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Radio Jazznoend te invita en su nuevo programa a recorrer la bohemia del jazz europeo de la segunda mitad del siglo XX. Un viaje por aquellos clubes, cafés y pequeños escenarios donde se reunían intelectuales, escritores, filósofos, artistas, músicos y toda una variada fauna de aves nocturnas atraídas por una cultura y una forma de vida que rehuía las convenciones y los valores tradicionales, y que encontró en la libertad y la marginalidad del jazz el complemento perfecto a sus propios ideales y aspiraciones. Por aquellos legendarios escenarios desfiló buena parte del exilio jazzístico norteamericano en Europa. Músicos expatriados, algunos olvidados en su propia tierra, que encontraron aquí, el reconocimiento y el respeto que en ocasiones les habían sido negados al otro lado del Atlántico. De aquella convivencia surgirían también varias generaciones de grandes músicos europeos, que acabarían codeándose de igual a igual con sus colegas norteamericanos. Sumérgete con nosotros en el embriagador ambiente de aquellas noches de bohemia. En sus clubes, sus cafés y sus sótanos. En aquellas veladas cuyos ecos, muchos años después, todavía parecen resonar por las callejuelas de las ciudades de la vieja Europa.

Radio Jazznoend se aproxima en este nuevo programa, a la figura legendaria de la cantora brasileña Elis Regina que, en sus apenas 36 años de vida, se erigió como la gran diva de la música de aquel país. Una voz visceral y una personalidad de tal intensidad y vigor que pudo conectar con el espíritu mismo del pueblo brasileño, consagrándose como un icono inmortal de su arte y su cultura Apasionada, arrebatadora, temperamental, adjetivos que definen a Elis como persona y como artista. A través de algunas de las grabaciones de la edad dorada de su carrera, desde los inicios de la década de los setenta del pasado siglo, nos emocionaremos evocando los aspectos más íntimos y líricos de su universo musical En el año 1982, Elis Regina fallecía, víctima de una letal combinación de alcohol y cocaina. Había muerto la cantora, había nacido una leyenda.

El mundo del jazz nos ha ofrecido su propia visión del verano. No ya concebido como ese alegre periodo vacacional del que disfrutamos cada año, sino como un territorio añorado de sueños perdidos. Algunos de los grandes trovadores del jazz como Chet Baker o Bill Evans han volcado su lirismo en emocionantes versiones de melodías evocadoras de esas experiencias del pasado. Otros grandes maestros del jazz, como Miles Davis o Pat Metheny siempre tan presentes en Radio Jazznoend, serán también protagonistas de esta velada en la que el recuerdo del verano se transforma en nostalgia y añoranzas.

El pasado 25 de mayo de este año de 2026, con 95 años de edad nos dejaba el saxofonista Sonny Rollins. Su increíble longevidad nos hizo creer que nunca se iría, que permanecería por siempre entre nosotros como testigo de excepción y protagonista estelar de lo que fue la gran era del jazz. Hoy rendimos en Radio Jazznoend un humilde pero sentido homenaje al que fue llamado con justicia el coloso del saxofón. Nuestro programa recorrerá las anécdotas de su carrera, sus conflictos vitales y sobre todo, su música. La música con la que se erigió como una leyenda de la historia del jazz, con la que exhibió una autoridad inapelable, un sonido contundente y rocoso, un virtuosismo al límite y un estilo original e irrepetible, aderezado con una imaginación improvisativa inagotable y un sentido del humor irónico y burlón. Y más allá de todo ello, hablaremos también de sus inseguridades, de sus exilios creativos, de su denodado esfuerzo para encontrar su propio camino entre las inspiraciones místicas de John Coltrane y las vanguardias libertarias de los sesenta. Un tormentoso proceso del que finalmente se alzó triunfante, porque conforme aquel jazz iconoclasta se consumía en su propio fuego hasta extinguirse, Rollins, siempre con un pie firmemente anclado en el jazz tradicional, consiguió sobrevivir a los temporales que barrieron aquella vanguardia, hasta ser reconocido como una figura totémica de la historia del jazz cuyo legado subsistirá para siempre.

