Werben im Podcast: Der FOTOPRAXIS Podcast

Wie gelingen Foodfotos, die wirklich Appetit machen? In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit Tilo Gockel über die wichtigsten Grundlagen und Tricks der Foodfotografie.  Tilo zeigt, dass ein gutes Foodfoto lange vor dem Auslösen beginnt: mit einer starken Bildidee, einem passenden Moodboard, der richtigen Farbwelt, Requisiten und einer bewussten Bildgestaltung. Besonders wichtig ist dabei das Licht – und dafür braucht es nicht zwangsläufig ein professionelles Fotostudio. Oft liefert schon gutes Fensterlicht hervorragende Ergebnisse.  Natürlich geht es auch um die fotografische Technik: Welche Brennweiten eignen sich für Foodfotografie? Welche Rolle spielen Blende und Schärfentiefe? Wann lohnt sich ein Stativ? Und warum fotografiert Tilo viele seiner Foodfotos mit Blende 2,8?  Außerdem sprechen Christian und Tilo über Foodstyling, Smartphone-Fotografie, Bildbearbeitung, aktuelle Bildtrends und den zunehmenden Einsatz von KI in der Foodfotografie.  Das erwartet dich in dieser Folge:  📸 Wie du bessere Foodfotos fotografierst  💡 Von der Bildidee zum fertigen Foodfoto  🎨 Moodboards, Farben und Requisiten richtig einsetzen  ☀️ Warum Fensterlicht oft das beste Licht für Foodfotografie ist  🍽️ Perspektive, Bildaufbau und Foodstyling  🔍 Brennweite, Blende und Schärfentiefe richtig wählen  📱 Gute Foodfotos mit dem Smartphone  🥗 Praktische Tricks für frisch und appetitlich wirkendes Essen  🖥️ RAW-Entwicklung, Photoshop und Bildbearbeitung  🤖 KI-generierte Foodbilder: Möglichkeiten und Grenzen  📖 Einblicke in Tilo Gockels Buch „Shoot Your Food“  Eine Folge für alle, die Foodfotografie lernen, ihre Foodfotos verbessern oder Essen für Instagram, Foodblogs, Kochbücher oder einfach aus Spaß an der Fotografie wirkungsvoller in Szene setzen möchten.  #Foodfotografie #FoodPhotography #Fotopraxis #FotopraxisPodcast #TiloGockel #FotografieTipps #FotografierenLernen #FoodStyling #Bildgestaltung #Fotografie #Foodblogger #SmartphoneFotografie #Fototipps #Bildbearbeitung #ShootYourFood

Aktfotografie lernen: NACKT ist nicht gleich AKT! In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts geht es darum, was gute Aktfotografie wirklich ausmacht – von Bildidee und Posing über Kommunikation mit Models bis hin zur Entwicklung eines eigenen fotografischen Stils. Zu Gast ist Judith Geiser, die seit vielen Jahren in der Aktfotografie arbeitet. Sie erklärt, warum ein nackter Körper allein noch lange kein gutes Aktfoto macht und wie ästhetische, respektvolle und ausdrucksstarke Bilder entstehen. Wir sprechen darüber, wie wichtig Vertrauen zwischen Fotograf und Model ist, wie man ein Shooting vorbereitet und wie man klare Anweisungen gibt, ohne jemanden in unnatürliche Posen zu zwingen. Gerade für Einsteiger ist das entscheidend: Wie schafft man eine entspannte Atmosphäre und wie geht man mit Unsicherheit beim ersten Shooting um? Ein weiterer Schwerpunkt ist das Posing in der Aktfotografie. Welche Pose passt zu welchem Menschen? Wie spielen Alter, Körperform und Ausdruck zusammen? Judith zeigt, dass es nicht die eine perfekte Pose gibt – entscheidend ist, dass die Bildidee zur Person passt. Außerdem geht es um Bildgestaltung, Licht, Formen und Linien und um die Frage, was ein gutes Aktfoto von einem einfachen Nacktfoto unterscheidet. Wir sprechen auch über Inspiration und den eigenen Bildstil: Darf man Bilder anderer Fotografen nachstellen, um zu lernen? Wie entwickelt man eine eigene