Werben im Podcast: Leinwandlegenden - Der Filmpodcast

The Social Network ist David Finchers Meisterwerk über Zuckerbergs Gründung von Facebook, ein Film der dann aber doch weit mehr ist, als nur die Geschichte einer Unternehmensgründung. In dieser Folge von Leinwandlegenden sprechen wir über die Entstehung von Facebook, Mark Zuckerberg und die Frage, wie aus Freundschaft, Ehrgeiz und verletzter Eitelkeit ein Milliardenunternehmen werden konnte. Wir gehen David Finchers präziser Inszenierung, Aaron Sorkins messerscharfem Drehbuch und dem prägenden Soundtrack von Trent Reznor & Atticus Ross nach. Außerdem schauen wir auf die Besetzung um Jesse Eisenberg, Andrew Garfield und Justin Timberlake, die Produktionsgeschichte und die Szenen, in denen The Social Network sein Thema besonders klar offenlegt: Macht, Status, Zugehörigkeit und die Einsamkeit vor und nach dem Erfolg. Warum wirkt The Social Network auch heute noch so gegenwärtig? Ist er vielleicht sogar aktueller denn je und weshalb ist David Finchers Film vielleicht weniger ein Facebook-Film als ein Film über eine Generation von Techbros, die Verbindung mit Anerkennung verwechselt? Fero kannst Du hier ⁠⁠⁠auf Instagram folgen⁠⁠⁠, Marcel ⁠⁠⁠findest Du hier.⁠⁠⁠ Noch mehr Filme? ⁠⁠⁠Marcel ist hier⁠⁠⁠ auf Letterboxd und ⁠⁠⁠Fero hier⁠⁠⁠.

The Last of the Mohicans (Der letzte Mohikaner) von Michael Mann: In Folge 034 analysieren wir das Abenteuerepos von 1992 mit Daniel Day-Lewis und fragen, warum sich dieser Film über Liebe und Krieg eigentlich wie ein Abschied anfühlt. Nordamerika, 1757: Briten und Franzosen kämpfen um die Vorherrschaft über den Kontinent. Auf dem Weg zu ihrem Vater nach Fort William Henry geraten die Schwestern Cora und Alice Munro in einen Hinterhalt. Gerettet werden sie von Hawkeye, einem weißen Siedlersohn, der bei den Mohikanern aufgewachsen ist, von seinem Ziehvater Chingachgook und dessen Sohn Uncas. Doch der Huronen-Krieger Magua hat mit Colonel Munro noch eine eigene Rechnung offen. In unserer Filmanalyse gehen wir Der letzte Mohikaner Szene für Szene durch: Warum gehört Hawkeye weder der britischen Krone noch irgendeiner Armee, und was macht ihn zu einem typischen Michael-Mann-Helden? Wie viel vom späteren Unabhängigkeitskrieg steckt schon im Konflikt zwischen Siedlern und Briten? Und warum ist Wes Studis Magua einer der großen Schurken der 90er, obwohl man seinen Hass so gut versteht? Außerdem geht es um James Fenimore Coopers Romanvorlage von 1826 und die Verfilmung von 1936, auf der Manns Drehbuch maßgeblich aufbaut. Wir sprechen über Daniel Day-Lewis' Vorbereitung in den Wäldern, bei der er jagen, Tiere häuten und Kanus bauen lernte, über Dante Spinottis Bilder aus den Blue Ridge Mountains in North Carolina und über die Besetzung mit indigenen Darstellern wie Wes Studi, Russell Means und Eric Schweig. Dazu kommen der Oscar für den besten Ton und ein Soundtrack von Trevor Jones und Randy Edelman, den man kennt, auch wenn man den Film nie gesehen hat. Zum Abschluss sprechen wir über das fast wortlose Finale auf dem Felsgrat, eines der besten Action-Finales der Filmgeschichte, und über Chingachgooks letzte Worte. Sie verraten, wovon dieser Film die ganze Zeit erzählt hat: vom Ende einer Welt. Spoilerhinweis: Wie immer besprechen wir den gesamten Film einschließlich des Endes.