En este nuevo programa de Radio Jazznoend dos grandes genios de la música del siglo XX, se reúnen en nuestros estudios. Dos eminencias grises e incomprendidas en su tiempo, unidas tanto por su amistad y su talento excepcional como por su carácter humilde, ajeno a la ambición del éxito y el reconocimiento. Allan Holdsworth fue un guitarrista de técnica estratosférica que ofreció al mundo una irrepetible concepción musical tan compleja y adelantada a su tiempo que todavía hoy continua asombrando a músicos y oyentes. Algún crítico dijo de él que su música no era de este mundo y otros afirmaron que era el hombre que había cambiado la guitarra para siempre. Gordon Beck es un maestro del piano del jazz moderno cuya fuente de inspiración se encuentra en la figura seminal de Bill Evans. Su pianística, por técnica, sensibilidad y capacidad creativa, se sitúa a la par de la de algunos de los más grandes del piano de su generación, aunque su carrera se desarrollo lejos de los focos del éxito y la fama y su legado discográfico parece hoy condenado a perecer en las sombras del olvido. Estos dos grandes músicos británicos, lejanos en sus concepciones musicales, desdeñando cualquier afán de protagonismo o notoriedad, protagonizaron a lo largo de varias décadas, desde principios de los setenta del pasado siglo, una serie de fértiles encuentros discográficos que se encuentran entre las páginas más brillantes y singulares del jazz contemporáneo. Obras de una excepcional riqueza musical que nace, no solo de la grandeza individual de ambos artistas como intérpretes y compositores, sino también de la inédita inspiración que surgió de la conjunción de sus dispares pero complementarios estilos y universos artísticos y vitales. Radio Jazznoend, perseverando en su objetivo fundacional de reivindicar la obra de los malditos, de los olvidados del jazz, rescata para vosotros algunos de los más brillantes y emocionantes momentos de esos irrepetibles encuentros que, por su extraordinaria belleza, fueron sin duda, escritos para la eternidad.

Una de esas fascinantes historias que construyeron la leyenda de la gran era jazzística ocurrió en Europa en la localidad de Villingen, en el corazón de la Selva Negra alemana. En el mes de marzo de 1963, el pianista Oscar Peterson aceptó la invitación del industrial alemán Hans Georg Brunner-Schwer para ofrecer un concierto privado en su villa, solo para su familia y amigos. El anfitrión no solo era un importante empresario sino un apasionado del jazz y del piano, además de ingeniero de sonido aficionado. Así que, tras preparar una recepción principesca para Peterson y sus músicos, dispuso lo necesario para registrar en cinta aquel acontecimiento excepcional. Aquellos registros descubrieron para el propio Peterson y más tarde para el mundo entero, una nueva faceta en su estilo caracterizado hasta entonces por un exhibicionismo técnico desbordante y en ocasiones asfixiante. Una serenidad, una contención inédita en su pianística se descubre en estos registros familiares. Un aspecto emocional y lírico desconocido hasta entonces en su grabaciones y apariciones públicas. Fue tal la impresión que causó en Peterson y en su anfitrión aquel descubrimiento, que aquella noche de 1963 no vio solo el nacimiento de una gran amistad entre ambos, sino el comienzo de un proceso que llevaría a Peterson a aquella villa durante los cinco años siguientes para repetir aquel ritual, siempre acompañado de su trío en el que se encontraban algunos de los más grandes de la rítmica mainstream de la época, como Ray Brown, Sam Jones Ed Thigpen, Louis Hayes o Bobby Durham. Cuando en 1968 el empresario fundó su propia discográfica MPS, su primer disco Action, recogía aquellas grabaciones de 1963. Sucesivas ediciones mostraron al mundo la música registrada en aquellas visitas anuales que se publicaron en una serie de discos, bautizada como “Exclusively for my Friends”. El nuevo programa de Radio Jazznoend, os ofrece el relato detallado de esa apasionante historia y algunas de las mejores interpretaciones ofrecidas por Peterson en aquel irrepetible ambiente de intimidad y amistad.

