Publicidad en podcasts en: Prohibido contar ovejas

Brujas, hechizos y ocultismo regresan con Ella Fitzgerald, Rush, Eagles, Radiohead o Jeff Buckley en un recorrido mágico por décadas de música. El espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, dedicó su entrega número 432 a continuar el especial sonoro dedicado al universo de la brujería y los hechizos musicales. Con la llegada del mes de octubre y las vísperas de la temporada de Halloween, el programa reunió una ecléctica selección de canciones de diversas épocas y géneros que abordan la figura de las brujas, el ocultismo, la fascinación amorosa vista como embrujo y las histerias colectivas. La velada comenzó con la elegancia del jazz clásico a través de la interpretación de Ella Fitzgerald de That Old Black Magic. Esta célebre composición de Johnny Mercer y Harold Arlen, popularizada originalmente en los años cuarenta por Glenn Miller, expone la metáfora del enamoramiento como posesión mágica ineludible. A continuación, el programa dio un giro sonoro radical hacia el punk rock californiano de The Offspring con Dirty Magic, pieza perteneciente a su álbum Ignition de 1992 que describe el desgaste y la dependencia destructiva dentro de una relación tóxica tratada como hechicería oscura. El viaje continuó hacia los territorios del post-punk y el rock gótico con Siouxsie and the Banshees y su clásico Spellbound, tema central del disco Juju publicado en 1981. La canción sumerge al oyente en un trance hipnótico e inquietante, capturando el misterio de fuerzas que escapan al control de la voluntad humana. Poco después, el rock británico de The Cult se hizo presente con The Witch, canción grabada en 1992 para la banda sonora de la película de animación e imagen real Cool World, ofreciendo un sonido denso y psicodélico característico de la formación liderada por Ian Astbury y Billy Duffy. La temática adquirió un matiz reflexivo y social de la mano del trío canadiense Rush y su tema Witch Hunt, corte perteneciente a la obra maestra Moving Pictures de 1981. Como parte de su trilogía conceptual sobre el miedo, la banda utiliza la clásica persecución inquisitorial como alegoría de la histeria colectiva y el linchamiento moral propiciado por masas manipulables e intolerantes. Acto seguido, John Fogerty aportó un tono festivo y pantanoso con Wicked Old Witch, corte de su álbum Deja Vu All Over Again de 2004, inspirado en el clásico cinematográfico El mago de Oz y la fascinación infantil de su propia hija por el personaje de la bruja. El rock clásico estadounidense continuó con Eagles y su célebre éxito Witchy Woman, extraído de su álbum debut de 1972. Escrita por Don Henley y Bernie Leadon, la composición retrata el influjo magnético y seductor de una mujer enigmática y peligrosa, inspirada tanto en figuras reales de su entorno como en la personalidad atormentada de Zelda Fitzgerald. Por su parte, la banda británica de rock progresivo Jethro Tull aportó un aire medieval con The Witch’s Promise, relato en el que un hombre cae embaucado por las falsas promesas de amor de una hechicera del bosque. El bloque final exploró los rincones más densos y contemporáneos de esta temática. Rob Zombie evocó los procesos de Salem de finales del siglo XVII en American Witch, tema de su trabajo Educated Horses de 2006 que homenajea a las víctimas ejecutadas y sirvió de antesala para sus posteriores proyectos cinematográficos. Asimismo, Uriah Heep ofreció su mística balada The Wizard, procedente del álbum Demons and Wizards de 1972, donde se representa el encuentro iniciático con un mago sabio que combate la oscuridad. Para cerrar la emisión, Radiohead compareció con Burn the Witch, tema de apertura de A Moon Shaped Pool publicado en 2016. La composición emplea una tensa instrumentación de cuerda para denunciar la paranoia social contemporánea y la censura al pensamiento discrepante. Finalmente sonaron The Kinks con Wicked Annabella, perteneciente a su aclamado disco de 1968, y el añorado Jeff Buckley con Witches’ Rave, rescate póstumo de sus sesiones inconclusas que condensó una vez más la turbadora frontera entre la pasión romántica y el maleficio.

Brujas, hechizos, vudú y pócimas recorren la historia del rock en un viaje musical por algunas de sus canciones más oscuras y misteriosas. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, inaugura las emisiones especiales del mes de octubre dedicadas a la temática de Halloween. En esta entrega, el espacio radiofónico explora la presencia de la brujería, los hechizos y el misticismo en la historia de la música popular, recorriendo diferentes épocas y estilos que abarcan desde el rhythm and blues primigenio y el garage rock hasta el hard rock, el folk psicodélico y el heavy metal. La velada musical arranca con la voz de Nina Simone interpretando su clásica versión de I Put a Spell on You, una composición original de Screamin' Jay Hawkins donde se aborda la idea del enamoramiento como una posesión sobrenatural. A continuación, el programa se traslada a los orígenes del garage rock con The Sonics y su sencillo de finales de 1964, The Witch. Escrita e interpretada por Gerry Roslie, la pieza advertía sobre una peligrosa mujer de melena negra asociada al mal y a las sombras, consolidándose como una de las grabaciones pioneras del rock más crudo y enérgico de la escena de Tacoma. El misticismo latino llega de la mano de Santana y su emblemática versión de Black Magic Woman, incluida en el álbum Abraxas de 1970. Couselo recuerda que este clásico fue compuesto originalmente en 1968 por Peter Green para Fleetwood Mac, inspirándose en su pareja de entonces. Carlos Santana reinterpretó la composición combinándola con Gypsy Queen y dotándola de ritmos latinos y blueseros, logrando un éxito arrollador en las listas norteamericanas que consolidó su fusión de rock y espiritualidad. El lado más sombrío y reflexivo de la persecución de brujas queda plasmado con Queens of the Stone Age y su tema Burn the Witch, perteneciente al álbum Lullabies to Paralyze (2005). La letra utiliza los juicios de Salem como una metáfora ante el señalamiento público tras la polémica salida del bajista Nick Oliveri, contando con aportaciones de lujo como Mark Lanegan y Billy Gibbons de ZZ Top. Seguidamente, el tono humorístico lo aporta The Clovers con Love Potion No. 9, escrita por el tándem Jerry Leiber y Mike Stoller en 1959, relatando la historia de un joven desafortunado que acude a la gitana Madame Rue para conseguir un filtro de amor infalible con inesperadas consecuencias. El recorrido continúa con Donovan y su célebre Season of the Witch (1966), tema representativo del folk psicodélico que capturó la creciente paranoia social y el clima de alienación de finales de los años sesenta. La atmósfera se traslada luego a los pantanos y al vudú de Nueva Orleans con dos piezas fundamentales: primero, el chamánico Gris-Gris Gumbo Ya Ya (1968) de Dr. John, quien se presenta como un sanador tradicional cargado de talismanes y remedios curativos; y después, The Witch Queen of New Orleans (1971) de Redbone, un homenaje funk rock dedicado a la célebre reina del vudú Marie Laveau. En el tramo dedicado a las figuras femeninas dotadas de un aura sobrenatural, destaca Rhiannon (1975) de Fleetwood Mac, compuesta por Stevie Nicks inspirándose en la diosa de la mitología galesa. Asimismo, Kate Bush recrea el terror de los juicios acuáticos medievales en la vanguardista Waking the Witch, perteneciente a su aclamado Hounds of Love (1985), mientras que Florence + The Machine explora la condena y el dolor emocional en Which Witch, desatando una interpretación vocal catártica y poderosa. Para culminar el programa, Iron Maiden aporta la fuerza del heavy metal conceptual con Moonchild, tema apertura del álbum Seventh Son of a Seventh Son (1988), fuertemente influido por las obras de Aleister Crowley y la literatura fantástica. La despedida corre a cargo de Cream y su mítico Strange Brew, perteneciente a Disraeli Gears (1967), cerrando una selección dedicada a las pócimas, brujas y leyendas que han marcado la historia del rock.