In Nightcrawler (2014) macht Jake Gyllenhaal als Lou Bloom aus fremdem Leid ein Geschäft: Warum wird dieser Mann für seine Skrupellosigkeit auch noch belohnt? Unsere Filmanalyse zu Dan Gilroys Neo-Noir-Thriller folgt ihm durch das nächtliche Los Angeles und beleuchtet Sensationsjournalismus, Medienkritik und die Frage, wann ein Kameramann zum Regisseur der Gewalt wird. Dabei sprechen wir über Gyllenhaals fantastisch-verstörende Darstellung, die verführerischen Nachtbilder und einen Soundtrack, der Lous Karriere wie eine Erfolgsgeschichte klingen lässt. Spoilerhinweis: Wir besprechen den gesamten Film einschließlich des Endes. Fero kannst Du hier ⁠⁠auf Instagram folgen⁠⁠, Marcel ⁠⁠findest Du hier.⁠⁠ Noch mehr Filme? ⁠⁠Marcel ist hier⁠⁠ auf Letterboxd und ⁠⁠Fero hier⁠⁠.

Terminator 2 - Tag der Abrechnung (1991) von James Cameron.In Folge 032 des Filmpodcasts Leinwandlegenden besprechen wir den Action- und Science-Fiction-Klassiker mit Arnold Schwarzenegger Szene für Szene. Unsere Filmanalyse verbindet Produktionsgeschichten, Spezialeffekte und die Unterschiede zwischen Kinofassung und Special Edition. Wir schauen auf Linda Hamiltons Verwandlung zur kämpferischen Sarah Connor, Edward Furlongs überraschenden Einstieg ins Filmgeschäft und Robert Patricks bedrohlich präzisen T-1000. Wie wird aus einer Maschine eine Vaterfigur und wie passt Johns Tötungsverbot zu all den Schüssen und Explosionen? Auch hinter den Kulissen gibt es reichlich Gesprächsstoff: ein Dreh unter enormem Zeitdruck, Schwarzeneggers Privatjet als Gage und die Debatte um das angebliche 100-Millionen-Dollar-Budget. Dazu die Spezialeffekte von Industrial Light & Magic und Stan Winston: digitale Verwandlungen, praktische Stunts, Miniaturen und echte Zwillinge. Wir erklären, warum viele vermeintliche Computereffekte ganz anders entstanden sind. Außerdem geht es um Skynet, die Angst vor dem Atomkrieg und das Ende von Terminator 2: Judgment Day, das zwischen Hoffnung und Ungewissheit bleibt. Achtung: Wir besprechen den gesamten Film inklusive Ende. Folge Leinwandlegenden für weitere ausführliche Filmbesprechungen und Geschichten hinter den Kulissen.

Grave of the Fireflies (Die letzten Glühwürmchen) von Studio Ghibli: In Folge 031 analysieren wir Isao Takahatas Anime-Klassiker von 1988 und fragen, warum die Geschichte von Seita und Setsuko so erschüttert – und wer Verantwortung für ihr Schicksal trägt. Japan, 1945: Nach einem Luftangriff versucht der vierzehnjährige Seita, seine kleine Schwester Setsuko zu versorgen. Zwischen Hunger und kurzen Glücksmomenten kämpfen die Geschwister ums Überleben. Wir hoffen mit ihnen, obwohl der Ausgang längst feststeht. In unserer Filmanalyse besprechen wir Die letzten Glühwürmchen Szene für Szene: Wie beurteilen wir Seitas Entscheidungen? Wo versagen die Erwachsenen? Und wie erzählt der Film von Geschwisterliebe, Stolz und gesellschaftlicher Verantwortung im Zweiten Weltkrieg, ohne einfache Antworten zu geben? Außerdem geht es um Akiyuki Nosakas autobiografisch geprägte Vorlage und die ungewöhnliche gemeinsame Kinoveröffentlichung mit Mein Nachbar Totoro. Wir untersuchen, wie Animation und kleinste Gesten Setsuko lebendig werden lassen, welche Rolle die Farben spielen und wie Glühwürmchen und Bonbondose ihre Bedeutung verändern. Zum Abschluss diskutieren wir die Wirkung des Films als Antikriegsdrama – und warum Isao Takahata bezweifelte, dass Mitgefühl mit Kriegsopfern allein eine Haltung gegen den Krieg schafft. Spoilerhinweis: Wie immer besprechen wir den gesamten Film einschließlich des Endes.

