo más agresivo y visceral hasta lo susurrado y sereno, cada artista aporta una nueva voz a este himno de aislamiento. Lo que está claro es que esta canción sigue inspirando y conectando con nuevas generaciones y estilos. Su mensaje resuena fuerte, y estas versiones son prueba de que Autosuficiencia no sólo permanece viva, sino que sigue evolucionando con el tiempo. Gracias por llegar hasta aquí, y ya sabes, nos vemos en el siguiente capítulo. ¡Un saludo!

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! En la nonagésima sexta entrega de Explorando Versiones, nos vestimos de gala (y nos soltamos el pelo) para desmenuzar un auténtico torbellino del siglo XXI. De la mano de nuestra amiga Sandra Brenes, nos adentramos en el laberinto sonoro de «Chop Suey!», el himno definitivo de System of a Down. ¿Cómo es posible que una canción que combina ritmos frenéticos, un breakdown esquizofrénico y letras sobre el suicidio se convirtiera en un clásico imperecedero de la radiofórmula? Lanzada en un momento histórico complicadísimo (en pleno septiembre de 2001), este tema rompió todos los moldes del metal y demostró que la agresividad también puede esconder una sensibilidad melódica brutal. En este episodio analizamos la genialidad de la pista original y su arrolladora fuerza en directo, pero prepárate, porque las mutaciones de hoy son de otra galaxia. MARGARITA SIPATOVA: https://www.youtube.com/watch?v=KMHqOyc5HlA THE ROCK ORCHESTRA https://www.youtube.com/watch?v=Q1wJ1U_0JEA SYSTEM OF A DOWN - CHOP SUEY (LIVE) https://www.youtube.com/watch?v=iKVzWSe26cU SYSTEM OF A DOWN - CHOP SUEY https://www.youtube.com/watch?v=GK-DkHHAMIU

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! Hola, ¿Qué tal estáis?... Para mí es un placer estar aquí y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones. En el día de hoy, hablaremos de una de las canciones más intensas y dramáticas jamás publicadas. Una historia que mezcla poesía persa del siglo XII, un triángulo amoroso entre leyendas del rock y un riff de guitarra que se grabó a fuego en la memoria colectiva. Hoy exploramos las múltiples caras de Layla. Porque este tema no es solo una canción; es, prácticamente, una tragedia griega —o mejor dicho, persa— trasladada al siglo XX. Tiene todos los ingredientes: una relación marcada por la lealtad, el deseo y la traición, una crisis de identidad y una de las melodías más reconocibles de la historia. La canción es una confesión de amor desesperada de Eric Clapton hacia Pattie Boyd. El problema era que Pattie no solo estaba casada, sino que era la esposa de su mejor amigo: el Beatle George Harrison. Pattie Boyd es probablemente la musa más influyente de la historia del rock. No solo inspiró a Clapton para componer “Layla” y “Wonderful Tonight”, sino también a George Harrison en temas como “Something” y “For You Blue”. Clapton no quería usar el nombre real de Pattie por razones obvias. Y como la historia de Romeo y Julieta estaba muy vista, se inspiró en un poema persa del siglo XII llamado La historia de Layla y Majnun, del poeta Nizami Ganjavi. La historia trata sobre el joven Majnun, cuyo nombre en árabe significa loco, y que se enamora de una mujer inalcanzable hasta quedar consumido por su deseo hacia Layla. Clapton se identificó tanto con ese estado mental que adoptó el nombre para su canción. No era solo una metáfora literaria: era un reflejo exacto de su propio estado emocional. DEREK AND THE DOMINOS: https://www.youtube.com/watch?v=Th3ycKQV_4k Eric Clapton estaba tan abrumado por su fama como “Dios de la guitarra” y por el caos emocional que estaba viviendo con Pattie Boyd que decidió no firmar el disco con su propio nombre. Así nació Derek and the Dominos, una banda creada casi como un escondite artístico. El nombre del grupo fue un accidente ya que el presentador del concierto celebrado el 14 de junio de 1970 en la sala londinense "The Lyceum" confundió "The Dynamics", el nombre original del grupo, por "Derek and the Dominos". Tanto