Un acuerdo por una batería Ludwig en 1963 propició la creación del famoso sello gráfico del cuarteto de Liverpool por apenas cinco libras. En esta nueva entrega de los espacios culturales de esRadio, los presentadores nos proponen un viaje en el tiempo para descubrir los entresijos de uno de los símbolos más icónicos de la historia de la música contemporánea: el logotipo de la célebre banda británica The Beatles. A través de una amena recreación dramatizada, el programa nos traslada al vibrante Londres de la década de los sesenta para desvelar cómo un encuentro fortuito en una tienda de música cambió para siempre la identidad visual del grupo de Liverpool. La acción nos sitúa concretamente en el mes de abril de 1963, un periodo en el que la joven formación musical comenzaba a saborear las mieles del éxito tras el arrollador impacto de su sencillo Please Please Me. Con la necesidad de renovar su equipo de cara a los exigentes compromisos que se avecinaban, el representante del grupo, Brian Epstein, acompañado por el carismático batería Ringo Starr, decidió visitar el popular establecimiento de instrumentos musicales Drum City, ubicado en la conocida calle Shaftesbury Avenue. El dueño del comercio, Ivor Arbiter, un especialista en percusión que había inaugurado su tienda a finales de los años cincuenta, recibió a los clientes sin imaginar que estaba a punto de participar en un hito histórico. Ringo Starr quedó de inmediato prendado de una batería de la marca Ludwig, modelo Downbeat, que destacaba por un elegante acabado en color perla oscuro. El precio del instrumento ascendía a la considerable cifra de 238 libras, lo que dio pie a una singular negociación económica liderada por el astuto mánager de la banda. Haciendo gala de su gran visión comercial, Brian Epstein argumentó que la popularidad de The Beatles estaba creciendo de forma desmesurada y que la exposición de la marca en sus actuaciones supondría una campaña de publicidad incalculable para el negocio. Aunque Arbiter se negó en redondo a regalar el instrumento de forma gratuita, propuso un ventajoso intercambio: se quedaría con la vieja batería Premier de Ringo como parte del pago, siempre y cuando el logotipo de la marca Ludwig permaneciera intacto y bien visible en el bombo de la nueva adquisición. Epstein aceptó de buen grado el trato, pero añadió una condición indispensable: el nombre del grupo también debía figurar de forma prominente en el parche del tambor principal. En aquel momento, la banda carecía de una seña de identidad gráfica definida, más allá de unos sencillos esbozos amateur realizados previamente por Paul McCartney. Por la módica cantidad de cinco libras, Arbiter se comprometió a diseñar un logotipo exclusivo que cumpliera con las expectativas del mánager, quien insistió especialmente en que se resaltara la palabra beat para hacer un juego de palabras con el ritmo musical. Fue así como nació el famoso diseño de la tipografía con la letra B sobredimensionada y la letra T alargada hacia abajo, conocido mundialmente como el estilo drop-T. El rótulo original fue plasmado a mano por el artista local Eddie Stokes en el bombo de la batería de Ringo Starr, debutando oficialmente en los escenarios poco después. A lo largo de la trayectoria en activo de la formación hasta su separación definitiva en el año 1970, el parche del bombo lució hasta siete variaciones diferentes de este diseño, adaptándose a las diferentes giras y necesidades de la banda. No fue hasta el año 1994, coincidiendo con el lanzamiento del recopilatorio Past Masters, cuando la compañía discográfica de la banda, Apple Corps, decidió unificar todas las versiones existentes en un único diseño definitivo, que es el que actualmente reconoce todo el mundo. De regreso al estudio de esRadio, los locutores comentaron con humor los detalles de esta dramatización histórica, alabando el excelente trabajo del equipo de actores de doblaje y compartiendo anécdotas sobre otras colaboraciones en las que la música y el entretenimiento se dan la mano.

Música alternativa, teatro comprometido contra el suicidio y una recreación sobre The Beatles marcan la última entrega del espacio de esRadio. Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, conducido por Felipe Couselo acompañado por su equipo habitual de colaboradores, arrancó con el particular tono desenfadado que caracteriza al programa, repasando anécdotas culturales, cinematográficas y del mundo del cómic. En esta ocasión, los contertulios bromearon sobre la ausencia de Juanma González y debatieron acerca de adaptaciones emblemáticas como las obras de Alan Moore, recordando películas de culto como Sin City o la controvertida traslación a la pantalla de Watchmen. En el apartado de novedades musicales alternativas, el espacio dedicó tiempo a descubrir y analizar proyectos internacionales y emergentes. Se destacó la propuesta descarnada y fronteriza de artistas como la australiana Spike F**k y el dúo suizo-ecuatoriano Hermanos Gutiérrez, célebres por su atmósfera de western instrumental andino reflejada en su reciente producción Los Ojos del Cóndor. Asimismo, se presentó a la enérgica banda británica Adult DVD, exponente del llamado dance-punk, lo que derivó en una divertida apuesta entre los colaboradores sobre las cifras de reproducciones del grupo en plataformas digitales, aderezada con promesas culinarias de torreznos y focaccia. El repaso sonoro continuó con el contundente rock tejano de Blacktop Mojo y con la música electrónica de club y sintetizador. En este ámbito brillaron los sonidos del proyecto francés General Elektriks y la utilización del mítico sintetizador de bajos Roland TB-303 en la colaboración entre Axel Boman y Superpitcher. Además, hubo hueco para la producción interna con el nuevo tema del grupo Sweet Mapache, proyecto liderado por Víctor Hernández, técnico de sonido de la casa, que presentó su bailable sencillo Tus Iniciales. Por su parte, Alma Espinosa acercó la recomendación teatral de la semana poniendo el foco en la obra Ayer intenté suicidarme, una producción escrita por Diego Da Costa y Julio Viñuela que se representa en la sala Bululú de Madrid. El montaje aborda con sensibilidad y valentía el drama del suicidio, una realidad frecuentemente silenciada en el debate social. A través de cuatro monólogos entrelazados correspondientes a la víctima, su pareja, un familiar y una perspectiva comunitaria, la obra busca romper estigmas y servir como ejercicio de catarsis y reflexión sobre la salud mental. En el tramo central de la emisión, el programa conectó con David Salamanca, organizador del Galán Fest de Pedrajas de San Esteban (Valladolid), que celebra su décimo aniversario. Junto al periodista Roberto Martínez, repasaron el cartel del festival, que reúne a formaciones como Monóxido, Saragüe 84 o The Fix Trío, e hicieron un sentido homenaje a la memoria de Moll, histórico técnico de sonido y pieza indispensable en la trayectoria del certamen, recientemente fallecido. Para concluir la noche, el programa emitió una divertida dramatización radiofónica titulada Vaudeville of Hill, guiada por Alicia Parente, en la que se recreó el curioso origen del logotipo de The Beatles. La pieza relató cómo en abril de 1963 el mánager Brian Epstein y Ringo Starr acudieron a la tienda londinense Drum City de Ivor Arbiter para adquirir una batería Ludwig, momento en el que, para cerrar el trato comercial, se improvisó por apenas cinco libras el diseño de la célebre tipografía con la letra te alargada.