Folge 030: A Few Good Men - Eine Frage der Ehre Unsere Filmanalyse zu Rob Reiners Gerichtsdrama A Few Good Men - Eine Frage der Ehre mit Tom Cruise, Jack Nicholson und Demi Moore zeigt, warum Aaron Sorkins Dialoge wie Action funktionieren und „You can’t handle the truth!“ Filmgeschichte schrieb. Wir gehen den Film Szene für Szene durch und sprechen über den realen Fall hinter der Geschichte, Casting und Dreharbeiten, den „Code Red“, Guantánamo sowie Gehorsam, Ehre, militärische Männlichkeit und persönliche Verantwortung. Wie realistisch sind Militärgericht und Todesursache, welche juristischen und medizinischen Fehler macht der Film und weshalb besitzt ausgerechnet der Antagonist seine berühmteste Rede? Außerdem: Fun Facts zu Kevin Bacon, Kiefer Sutherland und Wolfgang Bodison, Einspielergebnis, Oscar-Nominierungen und das kulturelle Nachleben eines der prägendsten Gerichtsfilme der 1990er. Wie immer mit Spoilern zum vollständigen Film.

In dieser Folge von Leinwandlegenden besprechen wir High and Low beziehungsweise Zwischen Himmel und Hölle, Akira Kurosawas japanischen Thriller-Klassiker aus dem Jahr 1963. Der auf Ed McBains Roman King’s Ransom basierende Kriminalfilm beginnt als moralisches Kammerspiel in der Villa des Schuhfabrikanten Kingo Gondo und verwandelt sich danach in ein präzises, beinahe dokumentarisches Polizei-Procedural durch Yokohama. Im Zentrum unserer Filmanalyse steht eine unbequeme Frage: Ist High and Low ein humanistischer Film über moralische Größe oder ein bitterer Film darüber, dass selbst die richtige Entscheidung an gesellschaftlichen Strukturen nichts ändert? Wir sprechen über Toshirō Mifunes intensive Darstellung, Kurosawas meisterhaftes Blocking im TohoScope-Format, die berühmte Zugsequenz im Kodama Limited Express, den pinken Rauch als singulären Farbeinbruch und das erschütternde Finale zwischen Gondo und Takeuchi. Außerdem geht es in dieser Podcastfolge um Klassenkonflikte im Japan der Nachkriegszeit, reale Angst vor Lösegeldentführungen, Polizei-Ethik, Überwachung, Medien und Informationsverarbeitung. Warum wirkt Zwischen Himmel und Hölle über 60 Jahre später noch so modern? Und weshalb wurde Kurosawas Thriller zur Blaupause für spätere Kriminalfilme und Regisseure wie David Fincher, Bong Joon-ho und Spike Lee? Eine Folge über Moral, Macht, Schuld, soziale Ungleichheit und einen der präzisesten Thriller der Filmgeschichte.

Starship Troopers floppte 1997 als teure Science-Fiction-Produktion und gilt heute als bissiger Sci-Fi-Kultfilm. In dieser Leinwandlegenden-Folge fragen wir, warum viele Paul Verhoevens Satire auf Faschismus, Militarismus und Propaganda damals für bare Münze nahmen und weshalb der Film als Actionkino trotzdem so mitreißend funktioniert. Es geht um FedNet und „Would you like to know more?“, Robert A. Heinleins Roman und Verhoevens Gegenentwurf, Johnny Rico als Vorzeigesoldat der Föderation, die entschärfte deutsche Synchro, die Bugs und Phil Tippetts Spezialeffekte. Außerdem ziehen wir die Linie zu RoboCop, Aliens und Independence Day.

