Publicidad en podcasts en: Historia y moda

¿Qué puede decir un vestido sobre una dictadura? Durante el franquismo, la ropa estuvo mucho más relacionada con el poder de lo que podría parecer. La mujer ideal debía ser esposa, madre, educadora y guardiana de la moral católica, y esa idea también se construyó a través de la apariencia: desde las revistas, el cine y la educación hasta las prendas que podían o no podían llevarse. Pero la historia también está llena de contradicciones. Mientras la España de la posguerra enfrentaba escasez y racionamiento, unas medias podían convertirse en un objeto de deseo que se imitaba con maquillaje y lápiz. Los vestidos de novia se heredaban y transformaban, mientras el velo de tul reforzaba una determinada idea de feminidad, matrimonio y pureza. Años después, el bikini llegaría a las playas españolas acompañado del turismo y de una nueva relación con el cuerpo, poniendo en tensión las normas morales del régimen. A través de estas prendas, este episodio explora cómo la moda puede convertirse en una forma de disciplina, pero también en un espacio donde las transformaciones sociales empiezan a hacerse visibles. Y, al mirar hacia nuestro propio presente, queda una pregunta: ¿Cuánto de nuestra propia vida cotidiana pertenece realmente al presente y cuánto está hecho de historias que heredamos sin saber que las estábamos heredando? Episodio incluido en tu suscripción al club de mecenas de la moda Suscríbete en Instagram o Patreon y descubre todos los beneficios de pertenecer a la comunidad. Tu apoyo ayuda a mantener este proyecto!

La vestimenta surge como una necesidad humana de protección y abrigo que, con el paso del tiempo, se convirtió en un símbolo identitario entre las comunidades. Los insumos, así como las técnicas textiles para su elaboración y los diseños que estas presentan, varían de acuerdo al contexto cultural y natural de sus portadores. Las vestimentas tradicionales en América son un soporte material de la memoria ancestral y la cultura viva de nuestros pueblos. Durante la colonia la vestimenta tradicional de los pueblos indígenas se mantuvo vigente y pasó por un proceso de mestizaje, con la mezcla de tradiciones indígenas y occidentales, pero... ¿se mantuvo el significado y el propósito con el que fueron hechas? ¿Cómo se perciben hoy estas prendas tanto en las comunidades como fuera de ellas? ¿Cómo reflejan su presente? Lo platicamos hoy con Narcy Morales de la marca ROCINANTE OAXACA y Laura Beltrán-Rubio de @Culturas de Moda

Cuando pensamos en la Independencia de México pensamos en batallas, banderas y grandes personajes. Pero también hubo otra historia que se llevó sobre el cuerpo: la de las joyas, las imágenes religiosas y los objetos que acompañaban la vida cotidiana. En este episodio exploramos qué podían significar una medalla, un relicario o una joya en la sociedad novohispana y cómo estos objetos se relacionaron con la devoción, la identidad, la memoria y el poder durante la lucha insurgente. Desde los objetos que acompañaron a Miguel Hidalgo hasta el patrimonio de Leona Vicario, descubrimos cómo algo tan cotidiano como una joya puede acercarnos a la experiencia de quienes vivieron uno de los procesos más importantes de la historia de México.

¿Alguna vez te has preguntado por qué una prenda se llama como se llama? Hay nombres que usamos todos los días sin detenernos a pensar que detrás de ellos puede haber una persona, una ciudad, una guerra, un mercado de ajos o incluso una explosión nuclear. En este episodio nos vamos de viaje por el guardarropa para descubrir el origen de algunos de los nombres más curiosos de la moda: del trench coat a los jeans, del bikini a las bermudas, del cardigan al leotardo y de la tuta al hoodie. Hablamos de militares, acróbatas, aristócratas, futuristas, trabajadores y diseñadores, pero también de cómo una prenda puede cambiar completamente de significado mientras su nombre permanece. Un episodio para quienes disfrutan descubrir que hasta la ropa más cotidiana tiene una historia escondida. 🎧 Ponte cómodo, abre el clóset y dale play Este episodio está incluido en tu suscripción en nuestro canal de Instagram o en cualquier nivel de Patreon. Tu contribución hace posible que este proyecto siga adelante.

En la Italia de Benito Mussolini, la moda fue mucho más que ropa. El fascismo construyó un proyecto estético que buscaba transformar la apariencia, los cuerpos, el lenguaje, el cine, la cultura visual y la industria para crear una idea unificada de lo que significaba ser italiano. En este episodio recorremos el ascenso del fascismo y su proyecto de construcción de una italianità: desde la representación del cuerpo masculino y femenino hasta las massaie rurali, el deporte, el cine y las imágenes que llevaron el ideal fascista a la vida cotidiana. Una historia sobre moda, propaganda y poder, pero también sobre una pregunta más amplia: ¿qué sucede cuando la apariencia se convierte en una herramienta para diseñar una nación?