Con Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban Con la ayuda de Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban (Valladolid) el sábado 3 de Octubre. Line-up completo: The Fixed Trio Yo Somos Love Feroz Sarajevo’84 Zero Azúcar Monóxido Intronauta DJ

De John Cage a Aphex Twin: analizamos la lista de 47 temas que el genio nipón regaló a un local de Manhattan para mejorar su acústica. En esta nueva entrega de la sección de novedades musicales en esRadio, se presenta una curiosa historia que vincula al célebre y añorado compositor japonés Ryuichi Sakamoto con el hilo musical de un restaurante neoyorquino. El punto de partida de este viaje sonoro es el restaurante vegetariano Kajitsu, ubicado en Nueva York, un establecimiento que encandilaba al maestro nipón por la calidad de sus platos, pero que le horrorizaba por la selección musical que ambientaba el local -repleta de versiones pop y bossa nova de baja calidad-. Ante tal acústica desfavorable, Sakamoto decidió escribir una carta al dueño del local para proponerle, de manera totalmente gratuita, confeccionar una lista de reproducción a la altura de su cocina. La lista de reproducción resultante, que fue publicada en su día por el prestigioso diario estadounidense el New York Times, consta de cuarenta y siete canciones y tiene una duración aproximada de tres horas y veinte minutos. En el programa se analiza detalladamente una selección de doce temas pertenecientes a esta playlist de verano. El elemento aglutinador y absoluto protagonista de todas estas composiciones es el piano, el instrumento predilecto de Sakamoto -pese a sus inicios en la mítica Yellow Magic Orchestra-, aunque con una particularidad muy llamativa: el compositor japonés no incluyó ninguna pieza de producción propia en toda la selección. La andadura musical comienza con el tema titulado The Flat, del compositor islandés Jóhann Jóhannsson, una pieza etérea donde el piano comparte protagonismo con bases ambientales muy sutiles. Jóhannsson, célebre tanto por sus trabajos en solitario como por sus aclamadas bandas sonoras, introduce una de las constantes de esta selección: la delicadeza del teclado. A continuación, el programa se adentra en terrenos más experimentales con John Cage y su obra Four Walls: Act I. Cage, uno de los compositores y filósofos musicales más influyentes de la vanguardia estadounidense, es recordado aquí por su técnica del piano preparado, que buscaba alterar el sonido del instrumento introduciendo pequeños objetos entre las cuerdas. El recorrido continúa con la aportación del productor alemán Nils Frahm y su tema Some, perteneciente a su álbum Solo. Frahm es conocido por su maestría a la hora de fundir el piano acústico con la electrónica sutil, utilizando fieltros y texturas que capturan hasta el más mínimo roce del instrumento, haciéndolo respirar. La atmósfera se vuelve algo más oscura con el chileno-alemán Nicolas Jaar y su pieza Mistress. Aunque Jaar es ampliamente reconocido en el mundo de la música electrónica de baile por sus ritmos de club, en esta ocasión ofrece un tema pausado, minimalista y con tintes de house abstracto que encajaba perfectamente en la atmósfera íntima del local. El virtuosismo al piano corre a cargo del canadiense Chilly Gonzales con el tema Gentle Threat, extraído de su célebre trabajo Solo Piano. Gonzales, que ha colaborado con artistas de lo más variopinto -desde Drake hasta Daft Punk-, demuestra su capacidad para crear melodías de piano hipnóticas sin necesidad de artificios. Otra de las paradas obligadas de la playlist es Oneohtrix Point Never -proyecto del productor Daniel Lopatin- con la canción Replica, editada bajo el emblemático sello Warp Records. Esta pieza destaca por el contraste entre una base electrónica áspera y un piano limpio, generando una tensión de fondo muy característica. No podía faltar en una lista de estas características la figura de Richard D. James, artífice de Aphex Twin, con su bellísima composición Avril 14th, perteneciente al álbum Drukqs. Aunque el grueso de la discografía de Aphex Twin destaca por la electrónica más dura y experimental, este tema al piano es una de las melodías más versionadas y célebres de la historia de la música contemporánea. La playlist también rinde homenaje a la música popular brasileña a través de la inconfundible voz de Gal Costa en el bellísimo tema Até Quem Sabe, donde la cadencia melancólica del piano acompaña a la perfección la interpretación de la diva brasileña. En el tramo final del análisis se repasan piezas como Is That What Everybody Wants, de Cliff Martinez, perteneciente a la banda sonora de la película Solaris de Steven Soderbergh; y la pieza The Shade, una histórica colaboración de música electrónica y krautrock entre Brian Eno, Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius -bajo el nombre de Cluster-. El broche de oro lo pone el jazz eterno de Thelonious Monk con su interpretación de I Don't Stand a Ghost of a Chance with You. Los presentadores cierran la sección bromeando sobre la genialidad de Sakamoto, quien prefirió destacar el talento ajeno antes que el propio para amenizar las veladas de su restaurante favorito.