Bildsprache? Judith berichtet von ihren eigenen Anfängen, Workshops und dem langen Weg zum persönlichen Stil. Natürlich geht es auch um die Praxis: Wie findet man Models? Welche Rolle spielen Model-Kartei, fotocommunity, Instagram oder persönliche Empfehlungen? Zum Schluss sprechen wir über Social Media und Bildauswahl. Muss jedes gute Bild sofort veröffentlicht werden? Judiths Tipp: Fotos mit Abstand betrachten, kritisch auswählen und nicht jeden Treffer sofort posten. Diese Folge ist ideal für alle, die Aktfotografie lernen, sicherer im Posing und im Umgang mit Models werden oder ihren eigenen Bildstil entwickeln möchten. Themen dieser Podcast-Folge: Aktfotografie lernen · Aktfotografie Tipps · Posing · Models fotografieren · Kommunikation mit Models · Bildgestaltung · Lichtsetzung · ästhetische Aktfotografie · Bildideen · eigener Bildstil · Fotografie Workshops · Social Media · kreative Fotografie

Podcast-Folge: Unterwasserfotografie – Ausrüstung, Bildgestaltung und Sicherheit unter der Oberfläche In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit seinem Gast Tobi Ruanda über Unterwasserfotografie – ein faszinierendes fotografisches Gebiet, bei dem vieles, was wir von der Fotografie an Land kennen, plötzlich unter völlig neuen Bedingungen funktioniert. Denn einfach die Kamera in ein wasserdichtes Gehäuse zu stecken, abzutauchen und loszufotografieren, reicht nicht aus. Unter Wasser verändern sich Licht, Farben, Perspektiven und Abstände. Auch die Bedienung der Kamera wird schwieriger, während gleichzeitig Sicherheit, Tauchpraxis und der respektvolle Umgang mit der Unterwasserwelt eine entscheidende Rolle spielen. Im Gespräch geht es zunächst um die passende Ausrüstung: Warum braucht eine Kamera ein spezielles Unterwassergehäuse? Welche Objektive eignen sich besonders gut? Muss eine brauchbare Unterwasserausrüstung tatsächlich mehrere Tausend Euro kosten – oder gibt es auch günstigere Einstiegsmöglichkeiten? Christian und Tobi sprechen außerdem darüber, warum Smartphones und Actioncams inzwischen einen interessanten Zugang zur Unterwasserfotografie bieten können. Gleichzeitig wird deutlich, weshalb Weitwinkelobjektive unter Wasser besonders sinnvoll sind und warum Nähe zum Motiv noch wichtiger ist als an Land. Ein weiterer Schwerpunkt sind Licht und Farben. Tobi erklärt, warum Farben mit zunehmender Tiefe verschwinden, wie man sie zurückholen kann und welche Rolle Blitz, künstliches Licht oder spätere Bildbearbeitung dabei spielen. Dabei wird klar: Unterwasserfotografie verlangt ein gutes Verständnis für Licht – aber auch die Bereitschaft, sich auf die besonderen Bedingungen unter der Wasseroberfläche einzulassen. Auch die Bildgestaltung kommt ausführlich zur Sprache. Es geht um Perspektive, Bildaufbau, Nähe, Hintergrund und den richtigen Umgang mit Tieren. Schon eine einfache Regel kann Unterwasserbilder deutlich verbessern: nicht von oben auf das Motiv fotografieren, sondern möglichst auf Augenhöhe – oder sogar leicht darunter. Ein besonders wichtiger Punkt ist die Sicherheit. Wer beim Tauchen noch mit den grundlegenden Abläufen beschäftigt ist, sollte nicht gleichzeitig versuchen, eine Kamera zu bedienen. Erst wenn das Tauchen selbst sicher und routiniert funktioniert, sollte die Fotografie dazukommen. Freu dich auf ein praxisnahes Gespräch über Kameras, Unterwassergehäuse, Objektive, Licht, Farben, Bildgestaltung, Smartphones, Actioncams, Tauchsicherheit und die besondere Magie der Unterwasserfotografie.