In dieser Folge von Leinwandlegenden sprechen wir ausführlich über Wong Kar-wais In the Mood for Love aus dem Jahr 2000, analysieren seine Bedeutung, seine Entstehung und seine außergewöhnliche Bildsprache und gehen der Frage nach, warum der Film heute als eines der großen Meisterwerke des modernen Weltkinos gilt. Hongkong, 1962: Chow Mo-wan und Su Li-zhen ziehen am selben Tag mit ihren Ehepartnern in benachbarte Wohnungen. Als beide erkennen, dass ihre Partner vermutlich eine Affäre miteinander haben, entsteht zwischen ihnen langsam eine eigene, schwer greifbare Nähe, aber Wong Kar-wai erzählt daraus keine klassische Liebesgeschichte.In the Mood for Love handelt von Sehnsucht, verpassten Möglichkeiten, gesellschaftlichen Grenzen und all den Dingen, die deshalb so intensiv sind, weil sie unausgesprochen bleiben. In unserer In the Mood for Love-Analyse sprechen wir über Maggie Cheung & Tony Leung, über ihre außergewöhnlich zurückgenommenen Darstellungen und darüber, wie jede kleine Bewegung zwischen ihren Figuren wichtiger werden kann als ein Kuss oder gar eine Sex-Szene.Wir beschäftigen uns mit Christopher Doyles & Mark Lee Ping-bings Kameraarbeit, den engen Fluren und Zimmern Hongkongs, den Zeitlupen, Shigeru Umebayashis Yumeji's Theme und der Frage, wie Wong Kar-wai durch Wiederholungen, Musik, Räume, Farben und Rhythmus ein Gefühl erzeugt, das Film in Erinnerung verwandelt. Außerdem werfen wir einen Blick auf die ungewöhnliche Entstehung und Produktion von In the Mood for Love, Wong Kar-wais improvisierte Arbeitsweise, die lange Drehzeit und die zahlreichen Veränderungen, die Geschichte und Figuren während der Dreharbeiten durchliefen. Dabei geht es auch und vor allem um die Bedeutung des Nichtgezeigten, um die Frage, warum so vieles zwischen Chow und Su unausgesprochen bleibt und weshalb gerade diese Zurückhaltung für die Wirkung des Films entscheidend ist. Wir sprechen darüber, warum In the Mood for Love mehr als 25 Jahre nach seiner Premiere noch immer eine solche emotionale Kraft besitzt, warum der Film so berühmt geworden ist und weshalb seine berühmte Eleganz nie bloße Oberfläche bleibt.Was bedeutet diese unerfüllte Beziehung zwischen Chow und Su? Warum verweigert Wong Kar-wai seinem Publikum die klassische romantische Erfüllung und weshalb wurde aus einer so kleinen Geschichte über zwei Nachbarn eines der einflussreichsten Werke des internationalen Kinos? Eine ausführliche "In the Mood for Love"-Filmkritik und Analyse über Wong Kar-wai, Maggie Cheung, Tony Leung, Hongkong, Erinnerung, Einsamkeit, Sehnsucht und die vielleicht schönste Liebesgeschichte, die sich weigert, eine zu werden.