En la conversación contemporánea sobre moda, aparecen conceptos como crueldad, conservación, lujo, tradición, sostenibilidad, producción responsable, materiales sintéticos y bienestar animal. Algunos corresponden a problemas reales de la industria; otros son afirmaciones que se han repetido tantas veces que hemos dejado de preguntarnos de dónde vienen. Hoy hablamos con Mónica Hans de la empresa y marca de peletería Hanson, abordando los mitos y realidades alrededor de esta industria desde la historia y desde adentro, invitando a que, ya sea que estés a favor o en contra del uso de pieles en la moda, puedas formarte una opinión objetiva fundamentada en información real.

¿El lujo significa lo mismo en todas partes del mundo? A partir de la historia de las grandes maisons europeas, hoy exploramos cómo se construyó el imaginario del lujo que hoy domina la industria y por qué asociamos conceptos como tradición, artesanía, exclusividad y patrimonio con un modelo profundamente europeo. Con Sabrina de LUJO LATAM hablamos de cómo esa narrativa llegó a América Latina y fue adoptada como el estándar universal del lujo. ¿Es posible construir un lujo latinoamericano sin imitar a Europa? ¿Qué valores, materiales, historias y formas de hacer podrían definir una propuesta propia? Una conversación sobre identidad, historia y el futuro del lujo desde una perspectiva latinoamericana.

¿Y si el primer lenguaje de la moda no hubiera sido la ropa? Mucho antes de las pasarelas, las marcas de lujo o incluso de los primeros vestidos, el ser humano ya utilizaba el cabello para comunicar quién era. A lo largo de la historia, ha sido símbolo de poder, herramienta de resistencia, expresión de fe, marcador de clase social, mercancía y una de las formas más íntimas de construir identidad. En este episodio recorremos la historia del cabello desde una perspectiva poco habitual: las trenzas que preservaron la memoria de las comunidades afrodescendientes, el significado de las pelucas dentro de la comunidad judía, el comercio global del cabello humano y la manera en que un simple corte puede marcar el inicio de una nueva etapa en la vida. El cabello nunca ha sido sólo una cuestión de belleza. Ha sido uno de los primeros materiales con los que la humanidad aprendió a vestir el cuerpo y a contar historias sobre sí misma. Suscríbete y contribuye al crecimiento de este proyecto, que busca ampliar lo que entendemos por moda, y ayuda a que esto llegue a más personas. Puedes hacerlo invitándonos un cafecito ($1 USD al mes), que te dará acceso a todos nuestros episodios, bibliografía, transcripciones y mucho más.

La moda no sólo se ve en las pasarelas, también se construye sobre los escenarios. En este episodio exploramos cómo la música de banda ha desarrollado una estética propia que comunica identidad, pertenencia, éxito y tradición. Junto a Víctor Sarabia Lizárraga (Los Recoditos, Banda Perla de Pacífico de Julio Preciado y Banda Tierra de Venados), Víctor Manuel Sarabia García (Banda El Recodo) y Valeria Sarabia (diseñadora de modas); que viven este género desde dentro, conversamos sobre la evolución de la vestimenta de los músicos de banda: desde los primeros conjuntos simples hasta los trajes bordados, las botas, los sombreros y el lujo que hoy caracteriza a muchas agrupaciones. También hablamos de cómo la banda hizo de la moda parte fundamental de su ADN, de los estereotipos que rodean a este género y de cómo la ropa se ha convertido en una herramienta para construir una imagen artística, conectar con el público y trascender fronteras. Suscríbete gratis a nuestro Patreon para escuchar otras historias no contadas sobre la moda que vemos... y escuchamos.

En este segundo episodio de Geopolítica de la moda, exploramos cómo las decisiones políticas siguen transformando la industria textil en pleno siglo XXI. ¿Qué tiene que ver el Canal de Suez con el precio de una camiseta? ¿Por qué una guerra puede encarecer el poliéster? ¿Cómo influyen los aranceles entre Estados Unidos y China en el lugar donde se fabrica nuestra ropa? ¿Y por qué plataformas como Shein y Temu han terminado en el centro del debate político internacional? A través de acontecimientos como el fin de la Guerra Fría, el TLCAN, la pandemia de COVID-19, la guerra entre Rusia y Ucrania y muchos otros, descubriremos que la geopolítica no es un fenómeno lejano: está presente en las fibras que utilizamos, las rutas que recorren las prendas, las plataformas donde compramos y el precio que pagamos por ellas. Un episodio para comprender por qué la política también se viste. Escúchalo este episodio y todos los demás a partir de $1 USD al mes. Tu contribución nos ayuda a hacer de la educación en moda un territorio democrático. Episodios relacionados El hilo, la primera revolución Las Rutas de la seda… y otros demonios La Bella, la Bestia y la Revolución Hambre de algodón Stalin Fashion House: El estilo tras la cortina de Hierro América, motor del auge Europeo La Revolución que cambió la moda Excuse my french: El régimen fashionista de Porfirio Díaz Economía política del color Rápida y furiosa: El auge del fast fashion El cisne negro de la moda Los jeans y el sueño americano Napoleon Bonaparte Las cuatro estaciones de DuPont India y el color del mundo La utopía textil de Alfons Mucha Geopolítica de la moda (parte 1)

El edredón acolchado (quilt) comúnmente evoca imágenes de confort doméstico, nostalgia rural y calidez familiar. Sin embargo, cuando se analiza a través de la historia, la antropología y la economía política, el quilt emerge como un dispositivo radical de supervivencia, un mapa geopolítico de la colonización y un pacto místico con lo invisible. Este episodio demuestra cómo, cuando las estructuras oficiales prohíben la voz, confiscan el territorio o deshumanizan al individuo, la aguja se convierte en la última herramienta de registro, resistencia y autonomía. Suscríbete desde $1 USD al mes para tener acceso a todos nuestros episodios. Tu aportación contribuye a la educación de la moda, con todo lo que ello abarca, y no sólo lo que nos han dicho sobre ella.

