Advertise on podcast: La dernière séquence

Avec Christopher Nolan, le temps devient la matière même du cinéma. Depuis Memento jusqu’à l'Odyssée, en passant par Inception, Interstellar ou Dunkerque, le réalisateur britannique construit une œuvre fascinée par la mémoire, la perception, la culpabilité et les bouleversements de l’Histoire. Chez Nolan, les récits se déploient, se fragmentent et parfois se recomposent, obligeant le spectateur à faire l’expérience du temps plutôt qu’à simplement le suivre. La Dernière Séquence explore ainsi le cinéma de Christopher Nolan à travers une question centrale : comment filmer le temps ? Entre héritage du cinéma classique, science-fiction, récit historique et réflexion sur notre rapport aux images, son œuvre dessine une conception singulière du cinéma, à la fois populaire, ambitieuse et profondément contemporaine Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

De The Terminator à Avatar, James Cameron a fait de la technique le moteur même de ses récits. En filmant des corps confrontés à des systèmes qui les dépassent — machines, catastrophes, mondes numériques —, il explore sans cesse la frontière entre l’humain et l’artificiel. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

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Le cinéma de Park Chan-wook est un cinéma de la vengeance. Un cinéma où chaque geste de violence est chorégraphié comme un conflit moral, et où le désir devient une force de déstabilisation permanente. Le cinéaste sud-coréen, qui sera le président du jury du Festival de Cannes 2026, a transformé le thriller en expérience esthétique totale, entre élégance formelle, cruauté narrative et intensité émotionnelle extrême. De Oldboy à The Handmaiden, Park Chan-wook nous pose une question vertigineuse : que reste-t-il du cinéma quand la beauté devient elle-même une forme de violence ? Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Émission spéciale Cannes 2026, qui revient sur la sélection officielle dévoilée le 9 avril dernier. En ouverture, nous brosserons le portrait de Peter Jackson, qui s’apprête à recevoir une Palme d’honneur et dont l’œuvre a profondément transformé le cinéma épique contemporain, de Heavenly Creatures à The Lord of the Rings. Nous analyserons ensuite les enjeux de cette nouvelle édition du Festival, entre affirmation des cinémas européens et montée des cinémas asiatiques. Une sélection exigeante, qui met en lumière les nouvelles lignes de force du cinéma mondial. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Pionnier du néoréalisme italien, Roberto Rossellini a révolutionné la manière de rendre compte du réel. De Rome, ville ouverte à Voyage en Italie, ses films mêlent histoire, guerre, et intimité, avec un souci constant de dépeindre la vérité humaine et la fragilité de ses personnages. Cette émission retrace son parcours, de la trilogie de guerre à ses collaborations avec Ingrid Bergman, en passant par son engagement esthétique et politique à la télévision. Trois virages, trois visages… d'un cinéaste d'exception. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Scénariste incontournable du cinéma populaire français, la mise en scène de Francis Veber est souvent injustement critiquée : loin d’être plate est sans relief, sa mise en scène sobre et discrète relève d’un véritable choix esthétique. De La Chèvre au Dîner de cons, en passant par Les Compères et Les Fugitifs, Veber construit un cinéma fondé sur la précision du texte, la direction d’acteurs et un montage rigoureux, où l’effacement formel permet au jeu et à la parole de déployer toute leur puissance comique. Pour en discuter, La Dernière Séquence accueille deux invités : David Honnorat et Hugo Alexandre, créateurs de la chaîne YouTube Calmos et en paritculier du format Rigolo, qui analyse les comédies françaises. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Sam Raimi épouse toutes les tensions du cinéma hollywoodien contemporain. Révélé au début des années 1980 avec le cycle Evil Dead, il s’impose d’emblée par une mise en scène virtuose, physique et inventive. Mais réduire Raimi à l’horreur serait une erreur. Son cinéma navigue sans cesse entre burlesque et tragédie, entre farce outrancière et récit moral implacable. Sa trajectoire singulière démontre, envers et contre tout, que le cinéma populaire peut encore être un cinéma de mise en scène et de sens. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