In dieser Folge sprechen wir über "Aliens - Die Rückkehr" von James Cameron, die legendäre Fortsetzung von Ridley Scotts Alien. 57 Jahre nach den Ereignissen auf der Nostromo kehrt Ellen Ripley nach LV-426 zurück, diesmal mit einem Trupp Colonial Marines, jeder Menge Feuerkraft und einer Bedrohung, die größer ist als je zuvor. Wir analysieren, warum Aliens bis heute als eine der besten Fortsetzungen der Filmgeschichte gilt: Cameron kopiert den klaustrophobischen Horror des ersten Films nicht, sondern verwandelt ihn in militärisches Science-Fiction-Actionkino mit starkem Horror-Kern. Es geht um Ripley als traumatisierte Überlebende und moderne Actionheldin, Newt als emotionales Zentrum, die Alien-Königin, Weyland-Yutani, Vietnam-Parallelen, Konzernkritik und die Frage, warum dieser Film so viele spätere Filme und Videospiele geprägt hat. Außerdem werfen wir einen Blick hinter die Kulissen: James Camerons konfliktreiche Dreharbeiten in den Pinewood Studios, Sigourney Weavers Oscar-Nominierung, die praktischen Effekte von Stan Winston, James Horners unter Zeitdruck entstandene Filmmusik und die Unterschiede zwischen Kinofassung und Special Edition. Ist Aliens ein Meilenstein des Science-Fiction-Kinos ... oder kann man das auch anders sehen?

#025 "American Gangster" von Ridley Scott American Gangster von Ridley Scott gehört zu den großen Gangsterfilmen der 2000er Jahre: Denzel Washington spielt Frank Lucas, Russell Crowe den Ermittler Richie Roberts, aber wie wahr ist die angeblich wahre Geschichte hinter dem Film? In dieser Folge sprechen wir über American Gangster von 2007, über Harlem, Heroin, Vietnam, Polizeikorruption, Black Capitalism und die umstrittene Legende von Frank Lucas. Wir schauen auf Denzel Washingtons charismatische Darstellung, Ridley Scotts Inszenierung, die Parallelstruktur zwischen Gangster und Ermittler und die Frage, ob der Film wirklich ein kritisches Crime-Drama ist oder Frank Lucas’ Selbsterzählung zu sehr veredelt. Außerdem geht es um die berühmte Behauptung, Heroin sei in Soldatensärgen aus Vietnam geschmuggelt worden, um die realen Hintergründe des Falls und darum, wie Hollywood aus unsicheren Fakten eine scheinbar offizielle Filmwahrheit macht. Eine Folge über American Gangster, Frank Lucas, Denzel Washington, Ridley Scott und die Verführungskraft eines Gangster-Mythos, der vielleicht gerade deshalb so stark wirkt, weil er ein bisschen zu schön ist, um wahr zu sein.

#024 "Der Exorzist" von William Friedkin In dieser Folge sprechen wir über Der Exorzist bzw. The Exorcist von 1973: William Friedkins legendären Horrorfilm, der das moderne Horrorkino bis heute prägt. Wir schauen auf die wahre Geschichte hinter William Peter Blattys Roman, den angeblichen Exorzismus von Roland Doe, die Rolle von Pazuzu, den Konflikt zwischen Glaube und Zweifel und die Frage, warum der Film so viel mehr ist als rotierende Köpfe und Erbsensuppe. Außerdem geht es um Friedkins kompromisslose Inszenierung, die extremen Dreharbeiten, den Mythos vom „verfluchten“ Filmset, die Reaktionen des Publikums, die Haltung der katholischen Kirche und die vielen Exorzismusfilme, die danach kamen. Warum wirkt Der Exorzist bis heute so verstörend? Und weshalb steht fast jeder spätere Besessenheitsfilm im Schatten dieses Klassikers? Was macht Linda Blair eigentlich heute und was hatte der historische Pazuzu mit Exorzismen zu tun? Das finden wir heraus: Viel Spaß und wohliges Gruseln!