La música de Brasil es una de las pasiones de las que nace el proyecto Radio Jazznoend y por ello sus ritmos y melodías han iluminado innumerables veladas en nuestros estudios. Esta noche regresamos a las playas de Brasil para disfrutar de la belleza de la guitarra en las manos de algunos de los mas grandes artistas de aquel país, donde este instrumento es desde hace décadas, protagonista indiscutible en todas las manifestaciones de su folclore y casi una forma de vivir en la existencia de muchos brasileños. El instrumento más democrático porque puede entrar en las grandes salas de conciertos, pero también en cualquier taberna, en una reunión de amigos, en el campo de batalla o en el cuarto de cualquier muchacho. En Brasil, la guitarra ha combinado la armonía la melodía y el ritmo para ofrecer una forma de arte exquisita que alcanzó sus momentos mas gloriosos a finales de la década de los 50 en Rio de Janeiro con la eclosión del movimiento de la bossa nova y que tuvo como protagonista a esa figura legendaria que es João Gilberto. Otros grandes como Baden Powell, Toninho Horta, Luiz Bonfa, Lula Galvão o Guinga serán nuestros invitados en esta noche en la que nos abandonaremos al encanto mágico de la guitarra brasileña.

En nuestro nueva cita mensual con el mejor jazz de la red, Radio Jazznoend os propone descubrir el universo musical del guitarrista Kurt Rosenwinkel. Un prodigioso instrumentista y compositor que, a lo largo de las últimas décadas, se ha erigido como la voz más destacada en su instrumento desde Pat Metheny o John Scofield. Innovador e inconformista, en la variedad de sus proyectos, en su dominio de otros instrumentos, especialmente el piano, y su genio creativo en la composición, se descubre a un artista poliédrico, inclasificable, que navega con su música en un ámbito de texturas y abstracciones a menudo alejadas de planteamientos más convencionales y comerciales. En su guitarra hay una constante exploración de sonoridades que se alejan del sonido clásico de la guitarra de jazz, definido por esa figura seminal que es Wes Montgomery, al que Rosenwinkel no reconoce entre sus principales influencias, buscando sus referencias más allá del jazz, en el rock, la música pop, los compositores clásicos o en los entornos de la música electrónica o brasileña. Un artista inquieto, sin barreras ni prejuicios, a cuya obra nos aproximaremos a través de algunos de sus registros más destacados y que escucharemos en los más variados contextos al lado de otros grandes músicos de los más diversos estilos.

En Radio Jazznoend escribimos una página más de nuestra Poesía del Jazz, en esa serie de programas que desde hace años protagonizan un armonioso encuentro entre la poesía musical del jazz más selecto y las hermosas piezas literarias de nuestro amigo y poeta de cabecera, Mariano Moreno. En esta ocasión el tema inspirador serán las baladas olvidadas de algunos de esos artistas malditos, tantas veces recordados y reivindicados en nuestros programas. Los olvidados, los perdedores, siempre tan presentes en Radio Jazznoend, donde los acogeremos nuevamente, decididos a que no se pierda para siempre ese fino vínculo entre su obra nacida hace décadas en la penumbra y el tiempo presente, donde el jazz del pasado pierde terreno y parece destinado a la derrota y al olvido. Envueltos en una brumosa atmósfera de nostalgia y melancolía, contaremos en este proyecto con la imprescindible presencia de nuestro amigo y socio Enrique de Ramón, con el que recorreremos los rincones más líricos de los arrabales perdidos de la gran era jazzística.