Descubrimos la playlist secreta de Ryūichi Sakamoto y los títulos más perturbadores del género de terror 'home invasion'. Una nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido por Felipe Couselo, arranca con la habitual tertulia entre sus colaboradores. En esta ocasión, se destaca la ausencia de Juanma Rodríguez, quien se encuentra en Málaga asistiendo a la Comic-Con. El equipo bromea sobre la sección del ausente de la semana anterior, en la que supuestamente iba a hablar de cine pero terminó dedicando todo su espacio a hablar de los coches Mini Cooper debido a la película The Italian Job. La conversación deriva hacia los planes de viaje de algunos miembros del equipo hacia Marbella, lo que propicia la de idea de organizar un encuentro con el propio Juanma en tierras malagueñas. A continuación, Isaac toma las riendas del apartado musical rindiendo un especial homenaje al compositor japonés Ryūichi Sakamoto. Se relata la célebre anécdota de la relación del músico con el restaurante Kajitsu de Nueva York, un establecimiento de comida vegetariana que Sakamoto frecuentaba pero cuya música ambiental detestaba profundamente por tratarse de un pop brasileño de baja calidad. Ante esta situación, el compositor decidió escribir una carta al dueño del local para ofrecerle de manera totalmente gratuita una lista de reproducción personalizada que estuviera a la altura de su excelente gastronomía japonesa. La sección musical desgrana varias de las piezas seleccionadas para esa famosa lista del restaurante. El primer tema en sonar es "The Flat", del islandés Jóhann Jóhannsson, una composición etérea de corte ambiental donde el piano se erige como el instrumento vertebrador. El piano es, de hecho, una de las constantes absolutas de la selección musical de Sakamoto. Seguidamente, se introduce la música de Nils Frahm con su tema "Them", una pieza que destaca por la sutil mezcla del piano con texturas electrónicas y el uso de filtros para captar el roce de las cuerdas, haciendo "respirar" al instrumento. El repaso musical prosigue con la influencia de figuras vanguardistas como John Cage y su experimentación con el piano preparado, un invento que modificaba la sonoridad del instrumento mediante la inserción de objetos entre sus cuerdas. También suena el jazz de Ahmad Jamal, pianista muy respetado por Sakamoto que falleció poco después que él. Isaac sorprende además al pinchar al productor de música electrónica minimalista Nicolas Jaar con su tema "Mistress", una pieza que Felipe Couselo confiesa haber utilizado en numerosas ocasiones para ambientar editoriales de Dieter Brandau. Para cerrar la vertiente musical del programa, se escuchan otras de las joyas de la lista de Kajitsu, como la delicada "Avril 14th" del siempre controvertido Aphex Twin, la bossa nova de Gal Costa con "Até Quem Sabe", la electrónica experimental de Oneohtrix Point Never y el clásico jazzístico de Thelonious Monk. Toda esta amalgama de estilos demuestra la obsesión del maestro japonés por el piano y su rechazo absoluto a la música fácil o meramente comercial en los espacios públicos. Posteriormente, Dani presenta su sección cinematográfica dedicada en exclusiva al cine de terror, concretamente al subgénero de las invasiones domésticas o home invasion. Tras admitir que es el tipo de películas que peor cuerpo le dejan, arranca sus recomendaciones con el clásico de 1971 de Sam Peckinpah, Perros de Paja, protagonizada por Dustin Hoffman. Asimismo, destaca la angustiosa De Repente, Un Extraño, donde un genial Michael Keaton interpreta a un inquilino psicópata que destroza la vida de los propietarios de una casa en San Francisco. Dani continúa analizando grandes hitos de este subgénero como La Habitación del Pánico, una de las grandes obras de suspense de David Fincher protagonizada por Jodie Foster y una jovencísima Kristen Stewart. Tampoco se olvida de la perturbadora e incómoda Funny Games de Michael Haneke, una película concebida como una bofetada al espectador sobre el uso gratuito de la violencia en el cine, o la más comercial pero igualmente efectiva Los Extraños, protagonizada por Liv Tyler. Finalmente, el programa aborda la aportación del cine español a este género de terror doméstico mediante la película Secuestrados, dirigida por Miguel Ángel Vivas y rodada íntegramente en planos secuencia para aportar un realismo casi insoportable. Dani concluye su lista de recomendaciones con Tú Eres el Siguiente de Adam Wingard, una vuelta de tuerca donde las víctimas se rebelan, y la asfixiante No Respires, dirigida por el uruguayo Fede Álvarez, poniendo el broche de oro a una entrega de gran carga cultural.

Del suspense de 'La habitación del pánico' al horror de 'Los extraños': el cine que viola la seguridad de nuestro hogar En esta entrega se aborda un monográfico sobre el subgénero cinematográfico de las invasiones domésticas, comúnmente conocidas en la jerga anglosajona como home invasion. Tras una breve introducción sobre cómo este tipo de tramas genera una profunda incomodidad al violar el espacio de seguridad del hogar, los colaboradores de esRadio comienzan analizando la película Hostage, estrenada en el año 2005. Este largometraje, dirigido por el cineasta francés Florent Emilio Siri y protagonizado por Bruce Willis, sirve de punto de partida para explorar la tensión y la desesperación de unos personajes atrapados en su propia vivienda frente a unos delincuentes juveniles. Un clásico incontestable dentro de esta temática es Straw Dogs, la célebre cinta de 1971 dirigida por Sam Peckinpah. En ella, Dustin Hoffman interpreta a un refinado matemático norteamericano que se traslada junto a su esposa a una casa de campo en la campiña británica. Lo que comienza como una convivencia incómoda con los rudos obreros locales degenera progresivamente en un asedio brutal. Los analistas del programa destacan el dilema moral al que se enfrenta la pareja protagonista cuando deciden dar refugio a un desamparado del pueblo, lo que desata la ira irracional de los vecinos, quienes intentan asaltar la vivienda a toda costa. El repaso cinematográfico continúa con la vertiente del inquilino parásito que se introduce legalmente en la propiedad, ejemplificada a la perfección en Pacific Heights -De repente, un extraño-, un filme de 1990 dirigido por John Schlesinger. En esta ocasión, la amenaza no proviene de un asalto violento e inmediato, sino de la figura de un retorcido inquilino, interpretado de forma magistral por Michael Keaton, que convierte la vida de los propietarios en una auténtica pesadilla. Posteriormente, se analiza Panic Room -La habitación del pánico-, dirigida en 2002 por David Fincher. Esta película destaca por su atmósfera de claustrofobia y alta tecnología, donde unos asaltantes intentan forzar el búnker blindado en el que se esconden una madre -interpretada por Jodie Foster- y su hija pequeña. La violencia gratuita y carente de motivo lógico se analiza a través de Funny Games, la turbadora obra del director austríaco Michael Haneke de 1997. El programa detalla cómo dos jóvenes de aspecto impecable secuestran a una familia burguesa en su casa de vacaciones para someterla a sádicos juegos mentales y físicos, un ejercicio con el que el realizador buscaba reflexionar sobre la representación de la violencia en el cine. En una línea similar de terror inexplicable se sitúa The Strangers -Los extraños-, estrenada en 2008 y protagonizada por Liv Tyler, donde el pánico absoluto surge del hecho de que los asaltantes enmascarados no buscan ningún botín, sino que torturan a sus víctimas simplemente por el hecho de estar en casa. El cine francés más extremo tiene su representación con Inside -Al interior-, una sangrienta película de 2007 dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury que relata el acoso a una mujer embarazada por parte de una misteriosa figura femenina durante la noche de Navidad. Cruzando la frontera hacia el cine español, se destaca Sleep Tight -Mientras duermes-, dirigida por Jaume Balagueró en 2011. La cinta está protagonizada por Luis Tosar, quien encarna a un conserje de edificio incapaz de ser feliz cuyo único propósito vital es amargar la existencia de los vecinos de la comunidad, ensañándose de manera enfermiza en un retorcido ejercicio de terror cotidiano. Otro referente patrio analizado es Secuestrados, película de 2010 dirigida por Miguel Ángel Vivas que destaca por su crudo realismo y su rodaje mediante planos secuencia muy largos, transmitiendo la angustia en tiempo real de una familia asaltada en su nueva residencia de lujo. Para aligerar el tono, los colaboradores comentan You're Next -Tú eres el siguiente-, un filme de 2011 que subvierte las reglas del género cuando los enmascarados se topan con una invitada con inesperadas habilidades de supervivencia. El monográfico concluye con la aplaudida Don't Breathe -No respires-, una producción de 2016 dirigida por Fede Álvarez en la que tres ladrones cometen el error de asaltar la casa de un veterano de guerra ciego, interpretado por Stephen Lang, quien resulta ser un implacable y letal adversario en la oscuridad.

