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"Slippery When Wet", el tercer disco de Bon Jovi, cumple 40 años y sigue siendo el punto de quiebre donde la banda de Nueva Jersey pasó de promesa a fenómeno global. Lanzado el 18 de agosto de 1986, llegó tras dos trabajos de éxito moderado y se jugó su permanencia con PolyGram apostando por una fórmula que nadie había perfeccionado: el pop-metal. El resultado fue un disco que permaneció ocho semanas en el N.º 1 del Billboard 200, fue el más vendido de 1987 en Estados Unidos y acumula hoy más de 28 millones de copias en todo el mundo, con certificación de 15 discos de platino por la RIAA. Tres sencillos alcanzaron el Top 10 del Billboard Hot 100 ("You Give Love a Bad Name", "Livin’ on a Prayer" y "Wanted Dead or Alive"), convirtiéndolo en el primer disco de glam metal en lograrlo. "Livin’ on a Prayer" supera ya los 1.660 millones de reproducciones en Spotify, mientras que "You Give Love a Bad Name" pasa los 2.000 millones, consolidando al álbum como un clásico intergeneracional. El productor Bruce Fairbairn y el ingeniero Bob Rock dieron forma a un sonido que definió la estética del hard rock de finales de los 80, y además de ellos, el compositor Desmond Child inyectó los coros que convirtieron estas canciones en himnos. A 40 años, "Slippery When Wet" sigue sonando en bares, karaokes y estadios, demostrando que nadie es inmune a "Livin’ on a Prayer".

Las recientes noticias de la IA la han puesto en el escenario hipotético en el que el desarrollo de una inteligencia artificial avanzada supera el control humano y causa daños catastróficos o la extinción de la humanidad. Es como esa película que ya hemos visto en las últimas cuatro décadas: la máquina persigue objetivos que entran en conflicto con el bienestar humano, un problema conocido como desalineación al que se suma el uso indebido y un colapso social. Algunos extrabajadores de empresas tecnológicas alertan sobre peligros reales en los próximos años. Otros investigadores consideran que estas advertencias exageran el poder actual de los programas para atraer inversiones. Nuestros invitados nos dan optimismo: Juan Diego Gómez MSc, MPhil, PhD nos explica otra IA. Y el padre Diego Alonso Marulanda Díaz es el Rector General de la Universidad Pontificia Bolivariana, filósofo y teólogo de la UPB, con maestría en Teología por la Pontificia Universidad Gregoriana de Roma y doctor en Teología por la misma UPB. Me acompaña mi amigo Juan David Correa Toro, Ingeniero/Administrador de la Universidad Nacional, especialista en desarrollo de software de EAFIT y CTO en EatCloud. Una ocasión para sugerir la semana de la IA en Medellín, Inmerxia del 9 al 13 de noviembre de 2026.

El estilo debutante de Boston combinaba en 1976 la potencia del hard rock con la precisión técnica de un ingeniero de MIT. Tom Scholz, empleado de Polaroid, usaba armonías vocales superpuestas, guitarras acústicas y eléctricas en perfecto equilibrio, y efectos electrónicos que él mismo diseñó en su garaje durante su tiempo libre. La portada del disco, que mostraba una nave espacial con forma de guitarra, fue creada por la diseñadora Paula Scher, pero Scholz tuvo que intervenir: la primera versión mostraba una invasión alienígena a la Tierra. "Las naves espaciales deben salvar el planeta, no atacarlo", dijo. El éxito fue inmediato. La radio de Cleveland fue la primera en poner el disco, y en una semana ya sonaba en 400 estaciones de todo el país. En un momento en que la industria gastaba cientos de miles de dólares en grabaciones, el álbum "Boston" costó solo unos pocos miles. Era la prueba de que el talento podía vencer al presupuesto. Pero había un problema, aún no había banda.