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La carrière d'Orson Welles à Hollywood fut aussi brève que fulgurante. Avec quatre films – Citizen Kane, La Splendeur des Amberson, La Dame de Shanghai et La Soif du mal – cet artiste inclassable bouleversa le cinéma. Génie précoce, enfant du théâtre et de la radio, Welles invente dès les années 1940 un cinéma d’auteur audacieux. Entre illusions perdues, pouvoir et désenchantement, son parcours incarne la tension entre art et industrie, liberté et contrainte. En écho à l’exposition que lui consacre la Cinémathèque française, La Dernière Séquence retrace la naissance d’un mythe et la révolution esthétique d’un homme qui n’a cessé de repousser les limites du cadre. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Héritier du Nouvel Hollywood, Paul Thomas Anderson explore depuis près de trente ans les forces invisibles qui façonnent l’Amérique : le pouvoir, la culpabilité, la solitude. De Boogie Nights à There Will Be Blood, de The Master à Licorice Pizza, son cinéma oscille entre maîtrise et débordement, entre contrôle et chaos. Avec One Battle After Another, il signe une peinture brutale de l’Amérique trumpienne et des excès qu’elle engendre, prolongeant sa réflexion sur la violence et la perte de repères. Dans ce nouvel épisode de La Dernière Séquence, nous revenons sur l’œuvre d’un cinéaste qui scrute l’intime pour mieux raconter son époque — et, à travers elle, notre propre vertige face à la fragilité du monde. Avec Valérie Lavalle, réalisatrice Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

En quatre films seulement — Hérédité, Midsommar, Beau a peur et Eddington — Ari Aster s’est imposé comme l’un des cinéastes les plus singuliers du cinéma américain contemporain. Né à New York en 1986, il a très tôt choisi son territoire : la famille comme scène du tragique. Chez Aster, l’horreur n’est jamais une fin en soi. Elle est le langage qui dit les secrets, les deuils, la culpabilité, la codépendance. Ses films convoquent le dibbouk et le golem, figures du folklore yiddish : entre possession et fabrication, entre l’esprit qui s’empare des vivants et la créature qui échappe à son créateur. Aster navigue entre ces pôles pour construire un cinéma de l’intime, éprouvé par l’horreur. Monstre invisible, peur héritée, communauté oppressante : chez Ari Aster, le véritable sujet n’est pas le surnaturel mais ce qui nous lie — famille, couple, société — quand ces liens deviennent carcan. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

On les appelle ZAZ, pour Zucker, Abrahams, Zucker. Un acronyme en guise de signature comique inimitable. A partir de 1980, avec Y a-t-il un pilote dans l'avion ?, puis Top Secret ! ou encore la série des Y a-t-il un flic..., le trio impose un humour visuel, absurde, frénétique, qui va profondément marquer le cinéma comique anglo-saxon. Mais ces génies de la parodie ne sortent pas de nulle part. ZAZ sont les héritiers d'une tradition comique américaine multiforme : le vaudeville burlesque, le slapstick des années muettes, l'irrévérence anarchique des Marx Brothers, les films de Mel Brooks, mais aussi la culture télé des années 70. Leur force ? Avoir digéré toutes ces influences pour créer un style propre, où chaque plan ne recelant pas au moins un gag est un plan raté. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

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Avec le cycle Antoine Doinel, François Truffaut invente un cinéma de l'intime, à la fois autobiographique et romanesque. En cinq films, il retrace le parcours d'Antoine Doinel, son double de fiction incarné par Jean-Pierre Léaud et derrière lequel affleurent ses blessures, ses élans et ses tourments. Ce cyle unique a durablement influencé le cinéma d'autofiction, de Moretti à Desplechin, et a ouvert la voie à une nouvelle forme de récit personnel au cinéma. Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.