Podcast-Folge: Hundefotografie – Ausdruck, Technik und respektvoller Umgang mit dem Tier In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit seinem Gast Regine Heuser über Hundefotografie – und darüber, wie ausdrucksstarke Bilder entstehen, bei denen nicht nur die Technik stimmt, sondern sich auch der Hund wohlfühlt. Regine Heuser ist professionelle Hundefotografin und erklärt im Gespräch, warum sich ein gutes Hundefoto nicht erzwingen lässt. Im Mittelpunkt stehen deshalb nicht nur Kamera, Objektiv, Autofokus und Belichtung, sondern vor allem Geduld, Beobachtung und ein respektvoller Umgang mit dem Tier. Im Gespräch geht es um die Frage, woran man ein gelungenes Hundefoto erkennt. Regine zeigt, warum Ausdruck, Blick und Körpersprache oft wichtiger sind als eine perfekte Pose – und weshalb ein entspannter Hund fast immer zu natürlicheren und authentischeren Bildern führt. Auch der Umgang mit ängstlichen, unsicheren oder zurückhaltenden Hunden spielt dabei eine wichtige Rolle. Christian und Regine sprechen außerdem über Licht, Location und Bildgestaltung. Dabei wird klar: Eine spektakuläre Umgebung ist weniger entscheidend als gutes Licht, ein ruhiger Hintergrund und ein Bildaufbau, der den Hund wirklich zur Geltung bringt. Regine erklärt, warum sie draußen ohne Blitz und Reflektor arbeitet, welche Fehler bei Hintergründen häufig passieren und wie sich auch mit vorhandener Kameraausrüstung ein schönes Bokeh erzielen lässt. Auch die Ausrüstung kommt ausführlich zur Sprache: Welches Objektiv eignet sich für den Einstieg in die Hundefotografie? Warum ist ein 70–200 mm f/2,8 in vielen Situationen besonders flexibel? Welche Rolle spielen Brennweite, Abstand, Blende und Schärfentiefe? Und warum bedeuten hohe ISO-Werte nicht automatisch starkes Bildrauschen? Ein besonderer Schwerpunkt ist die Actionfotografie mit laufenden Hunden. Regine erläutert, weshalb der Tieraugen-Autofokus allein noch keine scharfen Actionfotos garantiert und warum man das gesamte Autofokussystem der Kamera verstehen sollte. Verschlusszeit, Blende, Brennweite, Abstand zum Hund, Serienbildgeschwindigkeit und Timing müssen bewusst zusammenspielen, damit Bewegung technisch sicher und zugleich lebendig eingefangen wird. Auch die Bildbearbeitung wird thematisiert: Wie viel Retusche braucht ein natürliches Hundefoto wirklich? Wo hilft die Bearbeitung, ein Bild zu verfeinern – und wann wirkt sie schnell übertrieben? Dabei bleibt der Anspruch klar: Der Hund soll authentisch, lebendig und natürlich wirken. Freu dich auf ein praxisnahes Gespräch über Hundefotografie, Körpersprache, Licht, Bildgestaltung, Autofokus, Actionfotos, Ausrüstung und die Frage, wie man Hunde natürlicher, ausdrucksstärker und technisch sicherer fotografiert. ▬► Link zum Buch: Hunde fotografieren

Podcast-Folge: KI und Fotografie – echte Bilder, neue Werkzeuge und die Zukunft des Fotografierens In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit seinem Gast Julian A. Kramer über eines der aktuell spannendsten und kontroversesten Themen der Fotografie: künstliche Intelligenz. KI-generierte Bilder werden immer realistischer, Kameras erkennen Motive automatisch und Programme wie Lightroom und Photoshop übernehmen Aufgaben, für die Fotografen früher viel Zeit, Erfahrung und Geduld benötigt haben. Doch was bedeutet das für die Fotografie – und brauchen wir in Zukunft überhaupt noch Fotografen? Julian A. Kramer ist Fotograf, Fotokünstler