De Bobby Darin a Pearl Jam, Felipe Couselo propone una travesía sonora por grandes temas inspirados en el gran azul y la libertad. El programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, presentado por Felipe Couselo, dedica su espacio a una selección musical inspirada en el mar y los océanos. Tras una entrega anterior centrada en los ríos como metáfora de la vida, el locutor amplía el horizonte geográfico para explorar cómo el inmenso azul ha fascinado a los artistas a lo largo de la historia de la música popular. A través de este viaje sonoro, Couselo analiza cómo el mar evoca nostalgia, aventura, calma o escape frente a las vicisitudes cotidianas. La velada musical comienza con el clásico "Beyond the Sea" interpretado por Bobby Darin, una conocida adaptación al inglés de la célebre canción francesa "La Mer". Felipe Couselo explica que, en esta versión con un marcado estilo swing, el mar representa un obstáculo temporal que separa al protagonista de su ser amado. No obstante, lejos de ser una barrera infranqueable, el océano se convierte en una promesa de reencuentro futuro y esperanza, un elemento que ha sido utilizado de manera recurrente en el cine y la televisión para transmitir optimismo. A continuación, el programa se detiene en "Sloop John B" de The Beach Boys, una versión de una canción tradicional caribeña que Brian Wilson transformó en uno de los pilares del legendario álbum Pet Sounds. El presentador detalla las complejas sesiones de grabación lideradas por Wilson, en las que participaron numerosos músicos de estudio para dar forma a una rica instrumentación. Detrás de su ritmo alegre, la letra narra las desventuras de un viaje en barco y el constante anhelo de los marineros por regresar a su hogar. El cuarteto de Liverpool también tiene su espacio con "Octopus's Garden", composición de Ringo Starr incluida en el álbum Abbey Road de The Beatles. Couselo relata la curiosa génesis del tema, inspirado en unas vacaciones del batería en Cerdeña a bordo del yate del actor Peter Sellers, donde el capitán le explicó que los pulpos recolectan piedras brillantes para construir jardines bajo el agua. Para el músico, este concepto simbolizaba el refugio de paz que tanto anhelaba en un momento de máxima tensión interna dentro de la banda británica. El viaje continúa hacia las costas británicas de Brighton con "Sea and Sand" de The Who, perteneciente a su célebre ópera rock Quadrophenia. En esta composición, la playa y el mar sirven de contrapunto a la asfixiante vida urbana del joven mod Jimmy, el protagonista de la historia. Felipe Couselo describe cómo el inmenso azul representa el único escenario donde el atormentado adolescente logra experimentar una transitoria sensación de pertenencia y sosiego, lejos de la alienación diaria. La nostalgia y la superación personal se entrelazan en "Southern Cross" de Crosby, Stills & Nash, una obra liderada por Stephen Stills. El presentador explica que la canción plasma un viaje de redención en velero por el Pacífico Sur tras un doloroso divorcio del músico. La Cruz del Sur, la constelación que guía a los navegantes en el hemisferio austral, funciona como metáfora del camino hacia la aceptación del dolor y la esperanza de un nuevo comienzo. Por su parte, Led Zeppelin aporta una perspectiva diferente con "The Ocean", tema de su trabajo Houses of the Holy. En este caso, el término "océano" no alude a una masa de agua, sino a la multitud de seguidores que abarrotaba los estadios en sus multitudinarios conciertos. Couselo destaca la potencia del ritmo de John Bonham y la evocadora imagen de ver a miles de personas botando al unísono, asemejándose a las bravas olas de un mar humano. El programa avanza en el tiempo con "I Sat by the Ocean" de Queens of the Stone Age, donde el líder Josh Homme utiliza el mar como testigo silencioso de la soledad de quien bebe para olvidar un desamor. Tras este tema de corte más desértico, suena "Oceans" de Pearl Jam, reflejo de la profunda obsesión de Eddie Vedder por el mar y el surf, donde la marea se presenta como una fuerza purificadora capaz de transportar al individuo hacia un estado de calma mental. La selección musical se completa con "Seven Seas" de los británicos Echo & the Bunnymen, una pieza que invita a dejarse llevar por las corrientes marinas, seguida de la mística "Into the Mystic" de Van Morrison, donde el mar garantiza la ansiada libertad del espíritu. Asimismo, el pop sofisticado de Suede se hace presente con "By the Sea", un tema que evoca el deseo de romper con la rutina urbana para iniciar una existencia más sencilla en una cabaña frente a la costa. En el tramo final, Couselo pincha "I Am the Ocean" de Neil Young en colaboración con Pearl Jam, una potente reflexión sobre la inmensidad e imprevisibilidad de la existencia humana. Para cerrar la emisión de esRadio, el programa se despide con la majestuosa y melancólica "Porcelina of the Vast Oceans" de The Smashing Pumpkins, una pieza que el presentador invita a escuchar con atención para sumergirse por completo en su atmósfera marina y dejarse arrastrar por la marea antes del descanso nocturno.

