Werben im Podcast: Kunst Radar I Der Podcast über den Kunstmarkt

Die Nutzung fremder Fotos als Vorlage zur Schaffung neuer, eigener Kunstwerke ist zur Gepflogenheit unter Künstlern geworden - dies jedoch zumeist ohne Zustimmung der Fotografen. Auch berühmte Künstler bedienen sich an Fotografien Dritter und handelten sich dafür schon Ärger ein. Ist die Nutzung fremder Fotos ohne Zustimmung ihrer Fotografen generell verboten? Falls nein, unter welchen Voraussetzungen ist eine solche zulässig?

Wenn Galerien schließen, wird regelmäßig darüber berichtet - wieso, weshalb, warum. Es wird analysiert, was das für das Galeriemodell als solches und den Kunstmarkt insgesamt bedeutet. Worüber aber kaum berichtet wird ist, wenn Künstler aus dem Kunstbetrieb aussteigen. Nicht gezwungenermaßen, wie alters- oder krankheitsbedingt, sondern als kalkulierten Schritt. Manche nehmen sich eine Auszeit, andere steigen für immer aus. Was bedeutet das für den Kunstmarkt - für Galerien, Kuratoren und Sammler? Haben Künstler Ihnen gegenüber eine Verantwortung, die sie bei ihrer Entscheidung zu berücksichtigen haben? Was bedeutet das für ihr Werk, das sie hinterlassen? Ist oder wäre eine Rückkehr in den Kunstbetrieb einfach so wieder möglich?

Der Landesrechnungshof Baden-Württemberg bemängelte, dass die Eintrittspreise für Museen zu billig seien und schlug deren sukzessive Erhöhung vor. Lässt sich diese Aussage auf den Kunstbetrieb im Allgemeinen übertragen? Denn: Künstler bekommen keine Ausstellungshonorare und müssen ihre Reisekosten meist selbst tragen, Vernissagen in Galerien werden mehr als Event und Gratisausschank verstanden, denn als Ort des´ Kunstdiskurses. Kunst wird von vielen konsumiert, ohne dass sie etwas zurückgegeben. Warum hat die Kunst mehr mit der Gratismentalität zu kämpfen, als andere Branchen?

Galerien vertreten Künstler. Das war schon immer so. Sie stellen für sie Öffentlichkeit her, vermitteln Kunst und Kunstkäufe und sind Schnittstelle zu anderen Akteuren des Kunstbetriebs. Die Interessen von Galerien und Künstler sind dabei nicht immer deckungsgleich. Das Internet und die sozialen Medien haben für Künstler die Möglichkeit der Eigendarstellung und Selbstvermarktung eröffnet. Was bedeutet das für eine Galerievertretung heute? Brauchen Künstler Galerien noch? Und wie haben sich Galerien programmatisch verändert?

Das Finanzamt, der Partner oder Kinder - viele müssen als Ausrede dafür herhalten, weshalb ein Kunstkauf nun doch nicht (mehr) in Frage kommt. Künstler oder jene, die sich für solche halten, sind mitunter nicht besonders geschickt, wenn es darum geht, Galerien oder andere Ausstellungsmacher auf sich aufmerksam zu machen. Was für die einen unterhaltsame Anekdoten aus dem Alltag von Galerien sind, ist für die letztgenannten allerdings weniger amüsant.

Möglichst lange fit, jung und gesund bleiben: Unzählige Studien und Ratgeber gibt es zu diesem Thema. Nun hat sich eine Studie der Frage gewidmet, ob und wie sich das Beschäftigen mit Kunst und Kultur den Alterungsprozess verlangsamt. Welche kognitive, emotionale und physiologische Auswirkungen lassen sich ausmachen? Hat der Umgang mit Kunst und Kultur einen ähnlichen Effekt, wie die 10.000 Schritte, die man täglich gehen sollte? Wie kann man den kognitiven und gesundheitlichen Effekt selbständig noch skalieren?

Ein Gespräch mit dem jungen Schweizer Künstler Attila Wittmer über die Kunst und den Kunstbetrieb. Warum Kunst studieren und nicht einfach drauf los malen? Wie findet man Zugang zum Kunstmarkt und wie welche Rolle spielen dabei soziale Medien? Wie arbeiten junge Künstler und was motiviert sie?