und arbeitet als Evangelist bei Adobe an der Schnittstelle zwischen Kreativität und Technologie. Im Gespräch erklärt er, warum man zunächst unterscheiden sollte zwischen generativer KI, die neue Bilder erzeugt, und KI als Werkzeug, das Fotografen bei ihrer Arbeit unterstützt. Denn künstliche Intelligenz ist längst Teil des fotografischen Alltags: Sie steckt in Autofokus, Motiverkennung, Maskierungen, Entrauschung, Retusche und vielen weiteren Funktionen, die Bildbearbeitung schneller und zugänglicher machen. Dabei wird deutlich: KI ersetzt nicht automatisch die fotografische Idee, sondern kann helfen, technische Hürden abzubauen und mehr Raum für Kreativität zu schaffen. Christian und Julian sprechen außerdem über den Wert von Fotografien in einer Zeit, in der perfekte Bilder jederzeit künstlich erzeugt werden können. Welche Bereiche der professionellen Fotografie werden sich verändern? Welche Aufgaben könnten verschwinden? Und warum könnte gerade die KI dazu führen, dass ein nachweislich echtes Foto in Zukunft wieder an Bedeutung gewinnt? Ein weiterer Schwerpunkt sind Authentizität, Fotokunst und Content Credentials. Julian erklärt, wie sich echte Fotografien künftig besser nachvollziehbar machen lassen, warum Herkunft und Bearbeitung eines Bildes wichtiger werden könnten und weshalb er in seiner eigenen Fotokunst heute teilweise weniger retuschiert als früher. Auch die Rolle des Fotografen verändert sich: Wenn Technik immer leichter zugänglich wird und perfekte Ergebnisse scheinbar auf Knopfdruck entstehen, rücken Bildidee, Haltung, Auswahl, Kontext und persönlicher Blick stärker in den Vordergrund. Ausgerechnet KI könnte damit die bewusste, von einem Menschen gemachte Fotografie wieder wertvoller machen. Freu dich auf ein spannendes Gespräch über KI, Kreativität, Bildbearbeitung, Fotokunst, Authentizität und die Frage, was ein echtes Foto in Zukunft eigentlich ausmacht.

Was macht eigentlich ein gutes Streetfoto aus – und kann man lernen, die entscheidenden Momente zu sehen? Darüber spreche ich in dieser Folge des Fotopraxis-Podcasts mit Jochen Müller, Streetfotograf und Autor des Buches Streetfotografie – Die Kunst, einzigartige Augenblicke einzufangen. Jochen erzählt, wie er eher zufällig zur Streetfotografie gekommen ist und warum ihn dieses Genre bis heute fasziniert. Wir sprechen darüber, wie man spannende Motive entdeckt, warum Licht, Formen und geometrische Strukturen beim Einstieg helfen können und wie sich der fotografische Blick mit der Zeit verändert. Natürlich geht es auch um eine der größten Hürden der Streetfotografie: Wie fotografiert man fremde Menschen, ohne sich dabei unwohl zu fühlen? Außerdem sprechen wir darüber, wie viel Planung in einem Genre steckt, das eigentlich vom Zufall lebt, warum ein oder zwei wirklich gute Bilder nach einem ganzen Nachmittag bereits ein Erfolg sein können und weshalb Jochen Einsteigern zu einer möglichst einfachen Kameraausrüstung und zunächst nur einer Brennweite rät. Auch Smartphone-Fotografie, Schwarzweiß, hohe ISO-Werte und KI kommen zur Sprache. Gerade in Zeiten künstlich erzeugter Bilder sieht Jochen eine besondere Stärke der Streetfotografie: Sie hält echte Situationen und einzigartige Augenblicke fest, die tatsächlich stattgefunden haben. Ein Gespräch über Streetfotografie – und über Beobachtung, Geduld, Gestaltung und die Freude daran, mit offenen Augen und einer Kamera durch die Welt zu gehen.