Imaginamos divertidas e irónicas alternativas para los desenlaces de películas míticas de Hollywood junto a Juanma González En esta nueva entrega del divertido programa de esRadio Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo y su colaborador habitual Juanma González se adentran en el apasionante ejercicio de reescribir finales de películas míticas de la historia del cine. A lo largo del podcast, ambos analizan con humor, ironía y altas dosis de cinefilia cómo habrían cambiado algunas de las producciones más famosas de Hollywood si se hubieran tomado decisiones distintas en el montaje o en el guion original. Antes de entrar en materia cinematográfica, los locutores reflexionan sobre lo complicado que es cerrar una historia, citando incluso la serie de televisión Supernatural para ilustrar cómo el destino de los personajes a veces se tuerce de manera inevitable durante el proceso de escritura. En el cine, esta dificultad se multiplica debido a las presiones de los productores y la necesidad de contentar al gran público, lo que a menudo da lugar a conclusiones excesivamente edulcoradas o incoherentes. El primer título sobre la mesa es el clásico de 1975 Tiburón. Tras recordar el desenlace original en el que el jefe Brody consigue hacer estallar al escualo disparando a una bombona de oxígeno, Juanma González propone una alternativa delirante basada en un meme de internet —la película al revés como la historia de un tiburón bondadoso que vomita personas y las salva de sus vidas tóxicas—. Por su parte, Felipe Couselo plantea una vía mucho más seria y poética, inspirada en la novela original de Peter Benchley, donde Hooper muere en la jaula y el carismático Quint, herido y enloquecido, obliga a Brody a huir en una balsa mientras él se queda solo esperando su trágico destino en el mar. El debate continúa con el universo de los superhéroes en Vengadores: Endgame. Los locutores de esRadio critican abiertamente la secuencia del clímax en la que se reúnen de forma artificial todos los personajes femeninos, calificándola como un guiño forzado y poco inteligente. Como alternativa para mejorar el final de la saga, sugieren que un personaje tan brillante como Tony Stark debería haber diseñado un deseo inteligente con el guantelete que le permitiera sobrevivir al chasquido, o bien que se hubiese mostrado detalladamente la compleja y absurda tarea de Capitán América devolviendo las gemas del infinito a sus respectivas líneas temporales. La mítica Casablanca tampoco se libra de la quema creativa de los colaboradores de Prohibido Contar Ovejas. Aunque reconocen que la despedida entre Rick e Ilsa es uno de los momentos cumbre del séptimo arte, Juanma y Felipe juegan a imaginar finales alternativos que van desde un desenlace cómico al estilo de Hot Shots 2 hasta una secuela en formato serie de detectives de los años cuarenta protagonizada por Rick y el prefecto Renault. La nota más absurda la pone la irrupción ficticia de un Albert Einstein desnudo que viaja en el tiempo de manera similar a Terminator. En la recta final del programa, analizan de manera muy original el clásico de ciencia ficción de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase y la aventura juvenil Los Goonies. Para la primera, proponen un giro más oscuro y cínico sobre la abducción del personaje de Richard Dreyfuss. Para la segunda, plantean una disparatada trama donde Sloth es separado de los niños por los servicios sociales, desatando una sangrienta venganza de sus amigos que convierte la película en un slasher de terror en el que los protagonistas terminan asaltando yates de turistas al más puro estilo de La colina tiene ojos.

El espacio cultural de esRadio viaja del rock distorsionado de Royal Blood a la nostalgia de la danza autobiográfica y el cine familiar. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio reúne a Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma González, Daniel Palacios y Alma Espinosa. El programa arranca con el habitual tono desenfadado, bromeando sobre la serie Friends y la evolución del espacio televisivo, antes de dar paso a las secciones de música y artes escénicas que protagonizan esta edición. En el apartado musical, Daniel Palacios presenta las últimas novedades discográficas. Comienza con "Bitter Sun Sunrise", el último adelanto del nuevo trabajo de M83, titulado Fantasy, un proyecto muy esperado por los seguidores de la banda francesa. A continuación, suena "Shollow the Bomb", el potente sencillo de adelanto de Royal Blood para su próximo disco de estudio, titulado Back to the Water Below, demostrando la vigencia de su característico formato de dúo de rock con bajo distorsionado. La selección de Palacios continúa explorando sonidos más oscuros y pesados con "House by the Grave" de la banda británica de rock psicodélico y doom Uncle Acid and the Deadbeats, extraído de su álbum Nell's Grave. Para cerrar su tanda de novedades, introduce a la banda noruega de punk rock The Dogs con su enérgico tema "7:25", perteneciente a su trabajo Trauma Junkie, una propuesta que destaca por su sonido directo y garajero muy influenciado por el clásico estilo escandinavo. Por su parte, Isaac Vizcaíno nos acerca al jazz experimental con la propuesta del dúo suizo Ocušo y su tema "Frozen Flashes", en el que colabora el flautista y saxofonista británico Tenderlonious. Este corte, que combina bases electrónicas con jazz contemporáneo, sirve como ejemplo de la evolución que está experimentando el género en Europa. En la sección de artes escénicas, Alma Espinosa recomienda el espectáculo de danza flamenca Bilbao Square, creado por la célebre bailaora y coreógrafa María Pagés, que se representa en el centro cultural Matadero Madrid. La obra es un recorrido autobiográfico y poético que narra el viaje de la artista desde Sevilla hasta Madrid a los quince años, realizando el trayecto a bordo de un mítico Citroën Tiburón negro. El repaso cinematográfico de la semana se centra en tres producciones muy diferentes. Juanma González analiza la película de acción En el Corazón de la Bestia, protagonizada por Brad Pitt en el papel de un antiguo boina verde que trata de sobrevivir en la naturaleza salvaje de Alaska junto a su perro de combate, una propuesta que destaca por su sobriedad y aroma a cine clásico. La segunda propuesta es la cinta de animación de DreamWorks, La Isla Olvidada, que el equipo define de forma divertida como una curiosa mezcla entre Resacón en Las Vegas y Olvídate de Mí, ideal para disfrutar en familia pero con un humor inteligente que apela tanto a niños como a adultos. Por último, el programa destaca el estreno del largometraje español Te Estoy Amando Locamente, dirigido por Alejandro Marín. La cinta aborda los inicios del movimiento de liberación homosexual en la Sevilla de finales de los años setenta, logrando un equilibrio entre la denuncia de la represión histórica y una emotiva historia de amor y superación.