Radio Jazznoend, dedica su nuevo programa a la cantante brasileña Astrud Gilberto que nos dejó en el año 2023. Su imprevista intervención en el álbum de 1964, Getz/Gilberto, cantando la versión inglesa de los temas The Girl from Ipanema y Corcovado, junto a su esposo João Gilberto, el saxofonista Stan Getz y el compositor Antonio Carlos Jobim, la transformaron, de la noche a la mañana, en una artista profesional y erigiéndose, para el mundo entero, en la voz femenina de la bossa nova. Astrud Gilberto una hermosa e ingenua joven de 22 años, un ama de casa, como la denominaría Stan Getz, pasó en un instante del total anonimato, a encarnar en el imaginario colectivo el sueño idealizado de un país de sol, de playas desiertas y de hermosas melodías a la luz de la luna. La bossa nova hacía soñar a medio mundo y nadie quería abandonar aquel paraíso imaginado. De su rostro triste, de su voz frágil y susurrante, emanaba una sutil e irresistible sensualidad que cautivó a millones de oyentes en todo el orbe. Los discos grabados para Verve en la segunda mitad de los sesenta del pasado siglo, dan testimonio de la era dorada de su carrera. Con la llegada de los setenta, se produce un progresivo declive de su popularidad y de su actividad discográfica, paralelo a la propia decadencia del movimiento de la bossa nova con que había alcanzado el estrellato, aún cuando continuaría activa en los escenarios y clubes hasta su retirada definitiva en el año 2002. Su fama y su éxito le permitieron grabar al lado de algunos de los más grandes de la música pop y del jazz de la segunda mitad del siglo XX. Figuras tales como los arreglistas Claus Ogerman o Gil Evans, el compositor Antonio Carlos Jobim o el trompetista Chet Baker. Sin embargo, su carácter reservado y su timidez, mantuvieron ocultos al público, los pormenores de su vida privada. Nuestro nuevo programa será un viaje a través del agridulce camino de Astrud Gilberto por el mundo de la música en esa difícil convivencia entre su afán de intimidad y anonimato con el éxito y la popularidad que la consagraron como la verdadera Garota de Ipanema.

Estados Unidos y Japón dos países separados por un abismo histórico cultural y también por una cruenta guerra que dejó cicatrices imborrables. Un antagonismo que con el paso de los años encontró un camino de reencuentro y comprensión al que no fue ajeno el mundo del jazz El público japonés descubrió en el jazz una forma de arte moderna, innovadora y atractiva que se ajustaba a los nuevos gustos y tendencias de aquella compleja y contradictoria sociedad que, ya a mediados del siglo XX, comenzaba a abrirse a las influencias culturales occidentales navegando entre el universo de las innovaciones tecnológicas y la tradición ancestral de su país. Y en ese nuevo Japón futurista, construido sobre las más profundas raíces históricas y culturales, comienzan a aventurarse los músicos de jazz norteamericanos a partir de la década de los sesenta del pasado siglo, descubriendo maravillados, una sociedad acogedora y respetuosa. Un público devoto y entusiasta insaciable de aquella forma de arte que en su propio país de origen era tratada con desdén, a menudo como una vulgar forma de entretenimiento, siendo sus protagonistas objeto de las crueles consecuencias del racismo y la discriminación Así que, aquel encuentro mitad choque, mitad abrazo, espoleó a los artistas norteamericanos a corresponder a toda aquella cortesía, a la veneración de la afición nipona, dando lo mejor de su arte en los escenarios de aquel país, cuyos registros discográficos son un testimonio del empeño de aquellos jazzmen en agradecer todas esas atenciones impensables en la conflictiva Norteamérica de aquellas décadas. Pero más allá de este fenómeno que hemos abordado en diversas ocasiones en Radio Jazznoend, el influjo de Japón sobre los artistas norteamericanos se tradujo en creaciones musicales, en grabaciones y composiciones dedicadas a aquel país, que tal impactó tuvo en sus vidas que llegó a adentrarse en ocasiones, en lo más íntimo de sus existencias. Nuestro podcast se centra en esta ocasión en aquellas composiciones y registros que algunos de los más destacados artistas del jazz moderno, dedicaron a Japón tras su paso por los escenarios de aquel misterioso país, tomando como fuente de inspiración, sus ciudades, su cultura o sus gentes. Una inspiración que alcanzó a las más brillantes figuras del jazz moderno como Art Blakey, Horace Silver, Thelonious Monk, Louis Hayes, Dave Brubeck o el guitarrista Allan Holdsworth que cerrará nuestro programa con su deslumbrante Tokyo Dream.