Podcast-Folge: Sport- und Actionfotografie – schnelle Bewegungen, starke Momente und echte Emotionen In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit seinem Gast Toby über Sport- und Actionfotografie – und darüber, wie man schnelle Bewegungen sicher, kreativ und ausdrucksstark fotografiert. Dabei geht es nicht nur um Bundesliga, Profisport oder spektakuläre Großevents, sondern vor allem um die Praxis: den Fußballverein vor Ort, die Handballhalle, Radsport, Motorsport oder die eigenen Kinder beim Sport. Toby zeigt, dass gute Actionfotos nicht zwingend teure Profi-Kameras und riesige Teleobjektive erfordern, sondern vor allem Verständnis für Bewegung, Licht, Timing und die richtigen Einstellungen. Im Gespräch geht es um die technischen Grundlagen ebenso wie um die kreative Seite der Sportfotografie: Welche Verschlusszeiten eignen sich für schnelle Action? Wann friert man Bewegung ein – und wann lohnt es sich, sie bewusst sichtbar zu machen? Welche Rolle spielen Autofokus, Serienbildfunktion, ISO-Werte und Bildrauschen? Und warum sollte man vor hohen ISO-Zahlen keine Angst haben, wenn das Licht schwierig wird? Christian und Toby sprechen außerdem darüber, welche Ausrüstung wirklich wichtig ist, wie man auch mit Amateurkameras gute Sportfotos machen kann und worauf es beim Fotografieren in Hallen, auf Sportplätzen oder an Rennstrecken ankommt. Dabei wird klar: Entscheidend ist nicht nur die Kamera, sondern auch Übung, Vorbereitung und das Gefühl für den richtigen Moment. Ein weiterer Schwerpunkt ist die Bildgestaltung. Toby erklärt, warum Sportfotografie weit mehr ist als schnelle Serienbilder, wie man spannende Perspektiven findet und weshalb Emotionen oft stärker wirken als die reine Action. Jubel, Konzentration, Enttäuschung, Anspannung und Erleichterung erzählen manchmal mehr über einen Wettkampf als der eigentliche Spielzug. Auch kreative Techniken wie Mitzieher und bewusst eingesetzte Bewegungsunschärfe kommen zur Sprache. Sie zeigen, wie sich Dynamik, Tempo und Atmosphäre sichtbar machen lassen – und warum es sich lohnt, beim Fotografieren schneller Bewegungen nicht nur technisch korrekt, sondern auch gestalterisch mutig zu arbeiten. Freu dich auf ein praxisnahes Gespräch über Verschlusszeiten, Autofokus, ISO, Bildgestaltung, Ausrüstung, Übungsmöglichkeiten und die besondere Faszination der Sport- und Actionfotografie.