#023 "Einer flog über das Kuckucks Nest" von Miloš Forman Was geschieht, wenn Hilfe, Verwaltung und Kontrolle nicht mehr voneinander zu unterscheiden sind? In Folge 023 von Leinwandlegenden sprechen wir über Miloš Formans vielfach ausgezeichneten Filmklassiker Einer flog über das Kuckucksnest aus dem Jahr 1975: Jack Nicholson spielt Randle McMurphy, einen rebellischen Kleinkriminellen, der sich in eine psychiatrische Klinik einweisen lässt, um der Gefängnisarbeit zu entgehen. Dort trifft er auf die von Louise Fletcher gespielte Oberschwester Mildred Ratched und beginnt einen Machtkampf, der die gesamte Station verändert. Aber ist McMurphy wirklich der große Befreier, als den ihn die Filmgeschichte erinnert? Seine Lebendigkeit gibt den Patienten Mut, Gemeinschaft und Selbstvertrauen zurück, gleichzeitig ist er manipulativ, verantwortungslos und gewalttätig. Seine Vorstellung von Freiheit kann andere Menschen stärken, sie aber ebenso überfordern oder gefährden und deshalb betrachten wir den Film nicht als einfache Geschichte von Gut gegen Böse, sondern als Konflikt zwischen Lebendigkeit und Kontrolle, Selbstbestimmung und Sicherheit. Wir untersuchen, wie Nurse Ratched ihre Macht ausübt: Nicht durch offene Brutalität, sondern durch Routinen, Gruppensitzungen, Beschämung und scheinbar sachliche Entscheidungen. Wer bestimmt in dieser Klinik, was normal ist? Wer darf gehen? Und wann verwandelt sich Fürsorge in institutionelle Gewalt? Ein weiterer Schwerpunkt ist Chief Bromden. Während Ken Keseys Roman vollständig aus seiner subjektiven und psychedelisch geprägten Perspektive erzählt wird, rückt der Film McMurphy ins Zentrum. Was geht durch diesen Perspektivwechsel verloren? Warum lehnte Kesey die Verfilmung ab? Und könnte Chief trotz seiner reduzierten Rolle das heimliche Strukturzentrum der Geschichte und die entscheidende Figur sein? Außerdem werfen wir wie immer einen Blick hinter die Kulissen: Gedreht wurde im echten Oregon State Hospital, mit Klinikpersonal und zahlreichen Patienten als Statisten oder Produktionshelfern. Die Schauspieler beobachteten den Klinikalltag, nahmen an Gruppensitzungen teil und improvisierten Teile ihrer Szenen. Wir sprechen über Miloš Formans kompromisslose Regie, die ungewöhnliche Besetzung, den Konflikt zwischen den Kameramännern Haskell Wexler und Bill Butler sowie Jack Nitzsches verstörende Filmmusik mit singender Säge und geriebenen Gläsern. Auch die medizinische und ethische Einordnung gehört dazu: Der Film verwendet Elektrokrampftherapie und Lobotomie als Bilder institutioneller Kontrolle, diese Darstellung darf jedoch nicht mit moderner psychiatrischer Behandlung gleichgesetzt werden. Gleichzeitig stellt sich die Frage, wie ein Film über die Ausbeutung verletzlicher Menschen selbst seine Authentizität aus der Einbindung realer Patienten gewinnen konnte. Warum gewann Einer flog über das Kuckucksnest die fünf wichtigsten Oscars? Weshalb gehören Jack Nicholson und Louise Fletcher bis heute zu den berühmtesten Gegenspielern der Filmgeschichte? Und warum endet dieser verheerende Film trotzdem mit einem der kraftvollsten Bilder von Freiheit, die das Kino hervorgebracht hat? Eine ausführliche Filmanalyse über Jack Nicholson, Nurse Ratched, Chief Bromden, Ken Keseys Roman, Psychiatriegeschichte, institutionelle Macht und einen der größten Klassiker des New-Hollywood-Kinos. Let's connect: Fero kannst Du hier ⁠auf Instagram folgen⁠, Marcel ⁠findest Du hier.⁠ Noch mehr Filme? ⁠Marcel ist hier⁠ auf Letterboxd und ⁠Fero hier⁠.