Durante mucho tiempo pensamos que la historia de la moda podía explicarse a través de diseñadores, tendencias o prendas icónicas. Sin embargo, al seguir el recorrido de una simple pieza de ropa descubrimos otra historia: la de imperios que disputaron materias primas, gobiernos que protegieron industrias, guerras que transformaron materiales, tratados comerciales que desplazaron fábricas y decisiones políticas que redibujaron el mapa de la producción mundial. En este episodio hacemos este viaje por la historia de lo que hay en nuestro armario desde un lugar muy distinto: la geopolítica. ¿Cómo influyeron las invasiones de Napoleón, las guerras mundiales y las excavaciones arqueológicas en la estética de cada época? Dale play y descúbrelo. Este proyecto existe gracias a la contribución de nuestros mecenas. Tú puedes ser uno de ellos y recibir acceso gratuito a todos nuestros episodios y contenidos suscribiéndote desde $1 USD al mes.

¿Qué tiene que ver la moda con uno de los sistemas de segregación racial más brutales del siglo XX? Cuando pensamos en el Apartheid, solemos imaginar leyes, protestas, represión y figuras como Nelson Mandela. Sin embargo, pocas veces nos detenemos a observar el papel que desempeñó la apariencia dentro de este régimen. La segregación no solo se aplicaba a través de documentos y políticas públicas; también dependía de que las diferencias pudieran verse. En este episodio exploramos cómo la ropa ayudó a construir, reforzar y desafiar las jerarquías raciales en Sudáfrica. Desde los uniformes y códigos visuales del Apartheid hasta la elegancia como forma de resistencia en Sophiatown, las fotografías de la revista Drum y el surgimiento de símbolos políticos que transformaron el cuerpo en un mensaje. Una historia sobre moda, identidad, poder y resistencia que demuestra que la ropa nunca es tan superficial como parece. __________________________________________________ Estás escuchando este episodio gratis gracias al apoyo de nuestros mecenas. Tú también puedes ser uno de ellos y acceder a este tipo de contenidos cada semana a cambio de lo que cuesta un café ☕ ($1 USD al mes). Suscríbete en patreon.com/historiaymoda y ayuda a que este tipo de contenidos llegue a más personas. Si la ropa fuera realmente superficial, los gobiernos no le prestarían atención. No te pierdas nuestra serie de moda y dictaduras, próximamente 👀

¿Estar o no estar en Fashion Week? Para muchos diseñadores, participar en una semana de la moda parece una meta: el momento en que una marca es finalmente reconocida por la industria. Pero en realidad, plataformas como Fashion Week no deberían entenderse como un punto de partida, sino como una herramienta estratégica dentro de una trayectoria ya consolidada. Curiosamente, el origen de estas semanas de la moda no está en un diseñador ni en una casa de lujo, sino en el mundo del automovilismo. Durante carreras en Alemania, las marcas de autos notaron que las mujeres asistentes convertían el evento en un escaparate de estilo, lo que llevó a patrocinadores como Mercedes-Benz a impulsar semanas de la moda en distintas ciudades. En este episodio hablamos con Beatriz Calles sobre la historia, evolución e impacto de Fashion Week México como plataforma que conecta moda, cultura, turismo y negocios. ¿Es para todos los diseñadores? ¿La Fashion Week es para vender moda… o coches? Escucha el episodio y descúbrelo. 🎙️

Elsa Schiaparelli transformó la moda al llevar el surrealismo al cuerpo. En lugar de seguir las reglas tradicionales de la alta costura, convirtió el vestido en un espacio de experimentación visual donde el humor, el absurdo y el arte podían cuestionar las normas de la elegancia y la representación del cuerpo femenino. En este episodio exploramos cómo sus colaboraciones con artistas de la vanguardia dieron lugar a algunas de las piezas más radicales de la historia de la moda, y cómo ese gesto cambió la manera en que entendemos el vestido. También analizamos el papel que tuvo la alta costura en la construcción de la industria moderna de la moda y por qué, en un momento dominado por la producción acelerada y las tendencias fugaces, el regreso de la casa Schiaparelli vuelve a poner sobre la mesa una pregunta interesante: ¿puede la moda seguir funcionando como un lenguaje cultural y artístico? Un episodio sobre surrealismo, alta costura y el poder simbólico del vestido. Escúchalo completo y apoya este proyecto para que siga adelante en patreon.com/historiaymoda