Podcast-Folge: Objektive heute – Technik, Kompromisse und die Freude am Fotografieren In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit seinem Gast Harald Bauer von Sigma Deutschland über eine Frage, die sich viele Fotografinnen und Fotografen heute stellen: Lohnt es sich überhaupt noch, in gute Objektive zu investieren? Smartphones werden immer leistungsfähiger, KI verändert die Bildbearbeitung und viele Fotos werden vor allem auf Social Media betrachtet. Trotzdem spielt die Qualität des Objektivs weiterhin eine zentrale Rolle – nicht nur für Schärfe, Lichtstärke und Bildwirkung, sondern auch für den Spaß am Fotografieren. Harald Bauer begleitet die Entwicklung der Fotografie seit über 30 Jahren und gibt im Gespräch spannende Einblicke in die moderne Objektiventwicklung. Er erklärt, warum Objektive heute anders konstruiert werden als noch vor einigen Jahren, welche Rolle digitale Kameras und Softwarekorrekturen spielen und weshalb jede Konstruktion immer auch aus bewussten Kompromissen besteht. Im Gespräch geht es um Festbrennweiten und Zoomobjektive, um Lichtstärke, Schärfe, Größe, Gewicht, Preis und Praxistauglichkeit. Christian und Harald sprechen darüber, wann sich eine Festbrennweite lohnt, warum moderne Zooms heute beeindruckend leistungsfähig sein können und weshalb technische Daten allein noch nicht entscheiden, ob ein Objektiv wirklich zum eigenen Fotografieren passt. Auch der sinnvolle Umgang mit günstiger Ausrüstung kommt zur Sprache: Wie holt man aus einem einfacheren Objektiv das Maximum heraus? Welche Fehler lassen sich durch gute Technik, sauberes Arbeiten und das richtige Verständnis für die eigenen Werkzeuge vermeiden? Und welche Objektivdaten sind in der Praxis wirklich wichtig – während andere vielleicht überschätzt werden? Ein weiterer Schwerpunkt ist der Blick auf Smartphones, KI und die Zukunft der Fotografie. Dabei wird deutlich: Technische Entwicklungen verändern zwar, wie wir fotografieren und Bilder bearbeiten, ersetzen aber nicht den bewussten Blick, die kreative Entscheidung und die Freude daran, mit einer Kamera und einem passenden Objektiv zu arbeiten. Freu dich auf ein praxisnahes Gespräch über Objektive, Bildqualität, technische Kompromisse, moderne Fotografie und die Frage, warum gute Ausrüstung auch im Zeitalter von Smartphone, Social Media und KI noch immer eine wichtige Rolle spielen kann. Link zum Buch "Die große Objektivschule" von Dr. Artur Landt: Die große Objektivschule

Podcast-Folge: Industrie- und Corporate-Fotografie – Menschen, Technik und starke Bilder vor Ort In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit seinem Gast Christian Ahrens über Industrie- und Corporate-Fotografie – ein fotografisches Feld, das weit mehr zu bieten hat als große Hallen, Maschinen und technische Abläufe. Christian Ahrens fotografiert seit vielen Jahren für Unternehmen, Kliniken, Forschungseinrichtungen und Industriebetriebe. Im Mittelpunkt seiner Arbeit stehen dabei nicht nur Anlagen, Werkzeuge oder Produktionsprozesse, sondern vor allem die Menschen, die dort arbeiten. Er erklärt, warum authentische Mitarbeiter oft spannender und glaubwürdiger sind als gebuchte Models – und weshalb echte Arbeit, echte Orte und echte Persönlichkeiten für starke Unternehmensbilder so wichtig sind. Im Gespräch geht es um die Frage, wie man in schwierigen Umgebungen gute Motive findet: in dunklen Werkshallen, engen Räumen, bei wenig Licht, mit Staub, Lärm, Neonbeleuchtung oder scheinbar unspektakulären Arbeitsabläufen. Christian zeigt, wie er sich vor Ort einem Motiv nähert, Perspektiven ausprobiert, mit Brennweiten arbeitet, Bildideen entwickelt und das Licht gezielt einsetzt. Auch die Technik kommt nicht zu kurz: Welche