#022 "Independence Day" von Roland Emmerich Leinwandlegenden über Independence Day: Roland Emmerichs Alien-Invasion, Will Smiths Durchbruch, 90er-Jahre-Blockbusterkino und die Geburt des modernen Eventfilms. Am 02. Juli kommen sie an. Am 03. Juli legen sie unsere Welt in Schutt & Asche. Am 04. Juli feiern wir unseren Independence Day! In dieser Folge von Leinwandlegenden nehmen wir uns einen der größten Science-Fiction-Blockbuster der 90er Jahre vor: Independence Day von Roland Emmerich, der am Tag der Veröffentlichung dieser Folge auch noch 30jähriges Jubiläum feiert! Kaum ein Film steht so sehr für das Eventkino der späten Neunziger wie dieser gigantische Alien-Invasionsfilm aus dem Jahr 1996. Riesige Raumschiffe über den Metropolen der Welt, die ikonische Zerstörung des Weißen Hauses, pathetische Reden, explodierende Wahrzeichen und Will Smith auf dem Weg zum globalen Superstar: Independence Day ist Popcornkino im maximalen Breitbildmodus. Wir sprechen darüber, warum der Film damals so eingeschlagen hat, wie clever die Marketingkampagne rund um den legendären Super-Bowl-Spot funktionierte und weshalb Roland Emmerich mit seiner Mischung aus handgebauten Modellen, Miniaturen und frühen digitalen Effekten eine visuelle Wucht erzeugte, die vielen modernen CGI-Blockbustern heute fehlt. Natürlich schauen wir auch genauer hin: Wie plausibel ist diese außerirdische Invasion eigentlich? Was würden Raumschiffe dieser Größe in der Erdatmosphäre wirklich anrichten? Und warum funktioniert der Film trotz aller physikalischen Absurditäten, erzählerischen Vereinfachungen und naiven Erlösungsfantasien bis heute so erstaunlich gut? Eine ausführliche, nostalgische und gleichzeitig kritische Filmanalyse über Independence Day, Roland Emmerichs Blockbusterkino, das Kinojahr 1996, Will Smiths Durchbruch und die Frage, warum dieser Film auch Jahrzehnte später noch immer eine so gewaltige Faszination ausübt.

#021 "The Crow" von Alex Proyas "Es kann ja nicht immer regnen." In dieser Folge der Leinwandlegenden geht es um The Crow (1994), den legendären Gothic-Kultfilm von Alex Proyas nach dem Comic von James O’Barr, und um Brandon Lee als Eric Draven. Wir analysieren die Handlung von The Crow, das Ende, die düstere Bildsprache, den berühmten Soundtrack und die Frage, warum dieser Film bis heute als eine der stilprägendsten Comicverfilmungen der 90er Jahre gilt. Im Mittelpunkt steht Eric Draven, der an der Devil’s Night in einem albtraumhaften Detroit aus dem Tod zurückkehrt, um den Mord an seiner Verlobten Shelly und sich selbst zu rächen: Wir sprechen über die eigenwillige Mischung aus Dark Fantasy, Neo-Noir, Gothic Romance und Rachefilm, über die ikonische Kamera-Arbeit von Dariusz Wolski, die künstlich erschaffene Großstadt, die Symbolik der Krähe und die emotionale Wucht des Films zwischen Liebe, Trauer, Verlust und Vergeltung. Natürlich müssen wir auch über die reale Tragödie hinter dem Film sprechen, dem Unfalltod von Brandon Lee am Set von The Crow am 31. März 1993. Wir beleuchten, wie es dazu kam, wie der Film mit Stuntdoubles, frühen digitalen Gesichtseffekten und Drehbuchanpassungen fertiggestellt wurde und warum diese Geschichte den Mythos von The Crow bis heute prägt. Außerdem geht es um die Comicvorlage von James O’Barr, die Unterschiede zwischen Comic und Film, die Figuren Top Dollar, Sarah, Shelly, Officer Albrecht, Funboy, Tin Tin und T-Bird sowie um den legendären The-Crow-Soundtrack mit The Cure, Nine Inch Nails, Stone Temple Pilots und Graeme Revell. Falls Du Dich für The Crow als Film, als Mythos und als tragisches Kapitel der Filmgeschichte interessiert, bekommst hier wie gewohnt eine Analyse des Werks selbst, aber auch einen Einblick auf die außergewöhnlichen Umstände seiner Entstehung.