El certamen emeritense ofrece desde punk y skate bajo el puente Lusitania hasta proyecciones documentales de grupos como Oasis o Kora. En esta nueva edición del programa de esRadio, se presenta una entrevista en profundidad con Ángel Urízar, el director y principal responsable de Cinevit, el consolidado festival de cine y música que se celebra en la histórica ciudad de Mérida. Urízar comparte su entusiasmo al alcanzar el tercer año consecutivo de este certamen, que nació con un espíritu humilde y low-cost, pero que hoy en día se ha convertido en un auténtico referente cultural en Extremadura. Con una programación que incluye a 55 artistas y un total de 59 conciertos, el festival ha logrado expandir sus horizontes y su red de salas colaboradoras. Uno de los puntos fuertes de esta edición es la apuesta por la transversalidad de la cultura, conectando la música con otras disciplinas como la fotografía y las artes plásticas. Urízar destaca la espectacular exposición inaugurada a cargo del reconocido fotógrafo Juan Fajardo, famoso por retratar en la intimidad de su estudio a grandes leyendas de la música nacional e internacional, como Neil Young, Santana o Aitana. Lejos de ser meras fotografías de conciertos, la muestra ofrece una mirada única y personal que ha dejado maravillados a los primeros visitantes del festival. El cine documental de temática musical sigue siendo la columna vertebral de Cinevit. Entre las proyecciones más esperadas de este año se encuentra el documental sobre la mítica Sala Canciller de Madrid, un templo del rock de las décadas de los setenta y ochenta. Urízar aprovecha para reivindicar la importancia de las salas de conciertos de pequeño y mediano formato frente a la burbuja actual de los macrofestivales. La proyección contará con la presencia de los antiguos dueños de la sala y de Juan Luis, líder de la mítica banda de rock Asfalto. La programación del festival está diseñada para tender puentes intergeneracionales, ofreciendo actividades adaptadas a todo tipo de públicos. En la sección de cine y escuela, los adolescentes podrán disfrutar de cintas como Movida del 76, que cuenta con una banda sonora repleta de clásicos de los Rolling Stones, mientras que los más pequeños tendrán su espacio con la proyección de Canta 2. Asimismo, se proyectará un valioso trabajo sobre la historia del rock extremeño dirigido por Juanjo Pizarro y el aclamado documental sobre la banda británica Oasis. Para la jornada del sábado, el festival ha preparado una de sus actividades más dinámicas y urbanas en el skate park situado bajo el imponente puente Lusitania de Mérida. Este evento fusionará la música punk en directo con exhibiciones de monopatín y arte urbano a cargo de grafiteros locales. Toda la actividad será registrada por el realizador Kike Pastrana, quien se encargará de dar forma a un vídeo con la estética analógica de los videoclips de rock alternativo de la década de los noventa. El broche de oro de Cinevit llegará el domingo con una serie de actuaciones de primer nivel en el entorno monumental de la ciudad. El público podrá disfrutar de los directos de la banda madrileña Black Maracas, ganadores del certamen en la pasada edición, así como de los portugueses Cobra Puma. La clausura correrá a cargo de la emblemática formación extremeña Bucéfalo, pioneros del conocido como rock castúo, que fusiona el rock duro con letras que reivindican el habla tradicional de Extremadura y la poesía de Luis Chamizo. Finalmente, Ángel Urízar invita a todos los amantes de la cultura a visitar la página web oficial, cinevit.es, donde se detalla el programa completo y los horarios de cada uno de los eventos para que los asistentes puedan diseñar su propio itinerario personalizado. En esta edición también destaca la incorporación del grupo de pop gallego Kora, una muestra más del carácter abierto, integrador y en constante crecimiento de un festival que ya es una cita ineludible en el calendario cultural extremeño.

Un viaje por la nostalgia televisiva que contrasta el lujo de Las Encinas con las carencias del centro público de Springfield en esRadio. Con la llegada de septiembre y la tradicional vuelta al cole, el equipo del programa analiza los colegios e institutos más famosos de la televisión. A través de un recorrido divertido y nostálgico, repasan cinco centros educativos de la ficción que a todos nos habrían gustado —o no— visitar. El primero de la lista es el exclusivo colegio Las Encinas de la conocida serie de televisión Élite, un centro privado donde, además de cursar los estudios tradicionales, los alumnos parecen verse envueltos constantemente en investigaciones criminales y dramas personales de gran intensidad. Las Encinas destaca por unas instalaciones de ensueño que ya quisieran para sí muchos centros reales: laboratorios de ciencias, biblioteca, gimnasio, piscina, auditorio, cafetería y múltiples pistas de tenis, fútbol, baloncesto y pádel. Sin embargo, la serie también refleja el choque de clases entre los alumnos de familias multimillonarias y los estudiantes becados, quienes suelen cargar con las culpas de todo lo malo que ocurre. Aunque los exteriores se grabaron en el campus de la Universidad Europea de Madrid en Villaviciosa de Odón, la vida disoluta de los protagonistas, llena de excesos y relaciones complejas, aleja a este instituto de cualquier realidad cotidiana. La segunda parada nos lleva directos a los años noventa con Bayside High, el mítico instituto americano de la serie Salvados por la Campana. Este centro se convirtió en el ideal para toda una generación gracias a sus icónicas taquillas de pasillo y a un ambiente mucho más inocente y cómico. Personajes imborrables como Zack Morris, Kelly Kapowski, Slater o el entrañable Screech daban vida a unas aulas donde el estudio quedaba en un plano muy secundario frente a las peripecias diarias y las charlas en la cafetería, cuyo encargado resultaba ser un divertido mago. Sin movernos de California, el resumen continúa con West Beverly High, el escenario principal de la mítica producción Sensación de Vivir. Aquí el lujo y el dinero de Beverly Hills marcan el día a día de personajes tan populares como Dylan, Kelly, Steve o los hermanos Brandon y Brenda Walsh, recién llegados de Minnesota. Las tramas de esta serie se centraban especialmente en la vida social de los alumnos, sus romances y los problemas de la alta sociedad, mostrando un modelo de instituto público norteamericano pero con un nivel adquisitivo altísimo que fascinó a los espectadores de la época. El viaje por las aulas de la ficción da un giro gótico al adentrarse en la Nevermore Academy (Academia Nunca Más) de la exitosa serie de Netflix Miércoles. Este centro funciona como un internado para excluidos y seres con capacidades sobrenaturales, tales como sirenas, hombres lobo o vampiros. La protagonista, Miércoles Addams, interpretada por Jenna Ortega, se desenvuelve en un ambiente oscuro y misterioso que contrasta fuertemente con la colorida personalidad de su compañera de habitación, ofreciendo una estética visual única que ha cautivado al público actual. Finalmente, el programa analiza la cara más humilde y desastrosa de la educación pública con la escuela primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson. El colegio de Bart y Lisa es el ejemplo perfecto de centro educativo precario y mal financiado, dirigido por el siempre estresado director Skinner. Desde la comida de dudosa procedencia de la cocinera Doris hasta los castigos de Bart frente a la pizarra, este colegio caricaturiza con un humor ácido el sistema escolar. Para cerrar la sección con broche de oro, el programa da paso a la música nacional con el tema "El viaje de Chihiro" del artista gallego Iván Ferreiro, poniendo un toque melancólico a esta particular vuelta a las aulas en esRadio.