Ausrüstung braucht man wirklich? Reichen eine Kamera, ein Zoomobjektiv und zwei kleine Blitze? Welche Rolle spielen Streiflicht, Gegenlicht, Aufhellung und vorhandenes Licht? Und warum ist es oft wichtiger, das vorhandene Equipment intelligent einzusetzen, als möglichst viel Technik mitzunehmen? Ein weiterer Schwerpunkt ist die Arbeit mit Menschen vor der Kamera. Christian erklärt, wie er Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter in echte Arbeitsprozesse einbindet, wie aus anfänglicher Unsicherheit Motivation entsteht und warum es oft hilft, den Fotografierten erste Bilder zu zeigen. Dabei wird deutlich: Gute Industrie- und Corporate-Fotografie entsteht nicht durch gestellte Hochglanzposen, sondern durch Vertrauen, Kommunikation und ein Gespür für den richtigen Moment. Christian und Christian sprechen außerdem über Bildbearbeitung, KI-Werkzeuge, Sensorformate, APS-C versus Vollformat, Auflösung, Bildrauschen und den sinnvollen Einsatz von Photoshop, Capture One und modernen Maskierungsfunktionen. Dabei zeigt sich: Der entscheidende Teil der Arbeit passiert für Christian Ahrens nicht am Computer, sondern vor Ort – bei Motivsuche, Lichtsetzung und Bildgestaltung. Neben vielen praktischen Tipps erzählt Christian Ahrens auch von seinem Weg in die professionelle Fotografie, von ungewöhnlichen Jobs auf Windkraftanlagen, in Kraftwerken, Wasserwerken oder bei nächtlichen Abbrucharbeiten – und davon, warum ihn bis heute interessiert, was hinter Werkstoren, in Betrieben und an besonderen Arbeitsplätzen passiert. Freu dich auf ein praxisnahes Gespräch über starke Bilder on Location, authentische Menschen, Licht in schwierigen Räumen, kreative Entscheidungen und die besondere Faszination der Industrie- und Corporate-Fotografie. Link zum Buch "Corporate- und Industriefotografie" von Christian Ahrens: Corporate- und Industriefotografie

Podcast-Folge: Langzeitbelichtung – Ruhe, Bewegung und Zeit im Bild In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit seinem Gast Ronny Behnert, einem ausgewiesenen Experten für Langzeitbelichtung, über eines der faszinierendsten Themen der Fotografie. Ronny erzählt, wie er über Zeichnung, analoge Fotografie, Architektur und seine Zeit an der Küste zur Langzeitbelichtung gefunden hat – und warum ihn besonders die Verbindung aus Bewegung, Ruhe, Wasser, Wolken und minimalistischer Bildgestaltung bis heute begeistert. Im Gespräch geht es um die technischen Grundlagen ebenso wie um die kreative Seite der Langzeitfotografie: Welches Stativ braucht man wirklich? Welche Rolle spielen Vollformat, APS-C oder kleinere Sensoren? Welche Brennweiten eignen sich für Langzeitbelichtungen – und warum können längere Brennweiten schnell zur Herausforderung werden? Christian und Ronny sprechen außerdem über ND-Filter, Polfilter, Belichtungszeiten, Fernauslöser, Verwacklungen, Wind, Wasser, ziehende Wolken und die Frage, wie man vor Ort die richtige Zeit für ein Bild findet. Dabei wird klar: Langzeitbelichtung ist nicht nur Technik, sondern vor allem Erfahrung, Geduld und ein Gespür für Motiv, Licht und Bewegung. Ein weiterer Schwerpunkt ist die Bildgestaltung. Ronny erklärt, warum er oft sehr minimalistisch arbeitet, weshalb Vordergründe in seinen Bildern nur selten eine Rolle spielen und wie er mit Komposition, Helligkeit, Verläufen und Bildbearbeitung Tiefe und Ruhe erzeugt. Auch Lightroom, Photoshop und KI-Werkzeuge kommen zur Sprache – nicht als Ersatz für Fotografie, sondern als Hilfsmittel, um störende Elemente zu entfernen, Motive stärker herauszuarbeiten und die Bildwirkung zu verfeinern. Freu dich auf ein praxisnahes Gespräch über Stative, Filter, Bildaufbau, kreative Entscheidungen und die besondere Magie der Langzeitbelichtung. Link zum Buch "Langzeitbelichtung" von Ronny Behnert: Langzeitbelichtung