Con más de tres décadas explorando el mundo sonoro, el DJ, bajista e investigador brasileño Alfredo Bello —conocido como DJ Tudo— ha creado un puente inigualable entre las tradiciones populares de su país y la electrónica global. Alimentado por una colección de vinilos forjada en 30 países y un archivo propio de más de 2.000 horas de grabaciones de campo folclóricas, su música desafía las fronteras al mezclar tambores ancestrales con percusiones contemporáneas. Este embajador cultural y ganador del Premio de la Música Brasileña no solo mezcla canciones, sino territorios y memorias, uniendo raíces y modernidad en proyectos galardonados y colaboraciones con artistas como Romperayo. En esta conversación nos revela los secretos técnicos para capturar el sonido de la selva, sus primeros descubrimientos musicales colombianos y los motivos que lo llevaron a abandonar el rock para dedicarse a rescatar y reinventar la historia musical de Brasil.

Hace 27 años, una llamada de Juanes buscando apoyo en la iniciativa de ayudar a la destruida Armenia nos movilizó desde la radio a hacer lo que mejor podíamos con una audiencia gigantesca en la ciudad. Aquella jornada pudo medirse en toneladas, pero hoy solo cuenta como experiencia, una de la que reclaman autoría otros más preocupados por tener algo que demostrar que por encontrar algo qué donar. Pero esa reflexión de 1999 hace un eco en el tiempo; para entonces, Juanes estaba en quiebra sin banda y con los sueños empacados a punto de despegar hacia otro rumbo. Yo dirigía la estación de Rock más sólida que jamás había tenido Colombia desde Medellín, pero todo ese proceso estaba a punto de estallar como una movilización solidaria entorno al rock.

Más allá de las acciones aisladas, el verdadero impacto surge al articularse con los organismos de socorro consolidados. Así lo explica Luis Hernando Aguilar, exintegrante de la Oficina de Asuntos Humanitarios de las Naciones Unidas, miembro del cluster global de salud de la Organización Mundial de la Salud e invitado central de este episodio. A su visión se suman experiencias inspiradoras como la de Héctor Augusto Hernández (el man de los perros), cuyo liderazgo en Pereira es ejemplar. Así mismo se está alineando el activismo, el sector empresarial, el arte, la música y la gestión logística. En esta conversación me acompaña el ingeniero Juan David Correa para reflexionar sobre cómo la solidaridad masiva se convierte en la fuerza principal de la reconstrucción en Colombia tras el reciente terremoto de magnitud 7.4. El reto actual no solo es identificar cómo aportar desde el talento individual, sino garantizar una interoperabilidad que mantenga este esfuerzo conjunto siempre protegido por la transparencia.

Las canciones del álbum "Sublime" de 1996 son una sucesión de instantáneas que viven en la mente de cualquier fan y que se pueden repasar de memoria: abre con "Garden Grove" una muestra del funky reggae party, y después viene "What I Got" un himno de amor basado en "Lady Madonna" de Los Beatles y "Wrong Way", la canción más potente de un CD de 14 canciones que se definen entre broma y crítica social de la amarga realidad de los 90 y una reflexión entre despecho y superstición en "Santería". Después de ponerlo en la radio, me llevé ese mismo CD a pasear por la costa californiana. Antes de su lanzamiento, el 25 de mayo de 1996, Bradley Nowell murió a los 28 años en una habitación de hotel de San Francisco por una sobredosis y se perdió todo el éxito de su gran trabajo y la popularidad de su banda.

Considerado el trabajo más comercial y aclamado de Peter Gabriel, "So" alcanzó el estatus de quíntuple disco de platino impulsado por cinco temas legendarios: "Sledgehammer", "Don't Give Up", "Big Time", "In Your Eyes" y "Red Rain". El gran motor del álbum fue "Sledgehammer", cuyo revolucionario videoclip catapultó la canción al N° 1 del Billboard Hot 100 y se llevó diez premios MTV. Con una remasterización en 2002 y una edición conmemorativa en 2012, "So" permanece como un hito donde la innovación técnica se funden con la madurez artística.

El tercer álbum de Madonna la convirtió de estrella pop a ícono global y la reina indiscutible de los 80. Salió el 30 de junio de 1986, tres semanas antes de su boda con Sean Penn. La prensa no hablaba de otra cosa. "True Blue" demostró que Madonna no era one-hit wonder. El álbum definió el pop femenino: artistas controlando su imagen, escribiendo sus letras y generando conversación cultural y pegando cinco sencillos en el Top 5 de Billboard.