le gustó que se quedó así. La canción se publicó en el álbum "Layla and Other Assorted Love Songs" en 1970. El riff de entrada es un gancho de angustia, la voz de Clapton suena ronca y suplicante, y el famoso solo de piano que suena al final (compuesto por el batería Jim Gordon) es un lamento instrumental que eleva el drama a niveles épicos. Sin embargo, y como siempre suele pasar en estos casos, el disco fue un auténtico fracaso comercial en su momento. Algunos años más tarde, en 1974, Pattie Boyd finalmente dejó a George Harrison por Eric Clapton y se casaron en 1979. Lo más loco es que George fue a la boda y siguió siendo amigo de ambos. Sin embargo, el dicho aquel de "Fueron felices y comieron perdices" duró poco ya que el matrimonio se desmoronó años después debido a las adicciones que sufría Eric Clapton. La historia de amor que había inspirado una de las canciones más intensas del rock tampoco tuvo un final ideal. ERIC CLAPTON: https://www.youtube.com/watch?v=EOs0qeiJyIg Más de dos décadas después, la historia da un giro fundamental. En el año 1992, un Clapton sobrio y transformado por la tragedia personal por la pérdida de su hijo, se sentó en el escenario de la MTV para ofrecer un concierto en acústico, muy popular en aquella época. La versión de Layla que interpretó, incluida en el álbum Unplugged (que ganó 6 Grammys), es una reinvención total. Transformó el grito distorsionado de 1970 en una balada acústica y sofisticada, con aires de blues y folk. La desesperación juvenil dio paso a una melancolía adulta, a un ajuste de cuentas consigo mismo. No es una súplica: es un recuerdo. Con esta versión, Clapton ganó el Grammy a la Mejor Canción de Rock en 1993, venciendo nada menos que a "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana. RONNIE CHARLES: https://www.youtube.com/watch?v=c4k_6XeGxJI En 1975, el australiano Ronnie Charles publicó una de las versiones más ambiciosas del tema. Charles, que venía de liderar a la banda psicodélica “The Groop”, incluyó esta pieza en su primer álbum en solitario titulado: Prestidigitation. Se trata de una versión que respeta el espíritu setentero de la original, pero elevando la apuesta sonora al máximo. Para lograrlo, no escatimó en recursos y contó con el respaldo de la Orquesta Sinfónica de Londres y el Coro de Cámara Inglés. De hecho, esta apuesta fue tan grande que, en su momento, se consideró una de las grabaciones más caras de toda Inglaterra. Fue un esfuerzo enorme por transformar el lamento de Clapton, en una pieza sinfónica de primer nivel. IMPULSIA: https://www.youtube.com/watch?v=aETg2D1Jevs Damos un salto en el tiempo hasta 2009 para encontrarnos con Impulsia, un proyecto sueco de metal melódico y hard rock. Ellos incluyeron esta versión en su álbum debut, Expressions, dándole un lavado de cara total al clásico de Clapton con un sonido mucho más actual. En esta ocasión, la angustia de la versión original se transforma en pura potencia. Es un tema cargado de energía donde las guitarras ganan todo el protagonismo, aportando ese matiz épico y pesado que caracteriza al rock más duro. Lo más curioso de esta versión es que se centra exclusivamente en la parte más eléctrica y guitarrera. El grupo decidió prescindir por completo del famoso solo de piano final, dejando que sea el riff y la distorsión los que lleven el peso del tema de principio a fin. JEAN SHY: https://www.youtube.com/watch?v=zXeTh_cIm8U Y aquí es donde el viaje se pone realmente fascinante. ¿Cómo pasó una canción sobre la locura y el amor inalcanzable a ser música de baile? La cantante estadounidense Jean Shy lo hizo posible con un single que transformó la obra por completo. Aunque empezó su carrera en los 70, lanzó esta versión en 1979 tras mudarse a Alemania, bajo el nombre artístico simplificado de Shy. En esta versión, el drama desaparece para dejar paso a la pista de baile. El riff se convierte en un loop funky, la batería marca un ritmo implacable y los coros son puro espíritu de fiesta. Es una