Galerien sind Teil des Kulturbetriebs und wichtige Kunstvermittler. Sie sind aber auch Geschäfte, die Umsätze generieren müssen. Beobachtet man aber die ein oder Galerie bzw. ihre Mitarbeiter, könnte man Zweifel haben, ob sie sich bewusst sind, dass sie Wirtschaftsbetriebe sind. Preisanfragen, die unbeantwortet bleiben, schmallippige Mitarbeiter, unterkühltes Stimmung, sparsame Informationspolitik, mangelnde Kundenfreundlichkeit oder fehlender Weitsicht. Es gibt viele Anekdoten zu erzählen, die den Schluss zulassen, dass sich die ein oder andere Galerie selbst im Wege steht - gerade was den wirtschaftlichen Erfolg angeht.

Schätzpreise, Limit und Zuschlagpreis - wer auf Auktionen kauft, muss rechnen können. Welche Kosten kommen auf den Zuschlagpreis obendrauf? Wie errechnet sich der Endpreis? Im Handel und Galerien sind seit einigen Jahren Preisangaben mit dem Hinweis "Netto oder exklusive Umsatzsteuer" zu finden. Was ist dann der effektive Endpreis für das Kunstwerk? Welcher Umsatzsteuersatz gilt? Ist die Angabe von Nettopreisen überhaupt zulässig?

Das Zitat von Joseph Beuys "Jeder Mensch ist ein Künstler" wird so häufig gebraucht, wie missverstanden. Was wollte er damit sagen? Welche Botschaft geht von seiner Vorstellung der "sozialen Plastik" aus? Es ist ein Unterschied, Bilder zu machen oder Kunst zu schaffen. Warum nicht jeder Mensch ein bildender Künstler ist und weshalb das Zitat von Beuys nicht taugt, um sich als Künstler zu legitimieren, wird in dieser Ausgabe besprochen.

Es gibt ihn nicht mehr, den Sammler, also jene Spezies, die über Jahre hinweg einen Künstler durch Ankäufe begleitet und sein Werk in einer Sammlung entsprechend abbildet. Es wachsen keine Sammler nach, jüngere Generationen denken heterogener und wenden sich auch anderen Sammlergebieten zu, wie Uhren, Sneaker oder Handtaschen. So beklagt der Kunstbetrieb über - angeblich - schwindendes Interesse am Kunst sammeln. Geht aber tatsächlich das Interesse an der Kunst verloren oder sind schlichtweg die Preise zu teuer, um als Sammelgebiet noch attraktiv zu sein? Und haben es Künstler und Galerien vielleicht auch verabsäumt, Alternativen anzubieten, um Menschen an Kunstkäufe heranzuführen?

Als Gender Pay Gap wird die geschlechterbedingte Ungleichbehandlung in der Entlohnung für eine vergleichbare Tätigkeit bezeichnet. Auch im Kunstbetrieb werden unter diesem Begriff geschlechterbedingte Umsatz- und Einkommensunterschiede - zu Lasten von Künstlerinnen - beklagt. Lässt sich die Gender Pay Gap Problematik, wie sie aus Angestellten- und Arbeitsverhältnissen bekannt ist, auf den Kunstbetrieb überhaupt übertragen? Wird im Kunstbetrieb tatsächlich gleiches Ungleich behandelt? Oder liegt das Problem nicht vielmehr woanders?

Wirtschaftliche, steuerliche und rechtliche Aspekte sind nicht Teil des Lehrplans einer Kunstakademie. Spätestens dann, wenn Künstler diese verlassen und auf den Kunstmarkt treffen gilt: Künstler sind Teil eines Wirtschaftssystems und müssen unternehmerisch denken. Hieran mangelt es aber nach wie vor. Künstler sind heute mehr Unternehmer denn je. Nach wie vor ist unternehmerisches Denken aber nur rudimentär vorhanden. Fehlendes Unternehmerdenken aber kostet Zeit, Geld und Karriere.

Aufhängen, Abhängen, Rahmen und Lagern. Der Umgang mit Kunstwerken verlangt Vorsicht und Feingefühl. Wer den Zustand eines Kunstwerkes bewahren will, sollte einiges beachten. Wie fasse ich Gemälde und Skulpturen an und was sollte tunlichst unterbleiben? Wo und wie hängt man Kunstwerke am besten nicht auf, welche Fehler sollten bei Rahmung und Lagerung vermieden werden? Auch Kunstwerke haben Gefühle und verdienen eine umsichtige Behandlung.

Wirtschaftlich unruhige Zeiten, harter Wettbewerb, dank digitaler Möglichkeiten sich selbst vermarktende Künstler - Was sind die aktuell größten Herausforderungen für Galerien ?Hat das klassische Galeriemodell tatsächlich ausgedient? Braucht es heute Secondary Market und Künstler Nachlässe im Programm? Wie sollten Künstler vorgehen, um auf sich aufmerksam zu machen? Diese andere Fragen stelle ich Carolin Leistenschneider von der Berliner Galerie Haverkampfleistenschneider.