Podcast-Folge: Sind Fremdobjektive wirklich die bessere Wahl? In dieser Folge des FOTOPRAXIS Podcasts sprechen Christian Haasz und Toby Horn über ein Thema, das Fotografen seit Jahren beschäftigt: Sind Fremdobjektive von Sigma, Tamron, Samyang, Viltrox & Co. heute eine echte Alternative zu den Originalobjektiven der Kamerahersteller? Anhand eigener Erfahrungen aus der Praxis diskutieren die beiden die Stärken und Schwächen moderner Drittanbieter-Objektive. Toby berichtet von seinen Erfahrungen mit Sony Vollformat- und APS-C-Kameras sowie mit unterschiedlichsten Objektiven – von günstigen manuellen Festbrennweiten bis hin zu leistungsstarken Autofokus-Modellen. Dabei geht es unter anderem um Bildqualität, optische Fehler, Autofokus-Leistung, Serienstreuung bei günstigen Objektiven und die Frage, ob die teuren Originalobjektive ihren Aufpreis tatsächlich wert sind. Außerdem sprechen Christian und Toby über den Gebrauchtmarkt, Vintage-Objektive, adaptiertes Altglas und warum ältere Objektive an modernen Kameras oft besser funktionieren als viele Fotografen vermuten. Christian gibt zudem spannende Einblicke in seine Arbeit mit adaptierten Objektiven an der Fujifilm GFX und erklärt, weshalb manche Klassiker selbst an 100-Megapixel-Kameras erstaunlich gute Ergebnisse liefern. Freu dich auf einen praxisnahen Austausch über Technik, Preis-Leistung und die Frage, wie viel Objektiv man wirklich braucht – für bessere Fotos und mehr Freude am Fotografieren. Perfekt für alle, die vor dem nächsten Objektivkauf stehen oder das Maximum aus ihrem vorhandenen Equipment herausholen möchten.

Podcast-Folge: Warum wirken Landschaftsfotos oft flach – und wie macht man es besser? In dieser spannenden Folge des FOTOPRAXIS Podcasts spricht Christian Haasz mit Landschaftsfotograf Toby Horn über eine der größten Herausforderungen in der Fotografie: Warum sehen beeindruckende Landschaften auf Fotos oft unspektakulär aus? Gemeinsam gehen sie der Frage auf den Grund, worauf es wirklich ankommt – von Bildaufbau über Licht und Perspektive bis hin zur richtigen Brennweite. Toby teilt praxisnahe Tipps, wie du mit Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund mehr Tiefe erzeugst und warum Geduld und bewusste Gestaltung entscheidend sind. Außerdem erfährst du, welches Zubehör wirklich sinnvoll ist, wann sich der Einsatz von ND- und Polfiltern lohnt und warum auch Teleobjektive in der Landschaftsfotografie überraschend starke Ergebnisse liefern können. Freu dich auf fundiertes Wissen, anschauliche Beispiele und viele Aha-Momente, die dir helfen, deine Landschaftsfotografie auf das nächste Level zu bringen. Perfekt für Einsteiger, Hobbyfotografen und alle, die Landschaften nicht nur festhalten, sondern gezielt gestalten möchten!

Podcast-Folge: Wie wichtig ist das Equipment für gute Fotos? In dieser spannenden Folge sprechen Christian Haasz von FOTOPRAXIS.TV und sein Co-Youtuber Toby Horn über eine der meistdiskutierten Fragen in der Fotografie: Braucht man wirklich teures Equipment, um großartige Bilder zu machen? Gemeinsam nehmen sie den Mythos unter die Lupe, dass bessere Kameras automatisch bessere Fotos bedeuten. Sie teilen persönliche Erfahrungen, vergleichen Einsteiger- und Profi-Equipment und zeigen, worauf es wirklich ankommt – von Technik über Kreativität bis hin zum richtigen Blick für das Motiv. Freut euch auf ehrliche Meinungen, praxisnahe Tipps und die ein oder andere überraschende Erkenntnis, die eure Sicht auf Fotografie vielleicht verändern wird. Perfekt für Einsteiger, Hobbyfotografen und alle, die mehr aus ihrer Kamera herausholen wollen – egal, welches Equipment sie nutzen!