A pesar de su histórica rigidez con los proyectos paralelos en Metallica, el vocalista siempre ha mostrado inquietudes hacia el blues o el folk. En una nueva entrega de la sección musical de esRadio, el colaborador Daniel reflexiona sobre la trayectoria de los grandes líderes de bandas de rock y metal que han decidido dar el paso para lanzar carreras en solitario. Tras mencionar a figuras icónicas como Chris Cornell o Mike Patton, Daniel se centra en un artista que, a su juicio, tiene una asignatura pendiente en este aspecto: James Hetfield, el carismático vocalista y guitarrista de la mítica banda Metallica. El colaborador analiza cómo la postura de Hetfield respecto a los proyectos paralelos de sus compañeros ha sido históricamente intransigente, llegando a ser tildada de 'talibán'. Este celo excesivo por la exclusividad de su banda principal fue el detonante del famoso conflicto con el bajista Jason Newsted, a quien se le dio un ultimátum que finalmente provocó su salida del grupo. A pesar de esta rigidez, el análisis musical de Daniel demuestra que el líder de Metallica siempre ha albergado inquietudes artísticas que van más allá del thrash metal tradicional. El recorrido sonoro comienza en 1991 con el célebre álbum homónimo de la banda, conocido popularmente como el Black Album. La balada Nothing Else Matters supuso un punto de inflexión radical en su carrera, mostrando por primera vez una faceta íntima y vulnerable del cantante que descolocó a muchos de sus seguidores habituales. Además, en este mismo trabajo, temas como The God That Failed sirvieron para que Hetfield canalizara traumas muy personales, como la muerte de su madre a causa de sus creencias religiosas, lo que marcó el inicio de unas letras mucho más terapéuticas y alejadas de la temática política de los años ochenta. Daniel rompe una lanza a favor de los controvertidos discos de mediados de los noventa, Load y Reload, defendiendo que es precisamente en esta etapa experimental donde Hetfield muestra su mejor registro vocal. En canciones como Bleeding Me y, sobre todo, la abiertamente country Mama Said, el músico estadounidense se despoja de las ataduras del metal pesado para abrazar el blues y el country, géneros que domina con maestría y que interpreta con una profunda carga emocional. La influencia de estos estilos norteamericanos tradicionales no solo se limitó a lo musical, sino que también afectó notablemente a la estética de Hetfield a finales de la década, quien adoptó un aspecto de vaquero moderno y comenzó a utilizar guitarras equipadas con dispositivos mecánicos como el B-Bender. Su interés por explorar nuevos horizontes musicales también quedó patente en el disco de versiones Garage Inc., donde interpretó de forma magistral clásicos de Bob Seger y demostró su enorme admiración por compositores de la talla de Nick Cave. Para concluir, el espacio radiofónico analiza rarezas como la versión acústica de All Within My Hands y, muy especialmente, la grabación de 2003 de una versión de Waylon Jennings. En esta última pieza, Hetfield grabó todos los instrumentos por sí mismo de la mano del productor Bob Rock, evidenciando que posee la capacidad técnica y creativa de firmar un álbum completamente autónomo. El programa concluye animando al vocalista a seguir los pasos de su compañero Kirk Hammett y a liberarse de sus antiguos prejuicios para regalarnos un esperado proyecto en solitario.

De la magia de Studio Ghibli a las aulas de 'Salvados por la campana': el equipo de Felipe Couselo repasa la cultura pop en su última emisión. En esta nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, acompañado por sus colaboradores Alma Espinosa, Juanma González e Isaac, inicia la emisión con su habitual tono desenfadado. Entre bromas y comentarios sobre la marcha del programa, el equipo destaca el apoyo de sus oyentes, mencionando en particular a un fiel seguidor que ha escuchado todos los programas anteriores. Asimismo, rememoran momentos divertidos de series icónicas de la televisión, sirviendo de preludio para las diversas secciones culturales de la noche. La primera gran recomendación cultural de la noche corre a cargo de Felipe Couselo, quien presenta el libro Los Mundos de Hayao Miyazaki, escrito por Nicolas Rapold y publicado en España por la editorial Lunwerg. Esta obra analiza en profundidad la trayectoria del célebre director de animación de Studio Ghibli. El volumen destaca por su enfoque interdisciplinar, explorando cómo influyen la literatura, las costumbres y el folclore en la filmografía del creador japonés. El autor del libro detalla aspectos como la cuidada gastronomía en las películas de Miyazaki y su conexión conceptual con obras de la literatura universal como El Principito. Posteriormente, el programa se adentra en el terreno musical con un detallado monográfico sobre James Hetfield, el legendario líder de la banda de thrash metal Metallica. El colaborador Daniel analiza la faceta más oculta y personal del músico estadounidense, revelando su profunda admiración por géneros como el country y el blues. A lo largo de la sección, se debate sobre la estricta política de exclusividad que imperaba en la banda y que impidió a Hetfield emprender una carrera en solitario, un deseo que el cantante canalizó de manera sutil en algunas de las composiciones más melódicas y heterodoxas del grupo. El análisis musical repasa temas emblemáticos que marcaron un punto de inflexión en la trayectoria de la formación. Se destaca 'Nothing Else Matters', perteneciente al aclamado album de 1991, una balada íntima que supuso un cambio radical respecto a su sonido habitual. Asimismo, se profundiza en trabajos posteriores como Load y Reload, donde Hetfield dio rienda suelta a sus influencias sureñas en cortes como 'Bleeding Me', la profundamente personal 'Mama Said' —dedicada a la muerte de su madre— o 'Low Man's Lyric'. Daniel también menciona 'All Within My Hands' y la versión que Hetfield grabó en 2003 del clásico de Waylon Jennings, 'Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got Out of Hand?', donde el vocalista tocó todos los instrumentos bajo la producción de Bob Rock. Por su parte, Isaac toma las riendas para ofrecer una lección de historia de la música funk y hip-hop. El colaborador se centra en el icónico tema 'Funky Drummer' de James Brown, publicado en 1970, prestando especial atención al legendario solo de batería ejecutado por Clyde Stubblefield. Este breve patrón de batería se ha convertido en el loop más sampleado de la historia de la música moderna, sirviendo de base rítmica para innumerables canciones de rap, pop y música de baile electrónica. A pesar de la inmensa popularidad de su ritmo, el baterista nunca recibió las regalías correspondientes por su autoría. Para finalizar, los micrófonos de esRadio acogen una divertida sección dedicada a los colegios e institutos más famosos de las series de televisión. Los colaboradores analizan las diferencias entre estos centros de ficción y la realidad de las aulas españolas. Comienzan analizando Las Encinas, el exclusivo y sombrío centro de la serie Élite, caracterizado por sus intrigas, excesos y crímenes. En contraste, recuerdan con nostalgia el Bayside High School de la mítica serie juvenil Salvados por la Campana, repasando las andanzas de personajes entrañables como Zack Morris, Kelly Kapowski y A.C. Slater —el eterno 'pimpollo'— bajo la constante vigilancia del director, el señor Belding. El repaso catódico continúa con otros colegios emblemáticos como el West Beverly High de Sensación de Vivir, donde las vidas de los hermanos Brandon y Brenda Walsh se cruzaban con las de Dylan, Kelly y Steve en un ambiente de lujo californiano. También se analiza la Academia Nunca Más de la reciente producción Miércoles, un internado de estética gótica para jóvenes excluidos y seres sobrenaturales que acoge a la hija de la familia Addams. Para terminar, no podía faltar la Escuela Primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson, el humilde y descuidado colegio público donde Bart y Lisa Simpson sufren las decisiones del atribulado director Seymour Skinner.