reinterpretación que le da la vuelta a todo lo que sabíamos de la canción, moviéndola desde el dolor de Clapton hacia el brillo de las discotecas. Es, sin duda, la desconexión total del sentimiento original, pero también un documento histórico fantástico. Nos muestra cómo la cultura disco de finales de los 70 era capaz de absorberlo todo, incluso las tragedias más profundas del rock, para convertirlas en puro entretenimiento. CHICA: https://www.youtube.com/watch?v=NRTAhBt7qeU Llegamos ahora al territorio del Eurodance alemán de mediados de los 90. El proyecto Chica, que en realidad era el alias del productor Wolfgang Ále Koeppen, lanzó en 1994 un single que es puro caramelo para las pistas de baile. En esta versión, el riff de Clapton se transforma en un loop de sintetizador brillante y pegadizo. Todo el drama original desaparece bajo un ritmo imparable y una voz femenina, casi robótica. Es fascinante ver cómo este género despojó a Layla de todo su peso trágico para convertirla en un tema pensado para las pistas de baile. Es el ejemplo perfecto de cómo la música electrónica de los 90 podía absorber cualquier icono del rock y reinventarlo por completo para el consumo masivo en las discotecas. JACKIE AND DOMINO: https://www.youtube.com/watch?v=0MZmbiu2HnE Del Eurodance alemán, saltamos ahora a la escena musical italiana. En ese mismo año, 1994, el sello “A Beat C” publicó esta versión bajo el nombre de “Jackie and Domino”, una combinación de voces muy común en las producciones de los estudios italianos de la época. A diferencia de la velocidad frenética de otros temas del sello, aquí nos encontramos con un ritmo mucho más acompasado y marcado. La versión juega constantemente con el contraste: por un lado, tenemos unos coros femeninos melódicos y, por otro, una voz masculina profunda que va rapeando las frases de la canción, dándole un aire casi urbano. Es una transformación curiosa porque mantiene la estructura de la letra, pero cambia totalmente la intención. Ya no es un lamento ni un grito desesperado; es una mezcla de rap y bases electrónicas noventeras que convierte la tragedia de Clapton en un diálogo rítmico pensado para sonar en las radios de mediados de los 90. PLAZA PEOPLE: https://www.youtube.com/watch?v=p0SYGOP2Lq8 El viaje no termina, y por lo visto, el año tampoco. 1994 fue especialmente prolífico para la mutación bailable de "Layla". El proyecto europeo Plaza People llevó la canción de lleno a la pista de baile con una versión publicada en pleno auge del Euro House. Editada en Alemania por el sello Zeta, Y griega, Equis, Music, esta reinterpretación transforma el riff original en un patrón electrónico repetitivo, apoyado en bases house contundentes y sintetizadores brillantes. Es una producción diseñada específicamente para el ecosistema de los clubes. Aquí, "Layla" se despoja de su carga bluesera y emocional para transformarse en un artefacto funcional, orientado al movimiento y la evasión colectiva. Esta versión supuso la confirmación definitiva de que el legado de Clapton ya no pertenecía a un solo género ni a una época concreta. En 1994, "Layla" había dejado de ser una confesión íntima para convertirse en materia prima universal de la escena electrónica europea. ED SHEERAN CON JOOLS HOLLAND: https://www.youtube.com/watch?v=5zP4yWzb24M Cerramos este repaso con una de las versiones más sorprendentes y frescas

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! En esta nueva entrega de Explorando Versiones, nuestra amiga Sandra Brenes nos sumerge en el universo de Fausto Taranto, la banda granadina que ha revolucionado la escena fusionando la contundencia del metal con el quejío más puro del flamenco. Analizamos cómo este grupo ha logrado crear un sonido único, donde las guitarras eléctricas y el doble bombo conviven en perfecta armonía con el arte de su tierra. Sandra nos desvela las claves de su trayectoria y cómo han conseguido que el "metal andaluz" recupere una fuerza que no se sentía igual en décadas.