El trompetista y cantante Chet Baker, venerado en sus años crepusculares como icono de la decadencia y la melancolía, concibió a partir de sus limitaciones físicas un estilo, que dejaba de lado el virtuosismo o las capacidades técnicas del músico, tan debilitadas en el Baker de aquellos años, para dar paso a una nueva forma de expresión basada en el puro lirismo y la emoción. Hasta el punto de que aquellas limitaciones técnicas, tal vez inaceptables en cualquier otro músico y su propio proceso de deterioro físico, se integraron, en el caso de Baker, como un elemento sustancial en la construcción de su personaje legendario. Las inapelables exigencias de sus terribles adicciones, convirtieron su vida en una peregrinación por una eterna noche de clubes y teatros, un proceso percibido por el público europeo como un martirio, una suerte expiación de la que en ocasiones surgía la más pura belleza profunda e inaprensible. La intensidad de su mensaje musical así como el irresistible atractivo de su leyenda, dejó tras su trágica muerte en Amsterdam en 1988, un legado heredado por varias generaciones de músicos, especialmente europeos, tributarios de aquella sensibilidad, de aquella dramática concepción de la vida y del arte. Nuestro podcast recorre algunos de los más interesante homenajes discográficos que el trompetista ha recibido a lo largo de los años, por parte de artistas de los más diversos estilos, procedencias y épocas, desde el pianista norteamericano Richie Beirach, que acompañó a Baker en la década de los setenta, pasando por el conmovedor tributo de los trompetistas italianos Enrico Rava y Paolo Fresu, del alemán Till Brönner o del francés Stephane Belmondo, todos ellos herederos en mayor o menor medida del sonido y el estilo de Baker y por tanto, testigos vivientes de su imborrable huella.

Pat Metheny y Lyle Mays, dos jóvenes nacidos en el medioeste americano que compartían similares inquietudes artísticas y una concepción creativa simbiótica, fértil y complementaria. El destino los unió en el festival de jazz de Wichita de 1975 y juntos crearon la banda de fusión más innovadora de su época, con la que, durante varias décadas, alcanzaron como ninguna otra, el difícil equilibrio entre la sonoridad orgánica de los instrumentos acústicos y la de los sintetizadores. en cuya interpretación Mays fue un verdadero maestro. El Pat Metheny Group, manteniendo una esencia profundamente jazzística, nos ofreció durante su existencia, una inspiradora fusión de jazz, rock, música folk e influencias brasileñas, envuelta en atmósferas y paisajes sonoros inéditos y cautivadores que triunfó entre la audiencia joven de su generación logrando el casi imposible reto de convertir una banda de jazz en un éxito comercial. Pat Metheny es el gran guitarrista de su generación. Su estilo moderno y vanguardista hunde sus raíces en la tradición de la guitarra del jazz moderno más clásico de Wes Montgomery o Jim Hall y a partir de ahí se alimenta y evoluciona con todo el acervo musical de las vanguardias y revoluciones habidas en el jazz en la década de los sesenta fusionadas con toda la música popular y el rock de su época, desde los Beatles al rock progresivo de los setenta. Lyle Mays, pianista de formación clásica, es también un hijo de su época y pronto se siente atraído por el universo de los sintetizadores que surge en los setenta. Casi un hombre del renacimiento interesado por las matemáticas, la arquitectura o el ajedrez, fue un prodigioso compositor e intérprete de inspiración evansiana, cuyos sonidos sintetizados marcaron hitos y son objeto de admiración e imitación. Y aunque su propia discografía es bastante modesta, sus trabajos en el Pat Metheny Group le hicieron acreedor de 11 Premios Grammy. En nuestro nuevo programa profundizaremos en la obra que estos dos grandes artistas crearon juntos para aquella banda, con la secreta intención de reivindicar la figura de ese genio de los teclados que fue Lyle Mays, fallecido en 2020, que brilló a la sombra del guitarrista Pat Metheny como un gran intérprete, como un genial compositor, brillante en el piano acústico y pionero en el universo de los sintetizadores. Un artista condenado por su carácter y personalidad a permanecer oculto a la sombra de esa rutilante estrella que es Pat Metheny, pero sin cuyas decisivas aportaciones como compositor, arreglista e intérprete, el grupo tal vez no hubiera existido o hubiera sido algo muy distinto. Acompáñanos en nuestro nuevo programa a disfrutar de la música ensoñadora del Pat Metheny Group; un viaje transformador, una experiencia musical irrepetible, en la que Mays volcó todo su potencial como portentoso intérprete y compositor y que para Metheny, a pesar de su sustancial contribución a la evolución del jazz en los más variados proyectos, constituye el proyecto artístico y vital más relevante de toda su carrera que le confirió en gran medida la fama y el prestigio que aún hoy le siguen acompañan. Lorenzo Orriols