En 1982, la música británica vivió un momento surrealista: ¡su propio sindicato intentó prohibir los sintetizadores! Con la excusa de proteger el empleo de los músicos tradicionales, se aprobaron mociones drásticas contra cajas de ritmos, secuenciadores y cualquier aparato con cables y circuitos, tanto en conciertos como en estudios de grabación. Querían frenar la ola tecnológica que propiciaba el synth-pop, pero la historia demostró que al futuro de la música no se le pueden poner barreras. Por el contrario, el instrumento se popularizó.

Las hermanas Elia y Elisabeth Fleta Mallol, nacieron en Bogotá con un año de diferencia, entre 1953 y 1954, respectivamente. Su padre era hijo del famoso tenor español Miguel Fleta, y sus tías paternas también tuvieron un grupo llamado las Hermanas Fleta (Elia y Paloma). Ambas nacieron en Bogotá, vivieron su niñez en Barranquilla y su adolescencia en Lima, en donde estudiaron el bachillerato en un colegio adscrito a las Teresianas. Su música, producida en los años 70 por Jimmy Salcedo, se describe hoy como "a medio camino entre el funk en clave caribeña, la balada y el pop alborozado". Solo fueron dos trabajos: "Elia & Elizabeth" y "Alegría". Hoy son objeto de coleccionistas y nostálgicos.

Acaba de ser aprobada en la Cámara de Representantes la Ley de la Música, en su último debate. Detrás de este logro están los representantes Juan Carlos Losada y Daniel Carvalho, quienes lideraron un esfuerzo para saldar una deuda histórica: fortalecer, dignificar y financiar el ecosistema musical del país. Esta nueva ley no solo reconoce el talento de los artistas en todo el territorio nacional, sino que busca garantizarles condiciones justas para crear, vivir y prosperar desde su talento. Es un paso enorme para que la música colombiana no solo se escuche, sino que también se respete como industria cultural y fuente de sustento.

1986 fue un año clave en la música, con lanzamientos de álbumes icónicos de superestrellas como Madonna (con "True Blue"), Janet Jackson ("Control"), y Paul Simon ("Graceland"), esencial. Fue un año además crucial para el Hard Rock y el Heavy Metal con la publicación de "Master of Puppets" de Metallica, mientras que el Hip-Hop irrumpió en el mainstream con "Raising Hell" de Run-D.M.C. y la consolidación llegó con los Beastie Boys. Dos estilos musicales se abrían paso a la vanguardia y durante varios años presenciamos el dominio de ambos: el Glam metal (también conocido como Hair Metal), así como el surgimiento del rap. De la cosecha de 1986 hay discos Enanitos Verdes, Miguel Mateos, Fito Páez y Los Prisioneros, además de "Signos", el álbum de Soda Stereo que estableció su fama en Latinoamérica desde noviembre de ese año. Pero ¿Qué pasó hace 40 años en términos del rock y el metal? Acomódese.

Desde la década de 1970, Totó La Momposina recorrió decenas de países llevando la cumbia, el porro, el mapalé y el bullerengue a los escenarios más exigentes del circuito global, transformando la música de raíz en un lenguaje universal desde su llegada al sello Real World Records y al festival WOMAD. Esta conversación inédita demuestra la calidez y cercanía de la cantautora colombiana, reflexionando entonces sobre las plataformas, la era digital y los valores ancestrales.

A finales de los años 90, Medellín hervía con una mezcla explosiva de rock, electrónica y rap. La ciudad se asomaba al futuro con energía de bajo, guitarra y sintetizador. Pero en medio de esa efervescencia moderna, un puñado de músicos decidió nadar contra la corriente: apostarle a la música bailable tradicional de Colombia. Así nació La Tropibanda en 1998. La idea era tan sencilla como poderosa: rescatar la cumbia, la gaita y el porro, y volver a poner a bailar a la gente con esos ritmos. Por supuesto, Antioquia y su capital ya contaban con agrupaciones sólidas dedicadas a esos sonidos, pero la propuesta de La Tropibanda apuntaba al gran formato: una fiesta sonora de instrumentos, voces, vientos y percusión que no se conformaba con las pequeñas orquestas. Era una apuesta por lo masivo, lo festivo y lo profundamente colombiano. Esta es la historia en voz de Alfredo López Trujillo, su director.