El segundo gran quinteto de Miles Davis es una leyenda del jazz moderno. Allí se encontraron, a mediados de la década de los sesenta del pasado siglo, el pianista Herbie Hancock y el saxofonista Wayne Shorter que, durante apenas cuatro años, fueron los arquitectos de un nuevo estilo basado en una evolución abstracta e innovadora del jazz modal. En aquel conjunto nació entre ellos una profunda afinidad artística que, con el paso de los años, dio paso a la amistad y a la comunión espiritual y religiosa, pues ambos abrazaron el budismo como religión y filosofía vital, como forma de entender la existencia, de encarar sus desafíos y aceptar sus contrariedades. Tras la disolución de la banda de Davis, cada uno de ellos siguió su propio camino profesional, obteniendo grandes éxitos en sus respectivas iniciativas musicales, aunque no perdieron la oportunidad de reencontrarse, a lo largo de las últimas cinco décadas, en diversos proyectos, tanto en estudios de grabación como en escenarios del mundo entero. Cada uno de ellos es una celebración de la mejor música que revive aquella magia que en su día crearon para Davis, enriquecida con los frutos de su propia evolución artística y personal. En Radio Jazznoend hemos rebuscado en nuestra discoteca para ofreceros algunos momentos estelares de aquellos encuentros históricos entre Hancock y Shorter, desde los entornos jazzísticos más ortodoxos, algunos de ellos junto a los miembros del legendario quinteto davisiano, hasta las deslumbrantes colaboraciones con artistas como Milton Nascimento o la cantante canadiense Joni Mitchell, que será glosado éste último, por nuestro amigo y socio Enrique de Ramón.

Fieles a uno de nuestros principios fundacionales, en Radio Jazznoend recuperamos para nuestra audiencia la figura de Pepper Adams. Un infravalorado genio del saxofón barítono en cuya vida y carrera se encontraron la genialidad artística con la fatalidad. Un gran artista merecedor de éxito y popularidad pero condenado al fracaso y al olvido por la injusticia y el adverso azar que a menudo acompaña la condición humana y muy especialmente la vida de muchos de los grandes héroes de la historia del jazz. Recorremos en nuestro nuevo programa la carrera de Adams, desde sus comienzos en Detroit, siguiendo con sus primeros registros como líder en California, sus años perdidos en la cuerda de saxos de la orquesta de Thad Jones y Mel Lewis y su emergencia como gran solista a partir de 1977, una vez liberado de sus ataduras con la big band de su gran amigo Jones. En nuestro programa reivindicaremos, no solo la condición de Adams como el más destacado intérprete del saxo barítono de la historia del jazz, poseedor de una técnica portentosa nunca vista y nunca repetida en su instrumento, sino también sus cualidades como gran compositor, autor de piezas de infeccioso swing, construidas sobre estructuras armónicas complejas y originales y también de inspiradas y emocionantes baladas que ocuparán un lugar muy destacado en nuestro programa, en el que disfrutaremos de la presencia de nuestro amigo y socio Enrique de Ramón, irredento admirador del gran saxofonista. Nuestro también gran amigo José María García Barrio, protagonizará un momento muy especial con la lectura del poema de E.E. Cummings, I Carry Your Heart, una muestra de desatado lirismo sin concesiones y de la heterodoxia estructural que caracteriza el estilo del poeta estadounidense. Una pieza poética que fue recitada en la boda de nuestro protagonista, a la que dedicó una de sus más conmovedoras baladas.